AVANCE EXPOSICIONES EN ESPAÑA 2026. FUTURAS
Redacción
Ordenadas por Comunidades Autónomas.
ANDALUCÍA
CORDOBA
MÁLAGA
Joana Vasconcelos / Transfiguración, Museo Picasso, Málaga. Del 29 de mayo al 27 de septiembre de 2026.
Una propuesta que subraya la transfiguración como núcleo de la obra de esta artista, aludiendo a cómo Vasconcelos transforma y resignifica distintos ámbitos de la realidad. La exposición reúne una selección de piezas que permiten recorrer su trayectoria, desde obras de finales de los años 90 hasta creaciones recientes, ofreciendo una mirada renovada sobre su evolución artística. A través de esculturas e instalaciones monumentales, Vasconcelos explora la relación entre las tradiciones portuguesas y el arte contemporáneo, convirtiendo materiales cotidianos —como textiles, cerámicas o azulejos— en piezas que celebran el patrimonio cultural y la identidad colectiva desde una perspectiva crítica y transformadora. Entre las instituciones prestadoras destacan la Fondation LVMH pour la Création, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), la Colección Luis Adelantado y obras procedentes del propio estudio de la artista.
SEVILLA
Virginia Chihota, ‘Kupinduka’, CAAC, Sevilla. Desde 19 de marzo 2026.
Comisariada por Jimena Blázquez.
Se estructura en torno al concepto homónimo que en ‘shona’ alude a un giro o tránsito hacia otro estado. La obra de Chihota subraya las formas en que la agencia femenina interrumpe fronteras y activa preocupaciones sobre diferentes formas de pertenencia. La subjetividad emerge como un concepto incrustado en nociones de interrelación.
Virginia Chihota nació en 1983 en Chitungwiza, Zimbabue, y actualmente vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos. Se graduó en Bellas Artes en los Estudios de la Galería Nacional de Arte de Harare, Zimbabue, en 2006. Chihota representó a Zimbabue en la 55ª Bienal de Venecia en 2013.
Manuela Solano, Alien Queen / Paraíso extraño’, CAAC, Sevilla. Desde 28 de mayo 2026.
En colaboración con el Museo Tamayo, exhibirá más de 30 pinturas con retratos de gran formato de personajes reales y ficticios de la cultura pop que han quedado íntimamente ligados a la vida personal de la artista.
A partir de sus vivencias personales y pintando directamente con las manos, Solano revisita la estética de los ochenta, noventa y dos mil, en donde lo local y lo global, lo alternativo y la cultura de masas se entrecruzan. La artista selecciona personajes peculiares de la música y la moda, el cine y la televisión, el internet y las revistas, para revivir un imaginario vinculado con momentos de su propia biografía: la adolescencia y la madurez, los amores, las aflicciones, la fiesta y el sosiego.
En ese repaso, Solano apunta: “perdí la vista a los 26 años a causa de una infección relacionada con el VIH que fue tratada negligentemente; desde entonces se conjugan en mi práctica cultura visual y memoria”. Las densas capas de pintura que se advierten en las piezas revelan un proceso pictórico íntimo, en donde la memoria expone múltiples contrastes y los trazos evidencian disyuntivas surgidas durante el proceso de producción y en la vida personal de Solano.
Las obras incluidas en Alien Queen/ Paraíso Extraño funcionan como una colección de autorretratos. Nos recuerdan que la construcción de la identidad es un proceso que tiene lugar a lo largo del tiempo, que resulta de nuestras interacciones y de las exploraciones de nuestro entorno. La adopción de diferentes roles nos permite enfrentar desafíos sociales y desarrollarnos en nuevas direcciones. En este sentido, Manuela Solano entiende la identidad como un acto tanto de supervivencia como de subversión, y su obra surge no sólo de la fragilidad sino también del goce.
Ese mismo día, se presentarán el proyecto de Johanna Failer, que forma parte del programa Iniciarte de la Consejería de Cultura.
ARAGÓN
ASTURIAS
OBRA INVITADA: M3X3, de Analívia Cordeiro, Laboral, Gijón. Del 25 de septiembre a marzo de 2027.
Obra invitada es uno de los nuevos programas que LABoral Centro de Arte y Creación Industrial pone en marcha en 2026 con el objetivo de activar un espacio expositivo específico dedicado a la presentación de una única obra procedente de colecciones públicas y privadas.
La primera edición se realiza en colaboración con New Art Foundation, en el marco del convenio firmado entre ambas instituciones para los próximos tres años. Este acuerdo busca conectar públicos, ampliar el alcance de los proyectos y dar visibilidad en Gijón al arte tecnológico a partir de una colección privada de referencia. La NewArt collection, iniciada en 2003, reúne cerca de 200 obras de arte electrónico, digital y tecnológico.
La obra seleccionada para inaugurar Obra invitada es M3X3 (1973), de Analívia Cordeiro, una pieza pionera del videoarte en Brasil y una de las primeras experiencias de videodanza a nivel internacional. Considerada una referencia histórica, la obra replantea el lenguaje de la danza a partir de un sistema propio de notación del movimiento (Nota Anna), desarrollado posteriormente mediante un programa de computación experimental, estableciendo un temprano diálogo entre cuerpo, imagen en movimiento y tecnología. Cordeiro, una de las figuras clave del desarrollo del video en Brasil, se sitúa en la estela del arte neoconcreto y en conexión con las transformaciones de la danza moderna y las prácticas performativas de su tiempo.
BALEARES
CANARIAS
CANTABRIA
Yuko Mohri, Entrelazamientos, Centro Botín, Santander. Del 28 de marzo a 6 de septiembre de 2026.
Comisariado: Fiammetta Griccioli y Vicente Todolí en Pirelli HangarBicocca y Bárbara Rodríguez Muñoz en el Centro Botín.
Yuko Mohri (Kanagawa, Japón, 1980) es conocida por sus composiciones intrincadas y originales, recientemente presentadas en el Pabellón de Japón de la 60ª Bienal de Venecia (2024). Inspirada en Marcel Duchamp (1887–1968), Mohri crea esculturas cinéticas específicas para el espacio expositivo que incorporan objetos encontrados, así como instrumentos musicales intervenidos y conectados a circuitos electrónicos. Sus obras responden a fenómenos imperceptibles, transitorios y efímeros, como la gravedad, el magnetismo, el calor y la humedad. Elementos ambientales aleatorios e inestables —como el aire, el polvo, los restos y la temperatura— configuran sus ensamblajes, transformándolos en ecosistemas orgánicos donde el componente sonoro es central.
Entralazamientos es, hasta la fecha, la exposición individual más extensa de Yuko Mohri en una institución europea. El título evoca los vínculos invisibles y las complejas interacciones que existen entre objetos, fuerzas, sonidos y personas. La muestra explora cómo cada elemento pertenece a un sistema interconectado en el que nada actúa de manera independiente y todo forma parte de una vasta red de relaciones en constante evolución. Las esculturas delicadamente equilibradas de Mohri revelan la complejidad latente de las estructuras naturales y artificiales que constituyen nuestro mundo y el flujo constante de energía que nos rodea. A través de los materiales que emplea, Mohri introduce una sutil ironía y una dimensión lúdica casi oculta, recurriendo a referencias culturales que van de la filosofía a la cultura pop, así como a influencias iconográficas y sonoras que abarcan desde el arte cinético hasta la experimentación sonora.
Marisol: Cuando todo está por comenzar. Dibujos de 1949 a 2016, Centro Botín, Santander. Del 23 de mayo al 25 de octubre de 2026.
Es la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol, con más de 100 obras que abarcan desde los años cincuenta hasta su muerte, presentados junto con una selección de esculturas -que amplían su práctica del dibujo hacia lo tridimensional-, materiales del archivo de la artista y varias de las películas de Warhol en las que Marisol es protagonista. La amplia selección de obras, procedente en su gran mayoría de la colección del Buffalo AKG Art Museum, pone de relieve el dibujo como el hilo más constante en la carrera de Marisol, el medio a través del cual entretejió sus preocupaciones globales, incomodidades privadas y ficciones imaginativas en el desarrollo de su práctica.
El título evoca el comentario del galerista Leo Castelli a Marisol a finales de los años cincuenta, cuando la artista dejó los Estados Unidos tras su exitosa presentación en la galería en Nueva York de Castelli —«¿Cómo puedes marcharte ahora, cuando todo está por comenzar?»—. La frase también resuena con sus posteriores decisiones de retirarse del centro del mundo del arte en momentos clave de su carrera, tras los cuales su obra reemerge profundamente transformada.
Solange Pessoa, Centro Botín, Santander. Del 10 de octubre 2026 a marzo de 2027.
Comisariado: Bárbara Rodríguez Muñoz, directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín.
Solange Pessoa canaliza una visión encantada del mundo natural, creando pinturas, instalaciones y esculturas profundamente enraizadas tanto en los paisajes del sureste de Brasil —donde vive— como en los lenguajes visuales más primitivos de la humanidad. En su práctica, incorpora de manera constante materiales orgánicos, minerales y no convencionales, como plumas, semillas, piedras, lana, huesos, cabello y tierra, junto con bronce, arcilla y objetos encontrados. Al combinar sustancias duraderas, como la piedra, con materia orgánica efímera, Pessoa produce obras que resuenan como reliquias arqueológicas y, al mismo tiempo, rinden homenaje a los ciclos naturales de crecimiento, decadencia y transformación.
Esta será su primera exposición en España, una muestra que ofrecerá una amplia panorámica de su práctica artística, que abarca escultura, dibujo, cerámica, instalación y cine. Concebida en estrecho diálogo con la arquitectura y la luz de las salas del Centro Botín, la muestra pondrá de relieve su acercamiento a símbolos prehistóricos y ancestrales, así como su uso inventivo de materiales orgánicos y no convencionales.
CASTILLA Y LEÓN
SALAMANCA
Candela Sotos, DA2 Salamanca. De marzo a junio 2026.
En 2026, Visiones Contemporáneas, últimas tendencias del cine y el vídeo en España, proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel Martín y Natalia Piñuel Martín), llega a su decimocuarta edición, e inauguramos la temporada con el ciclo dedicado a la artista visual y cineasta Candela Sotos.
Candela Sotos trabaja de forma interdisciplinar en archivo, imagen y botánica. Incorpora distintas metodologías que vinculan la transmisión oral con la práctica colaborativa, buscando formas de producir imágenes y relatos en torno a la memoria, que se materializan en diversos formatos: instalaciones, publicaciones y películas.
Estudió Comunicación Audiovisual en Madrid y un Máster en Artes plásticas y fotografía en Paris 8. También fue parte del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato di Tella de Buenos Aires.
Ha presentado su trabajo en centros de arte y festivales como CRA Matadero Madrid, Sala de Arte Joven (Madrid), Fundación Cerezales Antonino y Cinia (León), Centro Pompidou Málaga y el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Argentina) entre otros, además del Festival Internacional Visions du Réel (Suiza), Seminci (Valladolid) y el Festival de Cine Español de Toulouse donde obtuvo el premio al mejor documental.
Ha sido seleccionada en el Circuito de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, recibido ayudas a la creación del Ministerio de Cultura, Fondo Nacional de las Artes de Argentina y Ayuntamiento de Madrid. Forma parte del catálogo de artistas de la Galería Freijo (Madrid).
Candela Sotos vive y trabaja en Madrid. Esta será la primera vez que exponga su obra en Salamanca.
SEGOVIA
CATALUNYA
BARCELONA
Dana Lixenberg, KBr, Barcelona. Del 30 de septiembre 2026 al 17 de enero de 2027.
Exposición de la fotógrafa neerlandesa Dana Lixenberg con trabajos realizados en Estados Unidos desde 1993 hasta la actualidad, dedicados a iconos culturales y a las comunidades marginadas.
Aurèlia Muñoz, Entes, MACBA, Barcelona. Del 5 de noviembre 2026 al 29 de marzo de 2027.
Los primeros collages y ensamblajes, de influencia surrealista y gótica, y los grandes bordados pictóricos de Muñoz darán paso a una selección inédita de grandes estructuras de macramé procedentes de colecciones institucionales de España, Europa y Estados Unidos. Sus emblemáticas esculturas-cometa y sus últimas instalaciones, realizadas con papel hecho a mano, también tendrán una presencia clave en la exposición, que, igualmente, incluye una vasta selección de dibujos y maquetas inéditos.
A pesar de la vinculación inicial de la artista a movimientos como la nouvelle tapisserie y a la Escuela Catalana del Tapiz, la práctica de Muñoz trasciende los ámbitos del tejido, la fibra o la artesanía. Combinando técnicas ancestrales y recursos contemporáneos, Muñoz respondió a las incipientes crisis del mundo postindustrial prestando atención al impacto en los ecosistemas terrestres, acuáticos y aéreos, que emergen como grandes motivos en su producción.
El título de la exposición, Aurèlia Muñoz. Entes, hace referencia a uno de los conceptos fundamentales en la obra de esta artista. La propuesta aborda más de cincuenta años de su práctica polifacética, ofreciendo una visión sin precedentes y abriendo nuevas perspectivas sobre su singular legado. La retrospectiva la organiza el MACBA con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), de Madrid, y ha sido concebida como proyecto coral por la plataforma de investigación einaidea (Fundación EINA, Barcelona) en diálogo estrecho con el Archivo Aurèlia Muñoz. Bajo la dirección científica de Manuel Cirauqui, director de einaidea, el comisariado del proyecto está a cargo de Rosa Lleó, curadora e investigadora asociada a einaidea, Silvia Ventosa Muñoz, responsable del Archivo Aurèlia Muñoz y conservadora especializada en textiles, y Aída Roger, curadora adjunta del MACBA.
Un catálogo innovador acompañará la muestra, con contribuciones de autoras invitadas como Melody Jue, teórica y profesora de la Universidad de California, y Ana Ramo, antropóloga y académica hispanobrasileña, además de un aparato documental actualizado que servirá como referencia definitiva para la historiografía de la artista.
Aurèlia Muñoz. Entes cuenta también con un comité científico interdisciplinario integrado por Emma Ingala, profesora titular de la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid, María Elena del Solar, doctora en antropología y experta en textiles del contexto andino, Victòria Rabal, artista y directora del Museu Molí Paperer de Capellades, Elvira Dyangani Ose, directora del MACBA, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía (MNCARS).
La exposición, que también se podrá ver en el MNCARS del 28 de abril al 7 de septiembre, es una de las propuestas del programa conmemorativo del Año Aurèlia Muñoz. El programa completo, que lidera el MACBA, se coordina con einaidea y el Archivo Aurèlia Muñoz y con el apoyo de la Generalitat de Catalunya.
LLEIDA
GALICIA
C. MADRID
“Las ingenieras domésticas y la revolución de la casa”. Colección Alfaro Hoffman, Museo Nacional de Artes Decorativas, Madrid. Del 16 de abril al 30 de septiembre 2026.
La exposición recoge toda una serie de aportaciones de investigadoras que, desde posiciones muy diversas, propusieron un cambio de percepción para integrar la vida de las mujeres, como organizadoras del hogar, en el nuevo orden económico y social que se estaba fraguando entre los siglos XIX y XX, condicionando así la evolución del espacio doméstico.
Las pioneras en este campo de investigación fueron las teóricas norteamericanas Catharine Beecher (1800-1878), Christine Frederick (1883-1970) y Lilian Gilbreth (1878-1972), cuyas reflexiones y propuestas no cuestionaban el hogar como el lugar apropiado para la mujer, pero sí el diseño y la organización de la casa. Todas ellas consideraban la arquitectura doméstica como un espacio productivo que debía facilitar el trabajo y los procesos de producción del ama de casa.
Por primera vez, la casa se diseña desde el punto de vista de sus usuarias. Las mujeres que proyectan las nuevas casas lo hacen desde la perspectiva de redefinir el confort doméstico mediante la racionalización, modernización y mecanización de su propio trabajo. Un nuevo concepto de confort, cuyas soluciones en el plano de la arquitectura doméstica, hasta ese momento ausente.
Ana Locking, Nostalgia/Utopía, Sala Canal de Isabel II, Rios Rosas, Madrid. Del 4 de marzo al 12 de julio de 2026.
Ana Locking es una diseñadora de moda consolidada, con más de 20 años de trayectoria, y conocida por combinar propuestas arriesgadas con cuestiones sociales. En esta retrospectiva se repasa su carrera, desde que comenzó a trabajar en el taller de confección de su madre, sus estudios en Bellas Artes o la primera marca que creó, Locking shocking, en 1996, hasta llegar, en 2008, a la firma que lleva su nombre.
En sus diseños, Locking fusiona artesanía y experimentación, sin dejar de lado la atención al detalle y la practicidad de las prendas. Cada colección responde a unos intereses sobre el arte contemporáneo, la actualidad y las propias vivencias de la diseñadora. Además, Locking colabora en proyectos artísticos de instituciones públicas y privadas.
Aurèlia Muñoz, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 29 de abril al 7 de septiembre de 2026.
Titulada Entes en referencia a uno de los conceptos fundamentales en la obra de Aurèlia Muñoz, la exposición propone un análisis detallado de cinco décadas de la trayectoria creativa de la artista. Organizada por el Museo Reina Sofía y el MACBA, Museu d’Art Contemporari de Barcelona —donde se podrá ver a partir de noviembre de 2026—, da cuenta de la precocidad de la artista en cuestiones que hoy son centrales, como los imaginarios interespecie y el giro ontológico de la filosofía, el perspectivismo en la etnología o los posicionamientos no binarios en torno al género. El universo de Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011) está poblado de seres inagotables: figuras sin género definido, personajes a medio camino entre lo humano y lo animal, cuerpos textiles cargados de presencia, arquitecturas vegetales, telas suspendidas, pájaros-cometa. La artista fue clave en la renovación del lenguaje escultórico textil en la Europa de la segunda mitad del siglo XX. Inicialmente vinculada a la Nouvelle Tapisserie o la Escola Catalana del Tapís, desde muy temprano desbordó los límites del arte textil y la artesanía contemporánea para articular un proyecto artístico mucho más expansivo, coherente y transversal, fruto de una profunda experimentación técnica y material. A partir de los años sesenta encontró en el macramé una vía de expresión escultórica lejos de los cánones decorativos asociados a las artes aplicadas. Su obra evolucionó desde el collage y el ensamblaje hacia estructuras textiles monumentales, velámenes y esculturas en papel, anticipando preocupaciones medioambientales y existenciales hoy muy vigentes. Aurèlia Muñoz. Entes busca abrir nuevas perspectivas sobre el singular legado de una artista fundamental, ofreciendo una mirada profunda y renovada de su universo creativo. Un universo estructuralmente innovador y conceptualmente visionario, que dialoga tanto con la ingeniería como con la etnología y combina técnicas ancestrales con recursos contemporáneos.
Ewa Juszkiewicz, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. Del 26 de mayo al 6 de septiembre de 2026.
Dentro de su programa de exposiciones en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta una monográfica de la artista polaca Ewa Juszkiewicz.
Ewa Juszkiewicz (1984, Gdańsk, Polonia) reinterpreta los códigos visuales del retrato clásico europeo para cuestionar cómo se ha representado la belleza femenina a lo largo de la historia del arte. A través de la deconstrucción y transformación de la imagen canónica de la mujer en la pintura tradicional, recontextualiza este género desde una mirada contemporánea que abre nuevas y múltiples lecturas. Sus obras combinan una técnica pictórica minuciosa con un contenido provocador y subversivo, dando lugar a piezas que beben del pasado y se presentan como audazmente transgresoras.
Carmen Laffón, Temas y variaciones, Museo Nacional Thyssen-Bornemsza, Madrid. Del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026.
El museo presenta una gran exposición de la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón (1934-2021). El proyecto, comisariado por Paula Luengo, conservadora y jefa de exposiciones del museo, se articula en torno al personalísimo mundo figurativo de la artista. Las ideas o motivos centrales que aborda en sus composiciones se repiten una y otra vez a lo largo de sus más de sesenta años de carrera entre Madrid, Sevilla y Sanlúcar de Barrameda, a veces como variaciones sobre el mismo tema y, en su etapa de madurez, en forma de series modernas.
La exposición incluye alrededor de ochenta obras, entre óleos, pasteles, carboncillos y esculturas (estas últimas de mediados de la década de 1990 en adelante), organizadas por secciones. Cada capítulo está dedicado a uno de los géneros artísticos clásicos más frecuentes en su obra —la figura, el bodegón y el paisaje— y a las iconografías propias de Carmen Laffón, como cestas, armarios, vides, cal o caliza y minas de sal.
María Lara, CentroCentro, Madrid. Del 25 de junio al 15 de noviembre de 2026.
Con esta exposición de María Lara (Loja, Granada, 1940) se salda una deuda de la ciudad con una pintora que ha sintetizado felizmente en su obra abstracción, poesía y un cálido cromatismo.
Cautin, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza/TBA21, Madrid. Del 6 de octubre 2026 al 3 de enero de 2027.
CAUTÍN es la primera exposición individual en Europa de la artista mapuche trans Seba Calfuqueo, organizada por TBA21 y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Las obras que conforman la muestra son nuevos encargos de TBA21. El título hace referencia al río Cautín, uno de los cauces más emblemáticos de la región de la Araucanía, cuyo recorrido serpentea desde su nacimiento en los Andes hasta su desembocadura en el océano Pacífico. Este río ha sido protagonista y testigo de episodios de colonización, resistencia y defensa del territorio mapuche. Su historia encarna la tensión entre fuerzas coloniales y extractivistas y la persistencia de una cosmovisión que concibe el agua como fuente de vida. En la exposición, el río se convierte en un ser vivo que modela las nuevas obras de Calfuqueo a la vez que revela las huellas de su propio tránsito. CAUTÍN invita al público a imaginar nuevas formas de relacionarnos con la naturaleza, basadas en la reciprocidad, el reconocimiento y la convivencia entre aguas, humanos, más-que-humanos y las criaturas míticas que los habitan.
Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914), Fundación MAPFRE, Madrid. Desde octubre de 2026.
Sobre la respuesta de las mujeres artistas al surgimiento del prerrafaelismo en Gran Bretaña, muy distante al academicismo de entonces. La muestra examinará cómo las pintoras de la sociedad victoriana abordaron o adoptaron rasgos de ese movimiento, a través de óleos, acuarelas, dibujos y grabados que se expondrán junto a fotografías, textiles, bordados, esmaltes y vidrieras.
Juana González, Indómita pintura, CentroCentro, Madrid. Del 22 de octubre de 2026 al 28 de marzo de 2027.
Juana González (Puertollano, 1972) presentará los últimos trabajos, en los que se expande más allá de la pintura de gran formato y explora piezas de naturaleza escultórico-instalativa.
Laura Lío, Sobre/Salto, CentroCentro, Madrid. Del 12 de noviembre de 2026 al 18 de abril de 2027.
Comisariado: Rocío de la Villa.
La ocupación del espacio y una importante carga escenográfica protagonizarán también la exposición “Sobre/Salto”, de Laura Lio (Buenos Aires, Argentina, en 1967), un proyecto acerca del cambio drástico en la gestión de la correspondencia, la comunicación y el intercambio de objetos,
inspirado en el pasado de la sede de CentroCentro.
NAVARRA
C. VALENCIANA
ALICANTE
CASTELLÓN
Tania Candiani, IVAM, Valencia. Desde el 29 de abril de 2026.
Comisariado: Blanca De la Torre.
Tania Candiani vive y trabaja en la Ciudad de México. Su práctica gira en torno a nociones expandidas de traducción, abarcando territorios experimentales donde convergen lenguajes visuales, sonoros, textuales y simbólicos. Sus proyectos profundizan en las resonancias del sonido y la política de la escucha, explorando su capacidad para transformar percepciones humanas y más-que-humanas, en sintonía con historias, ecologías y tecnologías de comunicación.
Anclada en prácticas comunales y corporales como experiencias colectivas, afectivas y rituales, su obra se nutre de historias del hacer, poniendo énfasis en la transmisión de saberes a través de tradiciones entretejidas, artesanía y memorias orales. Cultiva colaboraciones interdisciplinarias entre arte, literatura, música, arquitectura, ciencia y trabajo, fomentando el diálogo entre campos diversos para revelar epistemologías ocultas.
Su práctica confronta técnicas ancestrales con tecnologías contempo- ráneas, generando fricciones y posibilidades de transformación que vinculan tradiciones materiales con nuevas formas de creación. Por ello, Subterra/Abyssal propone una instalación inmersiva que profundiza en las relaciones simbióticas entre materia, vida subterránea y formas especulativas de existencia.
La Galería 3 se transformará en un ecosistema de vegetación densa y maleza —una atmósfera de bosque activo— donde habitan esculturas de vidrio soplado que evocan organismos multicelulares, protozoarios o criaturas imagi- narias nacidas de una ficción biológica. Estas formas, colocadas sobre bases metálicas y retroiluminadas, proyectan reflejos y campos de color sobre el en- torno, activando visualmente el espacio y estableciendo un diálogo con lo vivo. En el centro de la sala se despliega un gran rizotrón que visibiliza el mundo de las raíces y los sistemas de observación científica de lo subterráneo. Este dispositivo actuará como punto de anclaje real hacia el interior del suelo, manteniendo la conexión con el lenguaje de la investigación ecológica y botánica.
En diálogo con las esculturas entran dos vídeos, uno mostrando un time- lapse de raíces y micelios y otro con imágenes reales de corales en movimiento, reforzando la idea de un ecosistema híbrido que une lo terrestre y lo marino, lo visible y lo especulativo. Las dos composiciones sonoras cuadrafónicas se en- trelazan y se alternan en el espacio, creando un entorno auditivo que oscila entre frecuencias subterráneas profundas y cantos armónicos agudos, trazando un mapa acústico del cruce entre mundos. La coexistencia de raíces, organismos imaginarios y vibraciones sonoras da lugar a un ecosistema en transformación constante, donde la materia vibra, respira y se relaciona más allá de las categorías taxonómicas.
Cristina de Middel, IVAM, Valencia. Desde el 7 de mayo de 2026.
A Cristina de Middel nada fotográfico le resulta ajeno. Quizá porque, desde sus comienzos en el fotoperiodismo, entendió que había distintas maneras de afron- tar el desencuentro entre la verdad y la realidad. Así pues, todas sus series se comportan como pequeños tratados de iconografía, una novela visual, un sis- mógrafo sobre la manipulación de lo real. Sus obras se dejan leer como archivos de los sueños y, asimismo, como registros de los obstáculos que impiden su realización.
Unas veces, a base de captar la simbología tal cual se nos ofrece en el paisaje urbano (como sucede en el caso de Pop Totem). Otras, llevando hasta el fin un pro- yecto inconcluso (Los Afronautas). En alguna ocasión, contrastando el sentido primigenio de un fundamento con la consecuencia posterior que lo dinamita (Party).
Apoteosis Now comparte la intuición de que las tendencias ya no se cazan, nos cazan a nosotros; que las redes nos atrapan más de lo que nos emancipan; y que, más allá de la Inteligencia Artificial, el arte ha de plantarse en este mundo como un artificio inteligente. Esa es la razón por la que esta exposición se presenta como un viaje crítico, pero nunca catártico, dispuesto a abrir unas ventanas por las que entren luces que nos alumbren sin cegarnos; destellos que nos hagan ilustrados, pero no iluminados.
El propósito es que las piezas —capítulos del sistema entre racional y alea- torio de la artista- conviertan la galería 6 del IVAM en un Aleph: ese «lugar donde están, sin confundirse, todos los lugares del orbe, vistos desde todos los án- gulos». Justo en ese punto en el que nos encontraremos el presente del mundo dentro de una atmósfera apoteósica. la alusión anterior a la obra de Borges va más allá de una metáfora más o menos poética. Es, sobre todo, física, espacial, arquitectónica.
Nos encontraremos con la avalancha de unas 250 imágenes dispuestas en distintos formatos y soportes que, en su dimensión temática, combinan sin jerarquías asuntos vitales, insólitos, políticos, casuales, vulgares, instantáneos o eternos.
El matizado optimismo de las imágenes de la artista se revuelve contra una época que ha convertido lo crepuscular en el más rentable de sus productos cultu- rales, repartiendo a diestra y siniestra obituarios para el arte y la novela, la ideología y la revolución, las utopías y los matices.
En esta época gobernada por la iconoclasia, Cristina de Middel nos alerta de que la avalancha de fotografías que se nos ofrece es tan peligrosa como aquellas que se nos usurpan. Y, por eso mismo, entiende que las imágenes no solo pueden servir para someternos, sino que también para ofrecernos instrumentos capaces de liberarnos. (A nosotros y a nuestra mirada).
Melanie Smith, Solo una cosa era extraña, seguir pensando como antes, IVAM, Valencia. Desde el 24 de septiembre de 2026.
La exposición integrará las dos últimas producciones de la artista británica Melanie Smith: Estudios para ajolote (2025) y Tixinda (2025). Ambos proyectos se centran en dos animales en peligro de extinción, por un lado, el ambystoma mexicanum conocido también como ajolote mexicano; anfibio endémico del Valle de México del que quedan entre 500 y 1000 individuos en su hábitat natural y, por el otro el plicopurpura pansa, o caracol púrpura.
La púrpura de Tiro, capital fenicia, en el Mediterráneo Oriental, fue uno de los materiales más codiciados por las civilizaciones antiguas y ha teñido las telas de morado en diferentes geografías. Hoy día, este animal sólo habita, en peligro, en las costas de Oaxaca en México.
Bajo una pregunta sobre la mirada y la imagen, la artista busca en diferentes medios como la pintura, el dibujo, el video y la escultura modos de acercarse a estas formas de lo vivo sin generar representaciones deterministas. Son recorridos por diferentes escalas de visión y de perspectivas que le permiten a la artista jugar con las representaciones para proponer un acercamiento que conecte al público con el agenciamiento propio del animal, desde su corporalidad, su plasticidad, su color, en una frase, desde su particular forma de existir.
Con estas obras Smith articula una serie de preguntas sobre la relación entre cultura y naturaleza poniendo en cuestión una idea de separación y supe- rando una jerarquía ontológica de lo vivo evocando una poética que invita a otra manera de mirar, quizá más empática, más curiosa, que quiere, en los límites del propio arte, intentar aprender de los otros seres con los que vivimos.
Regina de Miguel, IVAM, Valencia. Desde el 29 de octubre de 2026.
Comisariado: Rosa Lleó.
El trabajo reciente de Regina de Miguel explora la violencia extractivista y el pensamiento geotraumático, primero en la selva colombiana (Catábasis), después en la cuenca minera de Río Tinto (Nekya). En su nuevo proyecto, busca cerrar una trilogía examinando la proyección de la explotación de recursos hacia el espacio exterior, planteando interrogantes sobre las razones y las implicaciones éticas de estas iniciativas. Sus investigaciones se apoyan en la astrobiología y la biomi- nería, con precedentes en trabajos realizados junto al Centro de Astrobiología de Madrid, donde se estudian formas de vida extremófilas en la Faja Pirítica Ibérica. Estos hallazgos, que revelan una «biosfera oscura» con organismos capaces de sobrevivir en condiciones extremas, sugieren posibles paralelismos con la vida en Marte u otros cuerpos planetarios.
La biominería, mediante el uso de microorganismos para procesos extracti- vos menos contaminantes, abre la posibilidad de un extractivismo extraplanetario, reactivando el debate sobre la terraformación, la colonización y los límites éticos de estas prácticas.
La intención de este proyecto sería la realización de una instalación que explore los aspectos descritos tratando de apelar a la construcción de nuevos modos de existencia y relación con la «materia prima» de nuestra realidad.
El planteamiento inicial propone un relato que nos sitúa entre la realidad y la ficción, protagonizado por una científica que forma parte de una misión en la luna Europa. Concretamente en la región de Conamara Chaos.
El formato de instalación audiovisual es propicio para este tipo de formula- ciones transfronterizas en las que generar un ecosistema heterogéneo de fuentes tomadas de la realidad, pero también de las procedentes del pensamiento es- peculativo. Como describe Jameson en Arqueologías del futuro, el contenido del inconsciente político está compuesto en gran medida por un conjunto de representaciones sociales recibidas y puede imaginarse que funciona como una especie de caleidoscopio: descomponiendo, mezclando y reajustando compulsivamente su colección de «imágenes sociales» del pasado de la ideología, como respuesta a los dilemas, conflictos y traumas recurrentesque pertenecen de hecho a la vida cotidiana impuesta por todos los modos de producción hasta ahora existentes.
El enfoque narrativo y visual responderá así a una discontinuidad estructural y a una hibridación genérica, recurso habitual en la ciencia ficción por ejemplo en Ursula K. Leguin.
Para ello se tomarán aspectos característicos de los relatos de viajes, de las investigaciones antropológicas, de los retratos subjetivos, de los mitos, etc., con el fin de producir una sensación de extrañamiento en nuestra propia receptividad genérica, pero también con el propósito de evitar una descripción lineal, sino una diacrónica de la evolución de los hechos o fenómenos a través del tiempo.
Joana Vasconcelos, IVAM, Valencia. Desde el 12 de noviembre de 2026.
Comisariado: Blanca De la Torre.
La presente exposición de Joana Vasconcelos se erige como un tejido complejo de luz, memoria y mito, donde las fronteras entre naturaleza y cultura, tradición e innovación, artesanía y arte contemporáneo se disuelven para dar lugar a un universo híbrido y profundamente simbólico. En este marco, la artista recurre a técnicas ancestrales como la artesanía de la seda, el bordado o el crochet, combi- nadas con estrategias contemporáneas de suprareciclaje. Este último, entendido no únicamente como gesto ecológico, sino también como operación crítica que reaprovecha y resignifica las convenciones de género, deconstruyendo estereo- tipos y otorgándoles nuevas lecturas.
La entrada a la exposición nos conduce a El Jardín del Edén, un jardín nocturno que se despliega como laberinto, donde flores luminosas emergen de cilindros negros. Motores y discos policromados transparentes generan un efecto cinético y el zumbido maquínico y el movimiento parecen evocar el vuelo de in- sectos nocturnos, situando al visitante en un limbo entre lo natural y lo artificial.
Sus conocidas Valquirias, que Joana Vasconcelos lleva realizando desde 2004, inspiradas en las figuras femeninas de la mitología nórdica que tenían el poder de devolver la vida a los guerreros más valientes para llevarlos al Valhalla. Joana Vasconcelos ha creado numerosas valquirias específicas por todo el mundo con las que ha homenajeado a mujeres notables de la Historia como Elizabeth Freeman, la intelectual, filósofa y activista política Simone de Beauvoir; la abo- gada y política Simone Veil; o la peregrina del siglo IV, Egeria, primera escritora de viajes conocida en Occidente.Se trata de unas monumentales esculturas textiles hechas a mano que cuentan con un cuerpo central y extremidades tentaculares, combinando ricas variedades de tejidos y técnicas textiles, pasamanería, ganchi- llos, flecos, plumas y bordados que brillan a través de luces LED que le dan vida. El resultado es una instalación majestuosa que conjuga arte y artesanía, oficios tradicionales, historia, cultura popular y tecnología, habitando el espacio con los vivos colores propios de la artesanía portuguesa, que establece aquí diálogos con la riqueza ornamental de las artesanías valencianas.
El recorrido de la sala comenzará en un jardín para terminar en un bosque, El bosque encantado (2024), donde formas orgánicas cuelgan del techo del último espacio como enormes frutos o corales invertidos, creando un paisaje inmersivo donde los coloridos biomorfos en un ecosistema textil iluminado con luces LED donde confluyen la especulación futurista, la magia de los cuentos infantiles y la tra- dición oral mediterránea, con su imaginario de criaturas fantásticas y metamorfosis.
Entre las piezas emblemáticas que integrarán la exposición, destaca Marilyn, las gigantescas sandalias de tacón inspiradas en las de Marilyn Monroe en la película «La tentación vive arriba». Frente al plateado de la actriz de Hollywood, el glamour de Vasconcelos emerge del acero inoxidables de las cazuelas que com- ponen las esculturas, uno más de sus gestos feministas en clave irónica para desafiar los estereotipos de género. También, Spot me, una obra de 1999 que formó parte de la primera exposición colectiva de Vasconcelos fuera de Portugal, precisamente en Valencia, una caseta de vigilancia del Estado Novo portugués, transformada en un dispositivo de espejos donde el espectador se enfrenta a su propio reflejo. La obra central, concebida específicamente para la escalera del museo, establece un diálogo entre las artesanías de Valencia y Portugal, pero también entre los relatos mitológicos ibéricos.
Rosana Antolí, IVAM, Valencia. Desde el 3 de diciembre de 2026.
Rosana Antolí (Alcoi, España, 1981) es una artista multidisciplinar y directora de performance afincada en el Reino Unido, cuya práctica explora temas ecofemi- nistas y más-que-humanos a través de experiencias inmersivas que cuestionan las percepciones de la identidad, el cuerpo y la agencia.
Su trabajo investiga formas expandidas de narración especulativa me- diante la performance, la escultura sonora, la ópera contemporánea y la pintura, explorando la voz como vehículo de agencia —humana y no-humana— y como herramienta para articular formas de resistencia y de coexistencia interespecie.
En proyectos recientes como An Aria for the Mallard (Fundación Gul- benkian, Lisboa) o The Suspended Echo (Holy Trinity Gallery, Londres), Antolí imagina relatos ecológicos y afectivos a partir de cuerpos en pausa: aves que re- chazan migrar, hielos que se derriten a destiempo, seres que permanecen como un acto radical. Su práctica se construye desde un pensamiento more-than- human, donde arte y ciencia se entrelazan para investigar la interdependencia, la agencia y las formas de convivencia más allá de lo humano.
Con el proyecto expositivo Un ensemble transhumano: voces del marjal, concebido para el IVAM, Antolí profundiza en la investigación sobre bioacústica, ópera y arte, estableciendo un diálogo con el contexto valenciano y su memoria del agua y de la voz. Propone una nostalgia anticipada por quienes desean ser escuchados y una empatía hacia aquello que queda más allá de nuestra mirada, reconociendo las otras vidas que conviven con nosotros y su propia agencia.
En la ópera, un ensemble es un momento en el que varias voces suenan simultáneamente, cada una con su propia línea melódica y emoción, pero en convivencia con las demás. A diferencia del coro, que suele funcionar como voz colectiva y anónima, el ensemble mantiene la singularidad de cada intérprete y hace convivir sus diferencias en una misma partitura. Es, por tanto, un espacio de simultaneidad y de escucha compartida, donde lo individual y lo colectivo se entrelazan sin que ninguna voz predomine. Lo que interesa a Antolí es precisa- mente no homogeneizar estas voces, sino mantener su diferencia y aprender a escucharlas en su especifi cidad. Trasladado al contexto del marjal valenciano, este dispositivo coral permite imaginar relaciones más-que-humanas, en las que peces, aves, microorganismos y elementos del agua participan como voces activas en la construcción de un relato común.
En este marco, Antolí propone la posibilidad de una colaboración con el Palau de les Arts, tanto simbólica como práctica, con el objetivo de expandir las formas narrativas que habitan el museo e integrar la ópera en diálogo con las artes visuales y la investigación científica. Dado que su trabajo se desarrolla en la inter- sección entre arte, ciencia y ópera, la colaboración con el Palau se concibe como una extensión natural del proyecto: por un lado, posibilitando la incorporación de voces operísticas en el espacio expositivo como parte de las obras; y, por otro, abriendo la opción de trasladar la investigación fuera del museo mediante la realización de un evento en el propio Palau.
P. VASCO
BILBAO
Ruth Asawa. Retrospectiva, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 19 de marzo al 13 de septiembre 2026.
Ruth Asawa (Norwalk, California, 1926–San Francisco, California, 2013) fue una de las artistas más dotadas y prolíficas que surgieron en EE. UU. tras la Segunda Guerra Mundial. Criada en una granja del sur de California, en 1942 la adolescente Asawa y su familia fueron detenidos en campos de internamiento japoneses-estadounidenses. En 1946 Asawa pudo matricularse en la escuela experimental Black Mountain College cerca de Asheville (Carolina del Norte), donde la atmósfera intensa y creativa del centro y el estímulo de sus profesores, como Josef Albers, la impulsaron a explorar las posibilidades de materiales ordinarios, como sellos, hojas de árboles, papel e incluso, más tarde, alambre.
Entre sus primeras innovaciones se encuentran esculturas colgantes realizadas con alambre en bucle, de formas orgánicas, sensuales y transparentes, que exploran nociones como la repetición, la forma, la sombra y el espacio. En 1949 Asawa se trasladó a San Francisco y más tarde amplió su producción de obras tridimensionales a través de complejas piezas de alambre atado que sugieren estructuras orgánicas como flores, raíces, árboles o sistemas nerviosos, así como obras creadas en bronce galvanizado y fundido, pinturas, grabados y dibujos. A finales de la década de 1960, Asawa era muy conocida en la zona de la bahía de San Francisco por sus encargos de arte público, su defensa de la educación artística y su liderazgo en relación a los derechos civiles. Si bien la apreciación del trabajo de Asawa ha crecido exponencialmente en las últimas décadas, esta retrospectiva es la primera gran exposición en un museo en incluir todos los aspectos de la exquisita, variada e innovadora producción de esta autora.
Pipilotti Rist, Ever is Over All, Museo Guggenheim Bilbao. Del 1 de octubre 2026 al 17 de enero 2027.
Pipilotti Rist (Grabs, Suiza, 1962), una de las videoartistas más reconocidas de las últimas tres décadas, comenzó a despuntar en los años ochenta al integrar la estética del videoclip en el arte audiovisual, junto con otras influencias, como la cultura popular, la tecnología y el videoarte feminista histórico, desarrollando desde muy pronto un estilo propio de gran carga sensorial y emocional.
La exposición presentará la videoinstalación Ever is Over All (1997), una doble proyección en la que se puede ver a una mujer sonriente con un vestido azul claro que se dedica a romper los cristales de los coches aparcados mientras pasea por la acera. Dicha secuencia se superpone, hasta fusionarse, a otras imágenes de carácter onírico en las que aparecen distintas flores tropicales. El vídeo, acompañado de una sugestiva banda sonora compuesta por el artista Anders Guggisberg y ralentizado a un ritmo pausado, facilita una atmósfera poética que sumerge al espectador en una suerte de realismo mágico en el que una flor se transforma en un arma destructiva, dando lugar a un gesto catártico y esperanzador.
In Situ. Zadie Xa, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 19 de noviembre 2026 al 25 de abril 2027.
Zadie Xa (Vancouver, 1983) es una artista de origen coreano-canadiense que trabaja en Londres cuya práctica multidisciplinar explora temas como la identidad, el folclore y la transmisión de la herencia cultural de la diáspora a través de la narración de historias, la performance y la instalación inmersiva. Partiendo de la mitología coreana, el ritual chamanístico, la ciencia ficción y sus propias vivencias, Xa construye entornos multisensoriales en los que embaucadores y personajes híbridos perturban el relato histórico imperante. Sus recientes exposiciones individuales, celebradas en sedes como la Whitechapel Gallery de Londres, Space K en Seúl o Thaddaeus Ropac en París, destacan el interés de la artista por la comunicación entre especies, los símbolos de protección y transformación, y la importancia espiritual del territorio y el lugar. A través de la pintura, el textil, la escultura, el sonido y la performance, Xa fusiona la construcción de mundos fantásticos con la indagación política y metafísica.
La obra de Xa ha estado presente en grandes instituciones internacionales, como el MoMA PS1, el Palais de Tokyo, la Haus der Kunst o la Bienal de Venecia, donde participó en el programa de performances de 2019. Algunas colaboraciones notables con el artista Benito Mayor Vallejo han ampliado aún más su investigación en torno al disfraz, la mascarada y el arquetipo del embaucador. En 2025 Xa fue finalista del Premio Turner, uno de los galardones más prestigiosos de arte contemporáneo en el Reino Unido, por su instalación colaborativa Moonlit Confessions Across Deep Sea Echoes: Your Ancestors Are Whales, and Earth Remembers Everything, presentada en la 16ª Bienal de Sharjah. A través de formas afectivas y de múltiples capas, Xa construye un espacio donde convergen el conocimiento ancestral, la ficción especulativa y la recuperación cultural.
SAN SEBASTIAN/DONOSTIA
Andrea Canepa, Situ-akzioak, Tabacalera, Donostia/San Sebastian. Del 26 de marzo al 19 de julio de 2026
Situ-akzioak es un proyecto que facilita, independientemente de la edad, el acercamiento al arte contemporáneo desde diversas perspectivas. A través de la invitación a una artista para crear una exposición site specific, transcurren al mismo tiempo una exposición y un proyecto educativo. El proyecto permite acercar el arte contemporáneo al contexto escolar, así como involucrar a familias —en cualquiera de sus variantes— en el proceso de creación de una exposición.
«Graciela Iturbide, entre el viento y los sueños», Museo San Telmo, Donostia/San Sebastian. Del 3 de julio al 30 de agosto 2026.
La exposición muestra el trabajo de la fotógrafa mexicana, Premio a las Artes Princesa de Asturias 2025, quien durante más de seis décadas se ha dedicado a profundizar en el conocimiento antropológico de las poblaciones indígenas de su país y de otras culturas. Iturbide desarrolló pronto un estilo característico que combina un enfoque documental con una visión profundamente personal y poética.
Sally Mann, sala Kutxa Fundazioa Artegunea, Donostia/San Sebastian. Del 17 de julio al 1 de noviembre 2026.
Comisaria: Anne Morin.
La exposición reúne cerca de 150 fotografías organizadas a partir de las series más importantes de esta emblemática fotógrafa. La muestra abarca el período que va aproximadamente de 1980 a 2020 e incluye sus primeras series, como Immediate Family, Family in Color, y los grandes paisajes del sur de Estados Unidos —Virginia, Georgia—, así como una serie de retratos nunca antes expuestos, Faces, que amplía aún más los límites de la fotografía hasta confluir con la pintura. Sally Mann concibe la materialidad del medio fotográfico como una materia pictórica, plástica, cercana a la concepción de la pintura de Cy Twombly, con quien Sally Mann mantuvo una estrecha relación. También se presentarán trabajos más recientes, como la serie Delta (2016), paisajes realizados en color cuya tonalidad evoca la de las primeras imágenes en autocromo de principios del siglo XX. Toda la exposición gira en torno a la idea de ofrecer, por un lado, una retrospectiva general de su obra, y por otro, de mostrar cómo la dimensión narrativa en sus fotografías tiende a vaciarse, a desvanecerse a lo largo de estos grandes ciclos temáticos, al mismo tiempo que Sally Mann lleva el medio fotográfico a sus límites, hacia territorios más propios de la pintura y de los antiguos procedimientos fotográficos.
Isabel Coixet, Aprendizaje de la desobediencia, Museo San Telmo, Donostia/San Sebastian. Del 1 de septiembre al 1 de noviembre 2026.
La exposición, recientemente presentada en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dentro de la programación de PhotoEspaña, reúne una selección de unos cincuenta collages realizados manualmente y con técnicas digitales por la directora y guionista de cine Isabel Coixet.
VITORIA
Rosalind Nashashibi, ARTIUM, Vitoria. desde 19 de junio al 25 de octubre 2026.
En el mes de junio se presentará una exposición dedicada a la obra de la pintora y cineasta de origen palestino Rosalind Nashashibi (Londres, 1973), centrada en una serie de pinturas recientes que evocan la memoria y resistencia del pueblo palestino.
En la producción de la artista es frecuente encontrar el uso de referencias y citas a la Historia de la pintura, así como elementos que forman parte de la cultura popular.
La muestra es una continuación de su colaboración con Artium Museoa, que comenzó con la presentación de su obra cinematográfica en 2021, junto con la pintura A Wider Kind of Love (2021), que actualmente forma parte de la colección del museo, y propone habilitar un escenario desde el que “no dejar de hablar” de Palestina.
