AVANCE EXPOSICIONES EN ESPAÑA 2026. FUTURAS
Redacción
Ordenadas por Comunidades Autónomas.
ANDALUCÍA
CORDOBA
MÁLAGA
Joana Vasconcelos / Transfiguración, Museo Picasso, Málaga. Del 29 de mayo al 27 de septiembre de 2026.
Una propuesta que subraya la transfiguración como núcleo de la obra de esta artista, aludiendo a cómo Vasconcelos transforma y resignifica distintos ámbitos de la realidad. La exposición reúne una selección de piezas que permiten recorrer su trayectoria, desde obras de finales de los años 90 hasta creaciones recientes, ofreciendo una mirada renovada sobre su evolución artística. A través de esculturas e instalaciones monumentales, Vasconcelos explora la relación entre las tradiciones portuguesas y el arte contemporáneo, convirtiendo materiales cotidianos —como textiles, cerámicas o azulejos— en piezas que celebran el patrimonio cultural y la identidad colectiva desde una perspectiva crítica y transformadora. Entre las instituciones prestadoras destacan la Fondation LVMH pour la Création, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), la Colección Luis Adelantado y obras procedentes del propio estudio de la artista.
Paz Errázuriz, Poéticas de resistencia, MUCAC La Coracha, Málaga. Del 26 de junio a 15 de octubre 2026.
MUCAC Málaga y Fundación Mapfre presentan Paz Errázuriz. Poéticas de resistencia, primera exposición que se realiza en Málaga y en la comunidad andaluza de la obra de Errázuriz (Santiago de Chile, 1944) unas de las fotógrafas chilenas de mayor reconocimiento internacional, representante de su país en la 56ª Bienal de Arte de Venecia. Las 80 fotografías que constituyen la muestra malagueña proceden de las colecciones de la Fundación MAPFRE.
Autodidacta y guiada por una mirada profundamente humana, Paz Errázuriz comienza su camino en el Chile convulso de los años setenta, bajo la sombra de la dictadura de Pinochet y una represión que impregnaba la vida cotidiana. En ese contexto, salir a fotografiar no era solo un gesto artístico, sino también un acto de valentía, aún más desafiante siendo mujer. Su obra, inscrita en la documentación social, se adentra en los márgenes: en territorios íntimos, en espacios cerrados, en vidas que suelen permanecer fuera de lo visible. Errázuriz no observa desde la distancia; se aproxima, convive, comparte. De ese encuentro nacen imágenes cargadas de humanidad, creando con sus retratados un clima de confianza y respeto necesario para sacar de ellos toda su dignidad.
SEVILLA
Manuela Solano, Alien Queen / Paraíso extraño’, CAAC, Sevilla. Desde 28 de mayo 2026.
En colaboración con el Museo Tamayo, exhibirá más de 30 pinturas con retratos de gran formato de personajes reales y ficticios de la cultura pop que han quedado íntimamente ligados a la vida personal de la artista.
A partir de sus vivencias personales y pintando directamente con las manos, Solano revisita la estética de los ochenta, noventa y dos mil, en donde lo local y lo global, lo alternativo y la cultura de masas se entrecruzan. La artista selecciona personajes peculiares de la música y la moda, el cine y la televisión, el internet y las revistas, para revivir un imaginario vinculado con momentos de su propia biografía: la adolescencia y la madurez, los amores, las aflicciones, la fiesta y el sosiego.
En ese repaso, Solano apunta: “perdí la vista a los 26 años a causa de una infección relacionada con el VIH que fue tratada negligentemente; desde entonces se conjugan en mi práctica cultura visual y memoria”. Las densas capas de pintura que se advierten en las piezas revelan un proceso pictórico íntimo, en donde la memoria expone múltiples contrastes y los trazos evidencian disyuntivas surgidas durante el proceso de producción y en la vida personal de Solano.
Las obras incluidas en Alien Queen/ Paraíso Extraño funcionan como una colección de autorretratos. Nos recuerdan que la construcción de la identidad es un proceso que tiene lugar a lo largo del tiempo, que resulta de nuestras interacciones y de las exploraciones de nuestro entorno. La adopción de diferentes roles nos permite enfrentar desafíos sociales y desarrollarnos en nuevas direcciones. En este sentido, Manuela Solano entiende la identidad como un acto tanto de supervivencia como de subversión, y su obra surge no sólo de la fragilidad sino también del goce.
Ese mismo día, se presentará el proyecto de Johanna Failer, que forma parte del programa Iniciarte de la Consejería de Cultura.
ARAGÓN
ASTURIAS
OBRA INVITADA: M3X3, de Analívia Cordeiro, Laboral, Gijón. Del 25 de septiembre 2026 a marzo de 2027.
Obra invitada es uno de los nuevos programas que LABoral Centro de Arte y Creación Industrial pone en marcha en 2026 con el objetivo de activar un espacio expositivo específico dedicado a la presentación de una única obra procedente de colecciones públicas y privadas.
La primera edición se realiza en colaboración con New Art Foundation, en el marco del convenio firmado entre ambas instituciones para los próximos tres años. Este acuerdo busca conectar públicos, ampliar el alcance de los proyectos y dar visibilidad en Gijón al arte tecnológico a partir de una colección privada de referencia. La NewArt collection, iniciada en 2003, reúne cerca de 200 obras de arte electrónico, digital y tecnológico.
La obra seleccionada para inaugurar Obra invitada es M3X3 (1973), de Analívia Cordeiro, una pieza pionera del videoarte en Brasil y una de las primeras experiencias de videodanza a nivel internacional. Considerada una referencia histórica, la obra replantea el lenguaje de la danza a partir de un sistema propio de notación del movimiento (Nota Anna), desarrollado posteriormente mediante un programa de computación experimental, estableciendo un temprano diálogo entre cuerpo, imagen en movimiento y tecnología. Cordeiro, una de las figuras clave del desarrollo del video en Brasil, se sitúa en la estela del arte neoconcreto y en conexión con las transformaciones de la danza moderna y las prácticas performativas de su tiempo.
Interdependencias, Laboral Centro de arte y creación industrial, Gijón. Del 23 de octubre 2026 al 26 de febrero 2027.
Comisaria Semiramis González.
La exposición reúne los proyectos de diez artistas emergentes participantes en LAB Alumni Studio, un programa de acompañamiento y producción creado conjuntamente por el Máster PHotoESPAÑA y LABoral Centro de Arte y Creación Industrial.
A través de fotografía, instalación, archivo y prácticas híbridas, las obras exploran identidades en transformación, memorias fragmentadas y formas de transmisión cultural. Los proyectos abordan procesos de transformación de la identidad y de la memoria a través de relaciones: con el cuerpo, con otros cuerpos, con objetos, con animales, con territorios y con tradiciones.
Entre cuerpos, objetos, paisajes y relatos autobiográficos, los trabajos desplazan la mirada hacia nuevas formas de percepción y relación, revelando cómo estas interdependencias configuran lo que somos y cómo nos situamos en el mundo contemporáneo.
BALEARES
CANARIAS
CANTABRIA
Marisol: Cuando todo está por comenzar. Dibujos de 1949 a 2016, Centro Botín, Santander. Del 23 de mayo al 25 de octubre de 2026.
Es la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol, con más de 100 obras que abarcan desde los años cincuenta hasta su muerte, presentados junto con una selección de esculturas -que amplían su práctica del dibujo hacia lo tridimensional-, materiales del archivo de la artista y varias de las películas de Warhol en las que Marisol es protagonista. La amplia selección de obras, procedente en su gran mayoría de la colección del Buffalo AKG Art Museum, pone de relieve el dibujo como el hilo más constante en la carrera de Marisol, el medio a través del cual entretejió sus preocupaciones globales, incomodidades privadas y ficciones imaginativas en el desarrollo de su práctica.
El título evoca el comentario del galerista Leo Castelli a Marisol a finales de los años cincuenta, cuando la artista dejó los Estados Unidos tras su exitosa presentación en la galería en Nueva York de Castelli —«¿Cómo puedes marcharte ahora, cuando todo está por comenzar?»—. La frase también resuena con sus posteriores decisiones de retirarse del centro del mundo del arte en momentos clave de su carrera, tras los cuales su obra reemerge profundamente transformada.
Estela de Castro, Persona, Naves de Gamazo, Santander. Del 25 de junio al 13 de septiembre 2026.
Durante mucho tiempo ha persistido la creencia errónea de que el ser humano era el único capaz de poseer la base neurológica necesaria para la consciencia y la experiencia emocional. Sin embargo, la evidencia científica ha demostrado que la capacidad de sentir no es exclusiva de la especie humana: otros animales también experimentan placer, dolor, miedo o alegría. Asimismo, algunas especies —como los elefantes, los perros o las ratas— manifiestan emociones más complejas, como el duelo o la empatía.
El 5 de enero de 2022, los animales dejaron de ser considerados en España “bienes inmuebles o cosas” para ser reconocidos jurídicamente como seres sintientes. Hasta entonces, eran tratados como objetos, sin reconocimiento de derechos propios.
En las últimas décadas ha surgido un movimiento impulsado por científicos, juristas y defensores de los animales que cuestiona que la categoría de ‘persona’ siga siendo exclusiva de la especie humana. Este cambio implicaría el reconocimiento de derechos fundamentales, comenzando por la consideración moral y la no discriminación como individuos.
En este contexto, el proyecto fotográfico de Estela de Castro (Madrid, 1978) retrata a individuos de otras especies, invitando a reflexionar sobre las formas en que discriminamos al otro por no pertenecer a la nuestra, y proponiendo una revisión de nuestra relación con los demás seres vivos.
Belita Gracia, La fotógrafa, Biblioteca Central de Cantabria. Sala Concepción Arenal, Santander. Del 26 de junio al 30 de agosto 2026.
Belita Gracia (León, 1924 – Barcelona, 2026) formó parte de una generación de mujeres que desafiaron las estructuras sociales, abriendo caminos silenciosos en la historia de la fotografía española. Nacida en el seno de una familia de fotógrafos, comenzó a ayudar a su padre en el cuarto oscuro a los cuatro años, fascinada por la magia del revelado. Poco después lo acompañaría como ayudante en las sesiones que realizaba en distintos lugares, iniciando así una relación temprana e intuitiva con la imagen fotográfica.
Al margen del reconocimiento institucional, Belita desarrolló un lenguaje propio que combinaba sensibilidad, observación y una temprana voluntad de cuestionar las formas de representación de las mujeres. Su incursión en el collage fotográfico anticipa debates y prácticas que décadas después cobrarían fuerza en el arte contemporáneo.
Su obra revela un universo íntimo y, al mismo tiempo, abierto al mundo, donde los territorios que habitó adquieren dimensión histórica a través de su mirada. Desarrolló su trabajo en entornos rurales y urbanos del norte de España, así como en Barcelona, donde cobran especial relevancia las fotografías de los primeros rockeros de la escena catalana.
En su etapa en el norte peninsular, especialmente en la costa cantábrica, estableció un diálogo natural con el contexto del litoral, donde el mar, la lluvia y la vida costera forman parte de una memoria compartida.
La exposición propone un recorrido que conecta genealogía, territorio y construcción de mirada, situando la obra de Belita Gracia en una narrativa contemporánea. Durante décadas, estas imágenes permanecieron conservadas en álbumes familiares, negativos y diapositivas, hasta que una investigación reciente permitió identificar, clasificar y activar un archivo de gran valor histórico y artístico, que amplía el relato de la fotografía española.
Solange Pessoa, Centro Botín, Santander. Del 10 de octubre 2026 a marzo de 2027.
Comisariado: Bárbara Rodríguez Muñoz, directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín.
Solange Pessoa canaliza una visión encantada del mundo natural, creando pinturas, instalaciones y esculturas profundamente enraizadas tanto en los paisajes del sureste de Brasil —donde vive— como en los lenguajes visuales más primitivos de la humanidad. En su práctica, incorpora de manera constante materiales orgánicos, minerales y no convencionales, como plumas, semillas, piedras, lana, huesos, cabello y tierra, junto con bronce, arcilla y objetos encontrados. Al combinar sustancias duraderas, como la piedra, con materia orgánica efímera, Pessoa produce obras que resuenan como reliquias arqueológicas y, al mismo tiempo, rinden homenaje a los ciclos naturales de crecimiento, decadencia y transformación.
Esta será su primera exposición en España, una muestra que ofrecerá una amplia panorámica de su práctica artística, que abarca escultura, dibujo, cerámica, instalación y cine. Concebida en estrecho diálogo con la arquitectura y la luz de las salas del Centro Botín, la muestra pondrá de relieve su acercamiento a símbolos prehistóricos y ancestrales, así como su uso inventivo de materiales orgánicos y no convencionales.
CASTILLA Y LEÓN
LEÓN
Ana Laura Aláez, Pabellón de escultura: refugio e intemperie, MUSAC, León. Del 6 de junio al 18 de octubre 2026.
El Pabellón de escultura, una de las piezas más monumentales de la Colección MUSAC, fue presentado en 2008 y se reinterpreta ahora en esta exposición. La instalación, compuesta por 32 chapas de aluminio que conforman una única unidad escultórica, remite a un espacio expositivo que, en lugar de dar cobijo al arte, lo expulsa con violencia. Aláez dedica esta construcción a sus antepasados, subrayando así su procedencia.
En esta nueva presentación, la artista vincula la obra con sus orígenes familiares y con los recuerdos de su infancia en la provincia de León, reforzando la idea de “refugio e intemperie”. A través de este enfoque, la instalación plantea la búsqueda de un lugar seguro como un impulso ligado a la herencia y la supervivencia, y como punto de partida de su propia práctica artística y de la necesidad de encontrar un espacio donde ser en sus propios términos.
SALAMANCA
SEGOVIA
CATALUNYA
BARCELONA
Juana Dolores Romero Casanova, Declaración de amor a Lenin, La Virreina, Barcelona. Del 11 de julio al 1 de noviembre 2026.
«Déjeme decirle, a riesgo de parecer ridículo, que el verdadero revolucionario está guiado por grandes sentimientos de amor». Con esta cita de Ernesto Che Guevara como principal premisa, Juana Dolores hace un recorrido histórico y teórico del concepto de amor en la tradición revolucionaria al mismo tiempo que equipara y compara su resentimiento y odio de clase con su resentimiento y odio sentimental. Se pregunta: qué tipo de amor podría existir bajo el comunismo y en qué se diferenciaría del amor bajo el capitalismo? Por ahora, en un contexto de crisis capitalista y, consecuentemente, de auge de la extrema derecha y de los nuevos fascismos, la artista confiesa que sólo puede sentir, pensar y trabajar a partir de la certeza de que el único amor verdadero posible en este mundo de pobreza material y espiritual es el amor por la revolución. Y comprometerse con la lucidez y la pasión que caracterizan a los enamorados que son correspondidos.
Dana Lixenberg, KBr, Barcelona. Del 30 de septiembre 2026 al 17 de enero de 2027.
Exposición de la fotógrafa neerlandesa Dana Lixenberg con trabajos realizados en Estados Unidos desde 1993 hasta la actualidad, dedicados a iconos culturales y a las comunidades marginadas.
Cristina Lucas, E-conmotion, Museu Tàpies, Barcelona. Del 15 de octubre 2026 al 7 de febrero 2027.
Cristina Lucas (Jaén, 1973) explora las estructuras de poder que modelan nuestra historia colectiva y su relación con el arte a través de las revoluciones industriales, que, pese a haber surgido en Occidente, transformaron las relaciones con Oriente y el Sur estableciendo nuevas formas de poder y subalternidad, y reconfigurando sociedades y sujetos. La obra de Lucas parte de la convicción de que todo arte es político, en sintonía con Rancière o Jaar, para quienes las imágenes participan activamente en la configuración del mundo.
La exposición se plantea como un recorrido por las cuatro revoluciones industriales que, desde el siglo xviii, han transformado la economía, la cultura y las formas de colonialismo. La Primera Revolución Industrial, la del carbón, inauguró la era de la máquina de vapor y la movilidad masiva del campo a la ciudad. La Segunda, dominada por el petróleo, consolidó el capitalismo global y situó la energía en el centro de la geopolítica. La Tercera, vinculada a Silicon Valley, instauró el paradigma digital y el control de los datos como nueva forma de poder. La Cuarta, centrada en la inteligencia artificial, introduce transformaciones profundas en la subjetividad, la ética y la noción de humanidad, en la que el yo deviene público, masivo e hipervisual.
Lucas nos invita a observar que el progreso técnico y económico no es neutral, sino un campo de disputa simbólica y material. A partir de trípticos realizados con metacrilato formados por los materiales de cada revolución —carbón, petróleo, silicio, microchips—, construye una narrativa material de la historia. La pieza El anciano de los días (W. Blake) abrirá el espacio expositivo con una tubería de vapor, y la instalación audiovisual Chain Reaction Belt (Cinturón de reacción en cadena) ofrecerá una breve historia del antropocentrismo. La exposición cuenta con la colaboración de la Fundación Ventós, que crea olores para acompañar las obras, de modo que la idea de revolución se trasladará a un espacio sensitivo y emocional como memoria olfativa.
Penny Siopis, Tinta, sangre e historia, Museu Tàpies, Barcelona. Del 22 de octubre 2026 al 14 de marzo 2027.
Penny Siopis (Veryburg, Sudáfrica, 1953) vive y trabaja en Sudáfrica, donde su familia, de origen griego, se estableció después de la Segunda Guerra Mundial. Su práctica artística explora la intersección entre la memoria personal y la colectiva, y aborda temas como la lucha contra el apartheid o las políticas represivas de los colonos sobre la población autóctona. Su obra, polifónica e interdisciplinar, transita entre la pintura, el dibujo y el hecho cinematográfico combinando lo íntimo con lo histórico y lo simbólico con lo político. Entre sus proyectos más significativos destaca Shame (Vergüenza), un extenso corpus de obras en el que cuerpos encogidos o diluidos configuran un universo donde la vergüenza es eje narrativo y emocional. Siopis traza una historia de la humanidad marcada por la humillación y la violencia, pero también por la posibilidad del reconocimiento y la catarsis.
En la obra de Siopis, la vergüenza se despliega como un territorio de dolor compartido y de catarsis colectiva que, desde una perspectiva lacaniana, alude a la pérdida del lugar simbólico del amor y el vínculo. Al mismo tiempo, este espacio se abre a una dimensión de goce: el cuerpo, en su fragilidad, busca en la pulsión de muerte un posible espacio de redención y sublimación. Shame interroga los límites del cuerpo y de la historia y revela que la herida, personal o colectiva, puede convertirse en materia poética y política, una forma de resistencia ante el olvido.
La muestra también incluirá Charmed Lives (Vidas afortunadas, 1998-1999), un gran lienzo de objetos encontrados que actúa como una memoria colectiva tejida a partir de experiencias individuales. Por otra parte, el archivo ocupa un lugar central en la obra de esta artista: armarios con cajones sellados evocan una memoria oculta, invisibilizada por los discursos hegemónicos. Esta exposición, que presenta por primera vez la obra de Siopis en Barcelona, entreteje las relaciones entre las memorias del norte y el sur.
Aurèlia Muñoz, Entes, MACBA, Barcelona. Del 5 de noviembre 2026 al 29 de marzo de 2027.
Los primeros collages y ensamblajes, de influencia surrealista y gótica, y los grandes bordados pictóricos de Muñoz darán paso a una selección inédita de grandes estructuras de macramé procedentes de colecciones institucionales de España, Europa y Estados Unidos. Sus emblemáticas esculturas-cometa y sus últimas instalaciones, realizadas con papel hecho a mano, también tendrán una presencia clave en la exposición, que, igualmente, incluye una vasta selección de dibujos y maquetas inéditos.
A pesar de la vinculación inicial de la artista a movimientos como la nouvelle tapisserie y a la Escuela Catalana del Tapiz, la práctica de Muñoz trasciende los ámbitos del tejido, la fibra o la artesanía. Combinando técnicas ancestrales y recursos contemporáneos, Muñoz respondió a las incipientes crisis del mundo postindustrial prestando atención al impacto en los ecosistemas terrestres, acuáticos y aéreos, que emergen como grandes motivos en su producción.
El título de la exposición, Aurèlia Muñoz. Entes, hace referencia a uno de los conceptos fundamentales en la obra de esta artista. La propuesta aborda más de cincuenta años de su práctica polifacética, ofreciendo una visión sin precedentes y abriendo nuevas perspectivas sobre su singular legado. La retrospectiva la organiza el MACBA con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), de Madrid, y ha sido concebida como proyecto coral por la plataforma de investigación einaidea (Fundación EINA, Barcelona) en diálogo estrecho con el Archivo Aurèlia Muñoz. Bajo la dirección científica de Manuel Cirauqui, director de einaidea, el comisariado del proyecto está a cargo de Rosa Lleó, curadora e investigadora asociada a einaidea, Silvia Ventosa Muñoz, responsable del Archivo Aurèlia Muñoz y conservadora especializada en textiles, y Aída Roger, curadora adjunta del MACBA.
Un catálogo innovador acompañará la muestra, con contribuciones de autoras invitadas como Melody Jue, teórica y profesora de la Universidad de California, y Ana Ramo, antropóloga y académica hispanobrasileña, además de un aparato documental actualizado que servirá como referencia definitiva para la historiografía de la artista.
Aurèlia Muñoz. Entes cuenta también con un comité científico interdisciplinario integrado por Emma Ingala, profesora titular de la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid, María Elena del Solar, doctora en antropología y experta en textiles del contexto andino, Victòria Rabal, artista y directora del Museu Molí Paperer de Capellades, Elvira Dyangani Ose, directora del MACBA, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía (MNCARS).
La exposición, que también se podrá ver en el MNCARS del 28 de abril al 7 de septiembre, es una de las propuestas del programa conmemorativo del Año Aurèlia Muñoz. El programa completo, que lidera el MACBA, se coordina con einaidea y el Archivo Aurèlia Muñoz y con el apoyo de la Generalitat de Catalunya.
GIRONA
Coincidint amb el centenari del naixement de l’artista Concha Ibáñez (Canet de Mar, 1926 – Barcelona, 2022), el Museu d’Art de Girona dedica una exposició central en la commemoració de l’efemèride.
Ibáñez, filla d’una família procedent d’Almeria, es va formar a l’Escola d’Art del barri del Poble Nou i, ja amb trenta anys, a la Llotja. La seva carrera professional la va iniciar tardanament, en la dècada dels anys 1960, i, des de llavors, seran nombroses les seves exposicions individuals i col·lectives, tant a Catalunya com a l’Estat espanyol o a diverses ciutats estrangeres.
En la seva obra el paisatge serà un motiu central. Els elaborava amb un particular mètode de treball: durant els seus viatges feia tota classe d’estudis i esbossos i, una vegada de retorn a Barcelona, els pintava en sèries. Lluny del paisatgisme tradicional, Ibáñez elabora una original visió dels llocs visitats, on la síntesi de les formes i el cromatisme reduït esdevenen una marca d’estil.
Els seus paisatges, que a vegades arriben a fregar l’abstracció, ens embruixen amb la seva particular manera de transformar la realitat per oferir-nos un reflex de la seva manera d’estar en el món. Un món en el qual la mostra pretén indagar també a través de l’exhibició dels seus gravats, documentació original i objectes que li van pertànyer.
LLEIDA
GALICIA
Ira Lombardía. Mudanza, Museo de Pontevedra. Del 12 de junio al 25 de octubre 2026.
Nueva entrega del ciclo Infiltracións, una propuesta que busca generar un diálogo directo entre la creación actual y los fondos históricos de la institución. La artista asturiana Ira Lombardía será la encargada de intervenir en las salas de la colección permanente.
C. MADRID
Linarejos Moreno, On the Geography of the River, Museo Arqueológico Nacional, Madrid. Del 16 de junio al 20 de septiembre 2026.
En On the Geography of the River, Linarejos Moreno (Madrid, 1974) continúa su investigación en torno a las relaciones entre imagen, conocimiento y territorio, desarrollada en su proyecto On the Geography. Si en sus primeras series abordaba cuestiones de raza y género desde una perspectiva decolonial en diálogo con las metodologías infográficas de Alexander von Humboldt (1769—1859), en esta ocasión centra su atención en la construcción simbólica del paisaje.
La autora yuxtapone fotografías escenificadas —tableaux vivants— de jóvenes científicos en el entorno fluvial con datos sobre unas oquedades circulares presentes en el lecho rocoso. Estas formaciones se interpretan tanto desde un origen geomorfológico, vinculado a la erosión del agua, como desde una posible intervención humana que se remonta a la época fenicia. A través de esta dualidad, Moreno pone en evidencia dos formas de entender el mundo: una visión antropocéntrica y otra posthumanista, ambas atravesadas por la atribución de lo sagrado al paisaje.
El proyecto, concebido como una intervención site-specific para el Museo Arqueológico Nacional, activa elementos fundamentales del patrimonio, la historia y la identidad local, implicando a la comunidad en su desarrollo. De este modo, la obra trasciende lo documental para convertirse en un espacio de reflexión colectiva sobre los modos en que se construyen los relatos en torno a un territorio. Reconocido internacionalmente, el proyecto ha sido incluido en publicaciones y contextos expositivos que subrayan su relevancia dentro de las prácticas contemporáneas.
Gema Polanco, Toda mi casa es un altar, Museo Nacional de Artes Decorativas, Madrid. Del 12 de junio al 25 de octubre 2026.
La artista Gema Polanco (Valencia, 1992) transforma la segunda planta del Museo Nacional de Artes Decorativas en un territorio íntimo, híbrido y vibrante. Su intervención, concebida como proyecto site specific, se entrelaza con la arquitectura y las colecciones del museo, activando un diálogo entre lo doméstico y lo sagrado, entre el arte contemporáneo y la memoria material de los objetos que habitan nuestras casas.
Toda mi casa es un altar parte de una pregunta sencilla y radical: ¿qué convierte un espacio en hogar y lo hace digno de cuidado, fe o memoria? El punto de partida es un gran tapiz suspendido en la escalera, que nos da la bienvenida y actúa como umbral al imaginario de la artista. A partir de ahí, a través de banderas, collages, trajes, amuletos y talismanes, Polanco crea un recorrido que invita a mirar de otro modo los materiales cotidianos. Cada pieza se ofrece como gesto de transformación, capaz de revelar la dimensión espiritual que late en los objetos más próximos.
La práctica de Polanco se nutre de los procesos artesanales, el espíritu autodidacta y los lenguajes de la cultura popular. Su relación con los textiles y los oficios manuales parte de un acercamiento orgánico e intuitivo, donde aprender, adaptar o inventar métodos forma parte del proceso creativo. En esta convivencia entre sus obras y el patrimonio del museo, este se deja transformar, la autora se integra en sus estancias y lo que parecía estable adopta una nueva piel.
Así, la casa se abre a lo invisible: un espacio donde lo cotidiano puede volverse ritual y donde cada objeto guarda la posibilidad de ser refugio, ofrenda o promesa. El visitante es invitado a habitar ese umbral.
Colita, Nosaltres no tenia por, nosaltres som, Centre Cultural Blanquerna, Madrid. Del 10 de junio al 30 de agosto 2026.
Esta exposición reúne por primera vez el conjunto del reportaje fotográfico realizado por Isabel Steva ‘Colita’ (Barcelona, 1940–2023) durante la manifestación del 26 de junio de 1977 en Barcelona, considerada la primera gran protesta LGTBI+ celebrada en España. Aquella jornada marcó un momento decisivo en la historia reciente del país: miles de personas ocuparon las calles para reivindicar algo tan fundamental como el derecho a existir y a vivir sin miedo.
La movilización tuvo lugar en un contexto en el que la democracia española comenzaba a abrirse paso tras décadas de dictadura. En ese proceso de transformación social, la calle se convirtió en un espacio fundamental de visibilidad, confrontación y debate. Los gritos, las pancartas y la valentía de quienes participaron en aquella manifestación contribuyeron a cuestionar un orden social profundamente marcado por la intolerancia hacia la diferencia.
Las imágenes captadas por Colita constituyen hoy un testimonio excepcional de ese momento histórico. Su mirada, directa y cercana, documenta tanto la fuerza colectiva de la protesta como la tensión de un acontecimiento atravesado por la presencia policial, las carreras y los enfrentamientos. Más allá de su valor documental, las fotografías revelan la intensidad emocional y política de una jornada que transformó el espacio público en un lugar de reivindicación y esperanza.
La exposición presenta una selección de cuarenta fotografías realizadas por la propia autora. Este conjunto permite recorrer visualmente el desarrollo de la manifestación y acompañar a la fotógrafa en su desplazamiento por las Ramblas, siguiendo el ritmo acelerado de los acontecimientos.
Más de cuatro décadas después, estas imágenes siguen recordando la importancia de la memoria y del espacio público como motores de transformación social.
Esta es la historia de mujeres que bailan con sus perros y de perros que bailan con sus humanas. El Musical Canine Freestyle es una práctica coreografiada en la que una persona y su perro se mueven juntos al ritmo de la música, con trajes que dialogan con la canción elegida. Como parejas de baile, ejecutan movimientos coordinados: se entrelazan, saltan, se inclinan, giran, ruedan o avanzan en distintas direcciones, construyendo una coreografía común. En ocasiones, el vínculo entre ambos se vuelve tan intenso que entran en lo que llaman the pink bubble, una dimensión en la que se convierten en un solo ser y el resto del mundo desaparece.
La fotógrafa Bego Antón (Bilbao, 1983) retrata a varias de estas mujeres en distintos estados de Estados Unidos, de Nueva York a Arizona, mostrando sus trajes, coreografías e historias personales.
Disfuncionarias es una instalación site specific que propone una aproximación sensible y crítica al cuerpo funcionarial: ese cuerpo que clasifica, ordena, inventaría y almacena aquello susceptible de ser regulado, registrado o conservado. A través de telas de gran formato que atraviesan el espacio expositivo, la instalación de Tanit Plana (Barcelona, 1975) explora la tensión entre las lógicas institucionales que sostienen el museo y la realidad viva de las colecciones, que siempre exceden cualquier sistema de clasificación.
En este contexto, la inteligencia artificial aparece como una extensión contemporánea de esa lógica administrativa. No solo amplía el campo de lo visible, sino que introduce un principio organizativo que traduce el mundo en datos, patrones y relaciones matemáticas. Bajo esta racionalidad, imágenes, objetos y documentos se vuelven potencialmente indexables y procesables, prolongando la aspiración histórica del archivo: hacer el mundo legible, gestionable y calculable.
Las imágenes, impresas sobre grandes telas, experimentan una transformación de su forma rígida. Lo que inicialmente se presentaba como un cuerpo estable —figuras ordenadas, composiciones cerradas— se despliega ahora en superficies flexibles que se pliegan, ondulan y desbordan el espacio. La tela introduce una dimensión material que altera la estabilidad de la imagen: lo expuesto se deforma, se desplaza y pierde su contorno fijo, adquiriendo una condición casi orgánica.
En el espacio emergen volúmenes cubiertos que evocan el bulto envuelto: presencias ambiguas que remiten a aquello que está ahí sin mostrarse del todo. Este gesto introduce una dimensión latente del cuidado, un resto que persiste sin integrarse plenamente en el orden simbólico.
Disfuncionarias se sitúa en ese umbral: entre la lógica matemática que organiza y la materia sensible que insiste en excederla. Entre archivo y misterio, aparece el frágil equilibrio que permite que un museo exista.
Esta exposición forma parte de la Sección Oficial del festival PHotoESPAÑA 2026.
Sonia Celma, Columna, COAM, Colegio de Arquitectos de Madrid, Madrid. Del 8 de junio al 23 de agosto 2026.
La arquitecta y artista Sonia Celma (Alcañiz, Teruel, 1974) transforma una experiencia profundamente personal, la escoliosis idiopática adolescente de su hija, en una exploración visual y simbólica sobre el cuerpo, la arquitectura y el vínculo materno. Desde la mirada de quien ha dedicado su vida a la precisión, la proporción y el equilibrio, Celma se enfrenta al reto de aceptar la asimetría y la imperfección como parte esencial de lo humano.
La artista establece un diálogo entre el cuerpo de su hija y el de la arquitectura clásica, tomando como referencia el Mausoleo romano de Fabara (Zaragoza), cuya tercera columna, reparada hace siglos, conserva la huella visible de una fractura. Esa analogía actúa como hilo conductor de un relato en el que el dolor y la reparación, la técnica y la emoción, se entrelazan en un proceso de sanación compartida.
En 1860 se describió por primera vez la endometriosis, una enfermedad inflamatoria crónica que afecta a unos 190 millones de mujeres y personas con útero en todo el mundo, provocando dolor intenso, hemorragias, esterilidad, distensión abdominal y náuseas. A pesar de su prevalencia, sigue siendo escasamente investigada. La medicina ha tomado históricamente el cuerpo masculino como modelo universal, perpetuando un sesgo que conduce a diagnósticos tardíos y a la desestimación del dolor: hasta un 83 % de las pacientes asegura haber sido informada de que sus síntomas eran normales, exagerados o psicológicos.
Marie Blanche Wittman, más tarde conocida como “la reine des hystériques”, ingresó por primera vez en La Salpétrière en 1877, a los 18 años. Fue una de las pacientes más célebres del neurólogo Jean-Martin Charcot, maestro de Sigmund Freud y especialista en hipnosis para tratar la llamada histeria, un trastorno considerado entonces de origen femenino, con síntomas neuróticos diversos y una supuesta “propensión a causar problemas”. Históricamente, tanto la histeria como el dolor pélvico severo se abordaron con métodos hoy estremecedores: tampones impregnados en opio o belladona, aplicaciones de cocaína, éter o cloroformo, sanguijuelas o duchas vaginales extremadamente calientes.
Esta instalación inédita de Laia Abril (Barcelona, 1986), Premio Nacional de Fotografía 2023, reúne los cuerpos fragmentados de cinco personas con endometriosis, mostrando la disociación necesaria para sobrevivir. Las imágenes evocan violencia obstétrica y abandono institucional. Heredera de On Mass Hysteria, la obra establece una continuidad histórica entre la patologización de los cuerpos femeninos y la persistente deslegitimación del dolor, denunciando cómo, en el ámbito de la salud sexual y reproductiva, la medicina ha operado con frecuencia más como mecanismo de control que de cuidado.
Para su primera exposición individual institucional en España, la fotógrafa Talia Chetrit (Washington D.C., EE. UU., 1982) presenta Bunny, una selección de obras que se mueve de manera lúdica entre retrato, fotografía escenificada (tableaux) y naturaleza muerta. La artista propone un enfoque curatorial distintivo, poniendo en diálogo imágenes del pasado y del presente dentro de una misma secuencia visual.
Las fotografías de Chetrit parecen escapar a los límites del tiempo y el espacio, capturando fascinaciones y paradojas humanas que a veces recuerdan a la pintura clásica. En lugar de ofrecer una representación directa de su esfera personal, emplea el exhibicionismo y la vulnerabilidad como elementos de puesta en escena teatral. Sus sujetos—desde familiares y amigos hasta temas de paternidad y erotismo—se muestran desde múltiples puntos de vista, cercanos y lejanos, desde arriba y desde abajo. Su estilo es a la vez reconocible y esquivo.
El título de la exposición, Bunny, refleja la sensibilidad de sus imágenes: cruda, seductora y lúdicamente performativa. En su obra, la línea entre verdad y ficción queda abierta a la negociación entre artista y espectador. La fotografía se convierte en medio y en objeto, destacando como condición material a través de la cual las imágenes se superponen, se expanden y se transforman. Las obras varían en escala: las impresiones en blanco y negro invitan a una observación íntima, mientras que las fotografías a gran formato en color imponen su presencia física e involucran el cuerpo del espectador.
La violencia, el silencio y la sanación —experiencias presentes tanto en ámbitos individuales como colectivos— constituyen ejes centrales en la práctica artística de Patricia Rodas (Finlandia, 1972). A través de un enfoque performativo y repetitivo, la artista examina las consecuencias de la violencia en las relaciones íntimas, con el propósito de visibilizar aquello que con frecuencia permanece oculto en la esfera privada.
Su trabajo aborda las secuelas físicas y emocionales de la violencia mediante acciones, motivos y paisajes recurrentes. En este contexto, la repetición opera simultáneamente como método y como tema: las acciones reiteradas se inscriben en el cuerpo y configuran la memoria y la experiencia.
Asimismo, la artista investiga de qué manera las acciones ritualizadas pueden interrumpir patrones destructivos y abrir espacios para la sanación, reconociendo que los procesos de recuperación tras la violencia suelen ser complejos, no lineales y prolongados.
En la provincia de León, el paisaje de Las Médulas conserva la memoria visible de una transformación radical. Allí, los romanos aplicaron la técnica conocida como «ruina montium»: un sofisticado sistema hidráulico mediante el cual el agua, conducida por galerías excavadas en la roca, provocaba el derrumbe de la montaña para extraer el oro. La presión del agua abría la tierra desde dentro y modelaba el relieve, dejando un territorio profundamente marcado por la acción humana.
Siglos después, otros procesos han vuelto a atravesar este paisaje. Los incendios recientes han consumido la vegetación que cubría las laderas, dejando al descubierto la materia mineral y revelando, como en una excavación involuntaria, las formas heredadas de la historia.
Es en este territorio modelado por el agua y revelado por el fuego donde Raphaëlle Peria (Amiens, Francia, 1989) —artista francesa actualmente residente en la Casa de Velázquez— sitúa su investigación artística. Aunque sus imágenes parten de la fotografía, su gesto se aleja del registro documental. Sobre la superficie de las impresiones, la artista raspa, borra y dibuja, interviniendo la materia fotográfica para hacer emerger formas latentes. La imagen deja entonces de ser un simple soporte de representación y se convierte en un campo de exploración donde el paisaje parece continuar transformándose.
En esta serie, Peria introduce además fotomontajes en los que aparecen pepitas de oro. Estas presencias discretas evocan la memoria minera del lugar y funcionan como un gesto simbólico: allí donde la montaña fue abierta para extraer su riqueza, la artista parece devolver estos destellos a la imagen, desplazando el sentido de la extracción hacia una forma de restitución poética.
Entre la erosión del agua, la huella del fuego y la intervención paciente de la artista sobre la fotografía, el paisaje aparece como una estratigrafía de tiempos y materias. Cada imagen se construye así como una superficie donde se superponen memoria geológica, historia humana y gesto artístico. En diálogo con el tema del festival, “Volver a imaginar”, la obra invita a reconsiderar el paisaje no como una forma fija, sino como un territorio abierto a nuevas lecturas y nuevas imaginaciones.
Greta Alfaro, Ofertorio, Matadero Abierto x obras, Madrid. Del 4 de junio al 31 de julio 2026.
Comisaria: María Pallás.
Algunas formas de entrega, sacrificio o transformación de la materia no han desaparecido, sino que han cambiado de lugar. Aquello que durante siglos se articuló en rituales públicos y espacios de carácter ceremonial parece haberse desplazado hoy hacia ámbitos menos visibles, integrados en los circuitos de producción, circulación y consumo que organizan gran parte de la vida contemporánea. En este contexto, la muestra de Greta Alfaro Alfaro (Pamplona, 1977), comisariada por María Pallás, activa la Nave 0 como una arquitectura de tránsito donde la disposición de las piezas recupera la estructura del templo para interrogar su vigencia en el presente.
Esta exposición forma parte de la Sección Oficial del festival PHotoESPAÑA 2026.
Isabel Muñoz, Las piedras del cielo, Galería de las Colecciones Reales, Madrid. Del 3 de junio al 6 de septiembre 2026.
Cuadernos de campo es un programa trienal que dirige su atención a los espacios naturales de los Reales Sitios gestionados por Patrimonio Nacional. Resultado de la colaboración entre Patrimonio Nacional, ACCIONA y PHotoESPAÑA, la iniciativa pone en diálogo a reconocidos fotógrafos españoles con entornos de excepcional valor, con el objetivo de sensibilizar al público sobre la importancia de preservar un medio ambiente que, además de ser fuente de vida, supone un legado paisajístico y cultural esencial.
En la tercera edición del programa, la artista Isabel Muñoz, Premio Nacional de Fotografía, sitúa su mirada en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial y el bosque circundante de La Herrería. Su proyecto Las piedras del cielo es fruto de una exploración sensible del territorio y una investigación apasionada de la figura de Felipe II, quien concibió el Monasterio como una arquitectura destinada a inscribirse en un orden simbólico mayor, conectada con el Templo de Jerusalén y con la idea de la armonía cósmica. Para hacer realidad esa visión, nuestro Rey renacentista concitó las ideas y saberes más avanzados de su época para convertir El Escorial en un centro de conocimiento universal. Además de reunir el saber de su tiempo en una Biblioteca asombrosa, se impulsaron distintas formas de construcción, canalización del agua, y aprovechamiento de recursos tan relevantes en el entorno como el granito. Felipe II, rodeado de arquitectos y filósofos eminentes, buscó en El Escorial el límite entre la razón humana y la revelación divina.
A través de fotografía, objetos, vídeo e instalación, Muñoz construye una experiencia que supera la imagen fija y se abre a una experiencia más telúrica y sensorial. Su proyecto aborda la piedra como un umbral entre el tiempo de la tierra, la voluntad humana de trascendencia y nuestra capacidad de imaginar, crear y construir sentido a partir de la materias elementales que nos brinda la naturaleza.
Esta exposición forma parte de la Sección Oficial del festival PHotoESPAÑA 2026.
Viviane Sassen, LUX & UMBRA, Centro Fernán Gómez, Madrid. Del 3 de junio al 26 de julio 2026.
Más de tres décadas de creación se recogen en esta amplia retrospectiva dedicada a Viviane Sassen (Ámsterdam, Países Bajos, 1972) y concebida especialmente para PHotoESPAÑA 2026. En diálogo con el lema del Festival, Volver a imaginar, la muestra propone una relectura de su archivo alejada de un orden cronológico, configurándose como una instalación poética donde imágenes de distintas épocas, series y técnicas conviven libremente.
El recorrido reúne algunas de sus series más emblemáticas, como Flamboya o Parasomnia, junto a imágenes tempranas realizadas en África y obras recuperadas para esta ocasión. Este retorno a los orígenes subraya la importancia del continente africano en su mirada artística. Sassen pasó parte de su infancia en Kenia, experiencia que marcó su relación con la luz, el paisaje y las comunidades presentes en su obra. Su presentación en España refuerza una reflexión sobre la visibilidad y la representación de la comunidad africana en la cultura visual contemporánea.
En su trabajo, la luz y la sombra operan como elementos formales y simbólicos. Las sombras devienen metáforas de memoria e incertidumbre, mientras el color, las geometrías y las composiciones escultóricas transforman la fotografía en un espacio donde lo real y lo imaginado se entrelazan.
Las mujeres ocupan un lugar central en su universo. Sus imágenes revelan tensiones entre vulnerabilidad y fuerza, explorando la identidad como un territorio en transformación.
La exposición incorpora nuevas obras, como la serie de collages Cadavre Exquis, que expande su lenguaje y refuerza la muestra como un ecosistema visual dinámico donde las imágenes dialogan y generan nuevas formas de percepción.
En la década de 1970, el padre de FLORE (París, 1963) abandonó de forma repentina a su madre en el puerto de Tánger. Sin dramatismo aparente, aquel gesto transformó un viaje de verano en una deriva prolongada por Marruecos junto a su madre, la pintora Olga Jimeno.
Realizada en 2019, tras el fallecimiento de esta, la serie Maroc, un temps suspendu se configura como un homenaje íntimo y agridulce a su memoria: evoca la fragilidad del tiempo, la disolución del recuerdo y la persistencia de la ausencia.
A partir de instantáneas originalmente tomadas en Polaroid, la artista transfiere las fotografías a papel artesanal japonés, incorporando pigmentos nacarados que les confieren una cualidad atemporal. El resultado son imágenes que parecen emerger de un pasado suspendido, activando una memoria reconstruida donde se entrelazan experiencia, relato y ficción.
Ana Locking, Nostalgia/ Utopía, Canal Isabel II, Madrid. Del 14 de mayo al 20 de julio 2026.
Exposición retrospectiva que recorre cerca de dos décadas de creación de la diseñadora Ana Locking (Toledo, 1970), en los que la moda se presenta no solo como disciplina estética, sino como lenguaje narrativo, emocional y político.
La muestra se articula en torno a la idea de moda como relato en tránsito entre la nostalgia y la utopía: una mirada hacia el pasado que se transforma en deseo de futuro, en la que lo utópico adquiere la semejanza de un recuerdo.
La exposición propone un recorrido narrativo por más de 160 prendas, que se convierten en archivo emocional y artefacto para la reflexión por parte de una diseñadora que entiende la moda como acto de pensamiento y compromiso con su tiempo. Un viaje entre la memoria y la imaginación que invita a cuestionar el presente a través de unos diseños que funcionan como medio para contar historias íntimas y colectivas, entrelazando política, deseo e identidad.
Como complemento, en el anejo Parque de Santander se presenta una pequeña selección de fotografías realizadas por Jesús Madriñán a las prendas diseñadas por Ana Locking.
Azkarate vs. Azkarate, Serrería Belga, Madrid. Del 13 de mayo al 28 de junio 2026.
Isabel Azkarate (San Sebastián, 1950) considerada la primera mujer fotoperiodista vasca, ha dedicado la vida a registrar con su cámara miles de fugaces encuentros con personajes peculiares que han llamado su atención.
La empatía y desparpajo de Isabel han sido su principal salvoconducto. Todavía hoy, a sus 76 años, siente una insaciable curiosidad por la geografía de lo humano, una inquietud por patear la calle observando, conectando y cazando al prójimo.
Se forma en fotografía documental en Barcelona, pero es en la ciudad de Nueva York, en 1980, donde halla el escenario perfecto para desarrollarse como fotógrafa de calle. En esa primera etapa profesional, su obra está marcada por una gran influencia de la escuela norteamericana y de sus principales impulsores, como Lissette Model.
En las fructíferas prácticas de street photography, Azkarate descubre su voz autoral, define su mirada y asienta su forma de abordar la realidad. Su gran atracción por retratar comunidades al margen, personas tan anónimas como especiales, equiparan su catálogo de individuos al de la fotógrafa Diane Airbus.
En San Sebastián, donde hoy reside, es habitual verla callejear, móvil en mano, todavía retratando ávidamente a vecinos, amigos y desconocidos.
La exposición Azkarate vs Azkarate es resultado del reto propuesto a la autora por Xiaomi: presentar fotografías recientes, realizadas con un dispositivo móvil de última generación, Xiaomi 17 Ultra, confrontadas con una selección de fotografías de su archivo, realizadas a lo largo de 40 años de profesión. Pasado y presente se unen en un refrescante y sorprendente diálogo, que demuestra que la metodología de Isabel sigue siendo la misma y su mirada se mantiene tan genuina como siempre.
Ewa Juszkiewicz, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. Del 26 de mayo al 6 de septiembre de 2026.
Dentro de su programa de exposiciones en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta una monográfica de la artista polaca Ewa Juszkiewicz.
Ewa Juszkiewicz (1984, Gdańsk, Polonia) reinterpreta los códigos visuales del retrato clásico europeo para cuestionar cómo se ha representado la belleza femenina a lo largo de la historia del arte. A través de la deconstrucción y transformación de la imagen canónica de la mujer en la pintura tradicional, recontextualiza este género desde una mirada contemporánea que abre nuevas y múltiples lecturas. Sus obras combinan una técnica pictórica minuciosa con un contenido provocador y subversivo, dando lugar a piezas que beben del pasado y se presentan como audazmente transgresoras.
Carmen Laffón, Temas y variaciones, Museo Nacional Thyssen-Bornemsza, Madrid. Del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026.
El museo presenta una gran exposición de la pintora y escultora sevillana Carmen Laffón (1934-2021). El proyecto, comisariado por Paula Luengo, conservadora y jefa de exposiciones del museo, se articula en torno al personalísimo mundo figurativo de la artista. Las ideas o motivos centrales que aborda en sus composiciones se repiten una y otra vez a lo largo de sus más de sesenta años de carrera entre Madrid, Sevilla y Sanlúcar de Barrameda, a veces como variaciones sobre el mismo tema y, en su etapa de madurez, en forma de series modernas.
La exposición incluye alrededor de ochenta obras, entre óleos, pasteles, carboncillos y esculturas (estas últimas de mediados de la década de 1990 en adelante), organizadas por secciones. Cada capítulo está dedicado a uno de los géneros artísticos clásicos más frecuentes en su obra —la figura, el bodegón y el paisaje— y a las iconografías propias de Carmen Laffón, como cestas, armarios, vides, cal o caliza y minas de sal.
María Lara, CentroCentro, Madrid. Del 25 de junio al 15 de noviembre de 2026.
Con esta exposición de María Lara (Loja, Granada, 1940) se salda una deuda de la ciudad con una pintora que ha sintetizado felizmente en su obra abstracción, poesía y un cálido cromatismo.
Mitologías modernas: Ouka Leele & Co., Sala Alcalá 31, Madrid. Desde 2 de julio 2026.
Una exposición que revisita el papel de la mitología en el arte madrileño de los años ochenta a partir de la obra de Ouka Leele, junto a artistas clave como El Hortelano, Ceesepe, Carlos Franco o Sigfrido Martin Begué.
Tomando como punto de partida Rapelle toi, Barbara!, la emblemática intervención de Ouka Leele en la fuente de Cibeles en 1987 —con la que paralizó el tráfico de la ciudad para teatralizar la historia de Hipómenes y Atalanta—, la muestra explora el cruce entre fotografía, pintura y cultura visual contemporánea, así como el resurgir de los relatos mitológicos en un momento clave de transformación cultural.
La exposición aborda la recuperación de la mitología clásica como una herramienta para pensar una nueva realidad en el marco del arte de la Transición, imaginando el lenguaje del futuro a partir de los mitos del pasado. A partir de ese eje, la exposición traza una mirada transversal a los distintos usos de lo mitológico en estos artistas vinculados a la Nueva Figuración y la Movida: desde la incorporación de la cultura underground del cómic y el fanzine de Ceesepe, hasta los mitos relacionados con la tradición romántica en El Hortelano o la reflexión sobre la pintura y la historia del arte de Sigfrido Martín Begué, junto a artistas como Guillermo Pérez Villalta, Dis Berlin o Pablo Sycet.
La obra de Ouka Leele articula así un encuentro entre tres elementos decisivos para el arte madrileño de la década: la irrupción de los nuevos medios —con la fotografía y la performance—; el diálogo con la pintura, que desde mediados de los años setenta se había convertido en el eje de la renovación plástica de la ciudad; y el uso de la mitología como repertorio simbólico para interpretar el presente.
En conjunto, la muestra recoge más de cien obras de artistas como Carlos Alcolea, Miluca Sanz, Carlos Forns, Costus o Patricia Gadea formando un repertorio de obras y temas que contribuye a construir una nueva mitología de la ciudad de Madrid.
Cautin, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza/TBA21, Madrid. Del 6 de octubre 2026 al 3 de enero de 2027.
CAUTÍN es la primera exposición individual en Europa de la artista mapuche trans Seba Calfuqueo, organizada por TBA21 y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Las obras que conforman la muestra son nuevos encargos de TBA21. El título hace referencia al río Cautín, uno de los cauces más emblemáticos de la región de la Araucanía, cuyo recorrido serpentea desde su nacimiento en los Andes hasta su desembocadura en el océano Pacífico. Este río ha sido protagonista y testigo de episodios de colonización, resistencia y defensa del territorio mapuche. Su historia encarna la tensión entre fuerzas coloniales y extractivistas y la persistencia de una cosmovisión que concibe el agua como fuente de vida. En la exposición, el río se convierte en un ser vivo que modela las nuevas obras de Calfuqueo a la vez que revela las huellas de su propio tránsito. CAUTÍN invita al público a imaginar nuevas formas de relacionarnos con la naturaleza, basadas en la reciprocidad, el reconocimiento y la convivencia entre aguas, humanos, más-que-humanos y las criaturas míticas que los habitan.
Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914), Fundación MAPFRE, Madrid. Desde octubre de 2026.
Sobre la respuesta de las mujeres artistas al surgimiento del prerrafaelismo en Gran Bretaña, muy distante al academicismo de entonces. La muestra examinará cómo las pintoras de la sociedad victoriana abordaron o adoptaron rasgos de ese movimiento, a través de óleos, acuarelas, dibujos y grabados que se expondrán junto a fotografías, textiles, bordados, esmaltes y vidrieras.
Juana González, Indómita pintura, CentroCentro, Madrid. Del 22 de octubre de 2026 al 28 de marzo de 2027.
Juana González (Puertollano, 1972) presentará los últimos trabajos, en los que se expande más allá de la pintura de gran formato y explora piezas de naturaleza escultórico-instalativa.
Laura Lío, Sobre/Salto, CentroCentro, Madrid. Del 12 de noviembre de 2026 al 18 de abril de 2027.
Comisariado: Rocío de la Villa.
La ocupación del espacio y una importante carga escenográfica protagonizarán también la exposición “Sobre/Salto”, de Laura Lio (Buenos Aires, Argentina, en 1967), un proyecto acerca del cambio drástico en la gestión de la correspondencia, la comunicación y el intercambio de objetos,
inspirado en el pasado de la sede de CentroCentro.
NAVARRA
C. VALENCIANA
ALICANTE
CASTELLÓN
Cristina de Middel, IVAM, Valencia. Desde 21 de mayo de 2026.
A Cristina de Middel nada fotográfico le resulta ajeno. Quizá porque, desde sus comienzos en el fotoperiodismo, entendió que había distintas maneras de afron- tar el desencuentro entre la verdad y la realidad. Así pues, todas sus series se comportan como pequeños tratados de iconografía, una novela visual, un sis- mógrafo sobre la manipulación de lo real. Sus obras se dejan leer como archivos de los sueños y, asimismo, como registros de los obstáculos que impiden su realización.
Unas veces, a base de captar la simbología tal cual se nos ofrece en el paisaje urbano (como sucede en el caso de Pop Totem). Otras, llevando hasta el fin un pro- yecto inconcluso (Los Afronautas). En alguna ocasión, contrastando el sentido primigenio de un fundamento con la consecuencia posterior que lo dinamita (Party).
Apoteosis Now comparte la intuición de que las tendencias ya no se cazan, nos cazan a nosotros; que las redes nos atrapan más de lo que nos emancipan; y que, más allá de la Inteligencia Artificial, el arte ha de plantarse en este mundo como un artificio inteligente. Esa es la razón por la que esta exposición se presenta como un viaje crítico, pero nunca catártico, dispuesto a abrir unas ventanas por las que entren luces que nos alumbren sin cegarnos; destellos que nos hagan ilustrados, pero no iluminados.
El propósito es que las piezas —capítulos del sistema entre racional y alea- torio de la artista- conviertan la galería 6 del IVAM en un Aleph: ese «lugar donde están, sin confundirse, todos los lugares del orbe, vistos desde todos los án- gulos». Justo en ese punto en el que nos encontraremos el presente del mundo dentro de una atmósfera apoteósica. la alusión anterior a la obra de Borges va más allá de una metáfora más o menos poética. Es, sobre todo, física, espacial, arquitectónica.
Nos encontraremos con la avalancha de unas 250 imágenes dispuestas en distintos formatos y soportes que, en su dimensión temática, combinan sin jerarquías asuntos vitales, insólitos, políticos, casuales, vulgares, instantáneos o eternos.
El matizado optimismo de las imágenes de la artista se revuelve contra una época que ha convertido lo crepuscular en el más rentable de sus productos cultu- rales, repartiendo a diestra y siniestra obituarios para el arte y la novela, la ideología y la revolución, las utopías y los matices.
En esta época gobernada por la iconoclasia, Cristina de Middel nos alerta de que la avalancha de fotografías que se nos ofrece es tan peligrosa como aquellas que se nos usurpan. Y, por eso mismo, entiende que las imágenes no solo pueden servir para someternos, sino que también para ofrecernos instrumentos capaces de liberarnos. (A nosotros y a nuestra mirada).
Melanie Smith, Solo una cosa era extraña, seguir pensando como antes, IVAM, Valencia. Desde el 24 de septiembre de 2026.
La exposición integrará las dos últimas producciones de la artista británica Melanie Smith: Estudios para ajolote (2025) y Tixinda (2025). Ambos proyectos se centran en dos animales en peligro de extinción, por un lado, el ambystoma mexicanum conocido también como ajolote mexicano; anfibio endémico del Valle de México del que quedan entre 500 y 1000 individuos en su hábitat natural y, por el otro el plicopurpura pansa, o caracol púrpura.
La púrpura de Tiro, capital fenicia, en el Mediterráneo Oriental, fue uno de los materiales más codiciados por las civilizaciones antiguas y ha teñido las telas de morado en diferentes geografías. Hoy día, este animal sólo habita, en peligro, en las costas de Oaxaca en México.
Bajo una pregunta sobre la mirada y la imagen, la artista busca en diferentes medios como la pintura, el dibujo, el video y la escultura modos de acercarse a estas formas de lo vivo sin generar representaciones deterministas. Son recorridos por diferentes escalas de visión y de perspectivas que le permiten a la artista jugar con las representaciones para proponer un acercamiento que conecte al público con el agenciamiento propio del animal, desde su corporalidad, su plasticidad, su color, en una frase, desde su particular forma de existir.
Con estas obras Smith articula una serie de preguntas sobre la relación entre cultura y naturaleza poniendo en cuestión una idea de separación y supe- rando una jerarquía ontológica de lo vivo evocando una poética que invita a otra manera de mirar, quizá más empática, más curiosa, que quiere, en los límites del propio arte, intentar aprender de los otros seres con los que vivimos.
Regina de Miguel, IVAM, Valencia. Desde el 29 de octubre de 2026.
Comisariado: Rosa Lleó.
El trabajo reciente de Regina de Miguel explora la violencia extractivista y el pensamiento geotraumático, primero en la selva colombiana (Catábasis), después en la cuenca minera de Río Tinto (Nekya). En su nuevo proyecto, busca cerrar una trilogía examinando la proyección de la explotación de recursos hacia el espacio exterior, planteando interrogantes sobre las razones y las implicaciones éticas de estas iniciativas. Sus investigaciones se apoyan en la astrobiología y la biomi- nería, con precedentes en trabajos realizados junto al Centro de Astrobiología de Madrid, donde se estudian formas de vida extremófilas en la Faja Pirítica Ibérica. Estos hallazgos, que revelan una «biosfera oscura» con organismos capaces de sobrevivir en condiciones extremas, sugieren posibles paralelismos con la vida en Marte u otros cuerpos planetarios.
La biominería, mediante el uso de microorganismos para procesos extracti- vos menos contaminantes, abre la posibilidad de un extractivismo extraplanetario, reactivando el debate sobre la terraformación, la colonización y los límites éticos de estas prácticas.
La intención de este proyecto sería la realización de una instalación que explore los aspectos descritos tratando de apelar a la construcción de nuevos modos de existencia y relación con la «materia prima» de nuestra realidad.
El planteamiento inicial propone un relato que nos sitúa entre la realidad y la ficción, protagonizado por una científica que forma parte de una misión en la luna Europa. Concretamente en la región de Conamara Chaos.
El formato de instalación audiovisual es propicio para este tipo de formula- ciones transfronterizas en las que generar un ecosistema heterogéneo de fuentes tomadas de la realidad, pero también de las procedentes del pensamiento es- peculativo. Como describe Jameson en Arqueologías del futuro, el contenido del inconsciente político está compuesto en gran medida por un conjunto de representaciones sociales recibidas y puede imaginarse que funciona como una especie de caleidoscopio: descomponiendo, mezclando y reajustando compulsivamente su colección de «imágenes sociales» del pasado de la ideología, como respuesta a los dilemas, conflictos y traumas recurrentesque pertenecen de hecho a la vida cotidiana impuesta por todos los modos de producción hasta ahora existentes.
El enfoque narrativo y visual responderá así a una discontinuidad estructural y a una hibridación genérica, recurso habitual en la ciencia ficción por ejemplo en Ursula K. Leguin.
Para ello se tomarán aspectos característicos de los relatos de viajes, de las investigaciones antropológicas, de los retratos subjetivos, de los mitos, etc., con el fin de producir una sensación de extrañamiento en nuestra propia receptividad genérica, pero también con el propósito de evitar una descripción lineal, sino una diacrónica de la evolución de los hechos o fenómenos a través del tiempo.
Joana Vasconcelos, IVAM, Valencia. Desde el 12 de noviembre de 2026.
Comisariado: Blanca De la Torre.
La presente exposición de Joana Vasconcelos se erige como un tejido complejo de luz, memoria y mito, donde las fronteras entre naturaleza y cultura, tradición e innovación, artesanía y arte contemporáneo se disuelven para dar lugar a un universo híbrido y profundamente simbólico. En este marco, la artista recurre a técnicas ancestrales como la artesanía de la seda, el bordado o el crochet, combi- nadas con estrategias contemporáneas de suprareciclaje. Este último, entendido no únicamente como gesto ecológico, sino también como operación crítica que reaprovecha y resignifica las convenciones de género, deconstruyendo estereo- tipos y otorgándoles nuevas lecturas.
La entrada a la exposición nos conduce a El Jardín del Edén, un jardín nocturno que se despliega como laberinto, donde flores luminosas emergen de cilindros negros. Motores y discos policromados transparentes generan un efecto cinético y el zumbido maquínico y el movimiento parecen evocar el vuelo de in- sectos nocturnos, situando al visitante en un limbo entre lo natural y lo artificial.
Sus conocidas Valquirias, que Joana Vasconcelos lleva realizando desde 2004, inspiradas en las figuras femeninas de la mitología nórdica que tenían el poder de devolver la vida a los guerreros más valientes para llevarlos al Valhalla. Joana Vasconcelos ha creado numerosas valquirias específicas por todo el mundo con las que ha homenajeado a mujeres notables de la Historia como Elizabeth Freeman, la intelectual, filósofa y activista política Simone de Beauvoir; la abo- gada y política Simone Veil; o la peregrina del siglo IV, Egeria, primera escritora de viajes conocida en Occidente.Se trata de unas monumentales esculturas textiles hechas a mano que cuentan con un cuerpo central y extremidades tentaculares, combinando ricas variedades de tejidos y técnicas textiles, pasamanería, ganchi- llos, flecos, plumas y bordados que brillan a través de luces LED que le dan vida. El resultado es una instalación majestuosa que conjuga arte y artesanía, oficios tradicionales, historia, cultura popular y tecnología, habitando el espacio con los vivos colores propios de la artesanía portuguesa, que establece aquí diálogos con la riqueza ornamental de las artesanías valencianas.
El recorrido de la sala comenzará en un jardín para terminar en un bosque, El bosque encantado (2024), donde formas orgánicas cuelgan del techo del último espacio como enormes frutos o corales invertidos, creando un paisaje inmersivo donde los coloridos biomorfos en un ecosistema textil iluminado con luces LED donde confluyen la especulación futurista, la magia de los cuentos infantiles y la tra- dición oral mediterránea, con su imaginario de criaturas fantásticas y metamorfosis.
Entre las piezas emblemáticas que integrarán la exposición, destaca Marilyn, las gigantescas sandalias de tacón inspiradas en las de Marilyn Monroe en la película «La tentación vive arriba». Frente al plateado de la actriz de Hollywood, el glamour de Vasconcelos emerge del acero inoxidables de las cazuelas que com- ponen las esculturas, uno más de sus gestos feministas en clave irónica para desafiar los estereotipos de género. También, Spot me, una obra de 1999 que formó parte de la primera exposición colectiva de Vasconcelos fuera de Portugal, precisamente en Valencia, una caseta de vigilancia del Estado Novo portugués, transformada en un dispositivo de espejos donde el espectador se enfrenta a su propio reflejo. La obra central, concebida específicamente para la escalera del museo, establece un diálogo entre las artesanías de Valencia y Portugal, pero también entre los relatos mitológicos ibéricos.
Rosana Antolí, IVAM, Valencia. Desde el 3 de diciembre de 2026.
Rosana Antolí (Alcoi, España, 1981) es una artista multidisciplinar y directora de performance afincada en el Reino Unido, cuya práctica explora temas ecofemi- nistas y más-que-humanos a través de experiencias inmersivas que cuestionan las percepciones de la identidad, el cuerpo y la agencia.
Su trabajo investiga formas expandidas de narración especulativa me- diante la performance, la escultura sonora, la ópera contemporánea y la pintura, explorando la voz como vehículo de agencia —humana y no-humana— y como herramienta para articular formas de resistencia y de coexistencia interespecie.
En proyectos recientes como An Aria for the Mallard (Fundación Gul- benkian, Lisboa) o The Suspended Echo (Holy Trinity Gallery, Londres), Antolí imagina relatos ecológicos y afectivos a partir de cuerpos en pausa: aves que re- chazan migrar, hielos que se derriten a destiempo, seres que permanecen como un acto radical. Su práctica se construye desde un pensamiento more-than- human, donde arte y ciencia se entrelazan para investigar la interdependencia, la agencia y las formas de convivencia más allá de lo humano.
Con el proyecto expositivo Un ensemble transhumano: voces del marjal, concebido para el IVAM, Antolí profundiza en la investigación sobre bioacústica, ópera y arte, estableciendo un diálogo con el contexto valenciano y su memoria del agua y de la voz. Propone una nostalgia anticipada por quienes desean ser escuchados y una empatía hacia aquello que queda más allá de nuestra mirada, reconociendo las otras vidas que conviven con nosotros y su propia agencia.
En la ópera, un ensemble es un momento en el que varias voces suenan simultáneamente, cada una con su propia línea melódica y emoción, pero en convivencia con las demás. A diferencia del coro, que suele funcionar como voz colectiva y anónima, el ensemble mantiene la singularidad de cada intérprete y hace convivir sus diferencias en una misma partitura. Es, por tanto, un espacio de simultaneidad y de escucha compartida, donde lo individual y lo colectivo se entrelazan sin que ninguna voz predomine. Lo que interesa a Antolí es precisa- mente no homogeneizar estas voces, sino mantener su diferencia y aprender a escucharlas en su especifi cidad. Trasladado al contexto del marjal valenciano, este dispositivo coral permite imaginar relaciones más-que-humanas, en las que peces, aves, microorganismos y elementos del agua participan como voces activas en la construcción de un relato común.
En este marco, Antolí propone la posibilidad de una colaboración con el Palau de les Arts, tanto simbólica como práctica, con el objetivo de expandir las formas narrativas que habitan el museo e integrar la ópera en diálogo con las artes visuales y la investigación científica. Dado que su trabajo se desarrolla en la inter- sección entre arte, ciencia y ópera, la colaboración con el Palau se concibe como una extensión natural del proyecto: por un lado, posibilitando la incorporación de voces operísticas en el espacio expositivo como parte de las obras; y, por otro, abriendo la opción de trasladar la investigación fuera del museo mediante la realización de un evento en el propio Palau.
P. VASCO
BILBAO
Pipilotti Rist, Ever is Over All, Museo Guggenheim Bilbao. Del 1 de octubre 2026 al 17 de enero 2027.
Pipilotti Rist (Grabs, Suiza, 1962), una de las videoartistas más reconocidas de las últimas tres décadas, comenzó a despuntar en los años ochenta al integrar la estética del videoclip en el arte audiovisual, junto con otras influencias, como la cultura popular, la tecnología y el videoarte feminista histórico, desarrollando desde muy pronto un estilo propio de gran carga sensorial y emocional.
La exposición presentará la videoinstalación Ever is Over All (1997), una doble proyección en la que se puede ver a una mujer sonriente con un vestido azul claro que se dedica a romper los cristales de los coches aparcados mientras pasea por la acera. Dicha secuencia se superpone, hasta fusionarse, a otras imágenes de carácter onírico en las que aparecen distintas flores tropicales. El vídeo, acompañado de una sugestiva banda sonora compuesta por el artista Anders Guggisberg y ralentizado a un ritmo pausado, facilita una atmósfera poética que sumerge al espectador en una suerte de realismo mágico en el que una flor se transforma en un arma destructiva, dando lugar a un gesto catártico y esperanzador.
In Situ. Zadie Xa, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 19 de noviembre 2026 al 25 de abril 2027.
Zadie Xa (Vancouver, 1983) es una artista de origen coreano-canadiense que trabaja en Londres cuya práctica multidisciplinar explora temas como la identidad, el folclore y la transmisión de la herencia cultural de la diáspora a través de la narración de historias, la performance y la instalación inmersiva. Partiendo de la mitología coreana, el ritual chamanístico, la ciencia ficción y sus propias vivencias, Xa construye entornos multisensoriales en los que embaucadores y personajes híbridos perturban el relato histórico imperante. Sus recientes exposiciones individuales, celebradas en sedes como la Whitechapel Gallery de Londres, Space K en Seúl o Thaddaeus Ropac en París, destacan el interés de la artista por la comunicación entre especies, los símbolos de protección y transformación, y la importancia espiritual del territorio y el lugar. A través de la pintura, el textil, la escultura, el sonido y la performance, Xa fusiona la construcción de mundos fantásticos con la indagación política y metafísica.
La obra de Xa ha estado presente en grandes instituciones internacionales, como el MoMA PS1, el Palais de Tokyo, la Haus der Kunst o la Bienal de Venecia, donde participó en el programa de performances de 2019. Algunas colaboraciones notables con el artista Benito Mayor Vallejo han ampliado aún más su investigación en torno al disfraz, la mascarada y el arquetipo del embaucador. En 2025 Xa fue finalista del Premio Turner, uno de los galardones más prestigiosos de arte contemporáneo en el Reino Unido, por su instalación colaborativa Moonlit Confessions Across Deep Sea Echoes: Your Ancestors Are Whales, and Earth Remembers Everything, presentada en la 16ª Bienal de Sharjah. A través de formas afectivas y de múltiples capas, Xa construye un espacio donde convergen el conocimiento ancestral, la ficción especulativa y la recuperación cultural.
SAN SEBASTIAN/DONOSTIA
«Graciela Iturbide, entre el viento y los sueños», Museo San Telmo, Donostia/San Sebastian. Del 3 de julio al 30 de agosto 2026.
La exposición muestra el trabajo de la fotógrafa mexicana, Premio a las Artes Princesa de Asturias 2025, quien durante más de seis décadas se ha dedicado a profundizar en el conocimiento antropológico de las poblaciones indígenas de su país y de otras culturas. Iturbide desarrolló pronto un estilo característico que combina un enfoque documental con una visión profundamente personal y poética.
Sally Mann, sala Kutxa Fundazioa Artegunea, Donostia/San Sebastian. Del 17 de julio al 1 de noviembre 2026.
Comisaria: Anne Morin.
La exposición reúne cerca de 150 fotografías organizadas a partir de las series más importantes de esta emblemática fotógrafa. La muestra abarca el período que va aproximadamente de 1980 a 2020 e incluye sus primeras series, como Immediate Family, Family in Color, y los grandes paisajes del sur de Estados Unidos —Virginia, Georgia—, así como una serie de retratos nunca antes expuestos, Faces, que amplía aún más los límites de la fotografía hasta confluir con la pintura. Sally Mann concibe la materialidad del medio fotográfico como una materia pictórica, plástica, cercana a la concepción de la pintura de Cy Twombly, con quien Sally Mann mantuvo una estrecha relación. También se presentarán trabajos más recientes, como la serie Delta (2016), paisajes realizados en color cuya tonalidad evoca la de las primeras imágenes en autocromo de principios del siglo XX. Toda la exposición gira en torno a la idea de ofrecer, por un lado, una retrospectiva general de su obra, y por otro, de mostrar cómo la dimensión narrativa en sus fotografías tiende a vaciarse, a desvanecerse a lo largo de estos grandes ciclos temáticos, al mismo tiempo que Sally Mann lleva el medio fotográfico a sus límites, hacia territorios más propios de la pintura y de los antiguos procedimientos fotográficos.
Isabel Coixet, Aprendizaje de la desobediencia, Museo San Telmo, Donostia/San Sebastian. Del 1 de septiembre al 1 de noviembre 2026.
La exposición, recientemente presentada en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dentro de la programación de PhotoEspaña, reúne una selección de unos cincuenta collages realizados manualmente y con técnicas digitales por la directora y guionista de cine Isabel Coixet.
VITORIA
Rosalind Nashashibi, ARTIUM, Vitoria. Desde 19 de junio al 25 de octubre 2026.
En el mes de junio se presentará una exposición dedicada a la obra de la pintora y cineasta de origen palestino Rosalind Nashashibi (Londres, 1973), centrada en una serie de pinturas recientes que evocan la memoria y resistencia del pueblo palestino.
En la producción de la artista es frecuente encontrar el uso de referencias y citas a la Historia de la pintura, así como elementos que forman parte de la cultura popular.
La muestra es una continuación de su colaboración con Artium Museoa, que comenzó con la presentación de su obra cinematográfica en 2021, junto con la pintura A Wider Kind of Love (2021), que actualmente forma parte de la colección del museo, y propone habilitar un escenario desde el que “no dejar de hablar” de Palestina.
