FLECHA 2020

FLECHA 2020
Redacción

Más de 50 artistas nacionales e internacionales toman parte en FLECHA, la Feria de Liberación de Espacios Comerciales Hacia el Arte. Todo un referente en la vida artística y cultural de Madrid que ahora celebra su edición número 29. El Centro Comercial Arturo Soria Plaza acoge este encuentro del 6 de febrero al 8 de marzo.

Durante el mes de febrero, y coincidiendo con ARCO y las demás ferias de arte, se exhibirán alrededor de 500 obras de arte contemporáneo entre pintura, grabado, dibujo, cerámica, escultura y fotografía, realizadas tanto por artistas emergentes como consagrados.

Esta edición cuenta con la presencia de artistas como Ana Valenciano, Carolina Veramendi B, Charlotte Adde, Marta Sánchez Luengo, Menchu Uroz, Leticia Felgueroso, Violeta McGuire, Barbeito, Candela Muniozguren, Ana Cano Brookbank, Verónica B. Loring, Isabel Alonso, Vega Reula, Barbara Long, Maricruz Arribas y Micaela Aljovín, entre otros.

El evento FLECHA nació en 1991 impulsado por un colectivo de artistas que buscaban nuevas vías de exhibición y comercialización de sus obras. Este certamen, gestionado por varios artistas, se ha consolidado hasta alcanzar el prestigio que la convierte en un espacio alternativo donde descubrir tanto a artistas nuevos como obras originales de los ya consagrados.

Aquí van algunas propuestas:

Esta obra pertenece a la serie Constructions de Alicia Calbet (Madrid, 1985) y hace referencia a la construcción y reconstrucción de la identidad de las mujeres por sí mismas. Cada grabado se compone de 9 piezas que forman el retrato de distintas mujeres africanas, construidas a su vez con piezas mecánicas y ataviadas con trajes pertenecientes a la época victoriana. Fue en esta época de colonialismos y revolución industrial, en la que comenzaron a oírse las primeras voces feministas, pero no todas se oían. Las mujeres procedentes de los países colonizados aún lo tenían mucho más difícil, ya no solo por su clase social o género, sino por su origen o color de piel. Con esta serie quiero construir el retrato de estas mujeres anónimas, poniendo en evidencia el no lugar que se les dio y haciéndolas protagonistas.

Ana Cano Brookbank (Madrid, 1987) es una artista plástica multidisciplinar que trabaja fundamentalmente la pintura y la cerámica. Su trabajo destaca por la presencia del color, siempre vibrante y eléctrico. Sus imágenes juegan tanto en el campo de la figuración como en el de la abstracción. En el plano figurativo, representa situaciones cotidianas, tanto paisajes (reales o imaginarios) como interiores que evocan sueños. En otras obras prescinde de la forma preestablecida para dar predominio al color resaltando el gesto libre y espontáneo, así como el empleo de capas, transparencias y texturas.

Un nudo es cierre y origen, posibilidad, límite, crecimiento y base. El nudo, como lo explorara el artista peruano, Jorge Eielson (1914-2006) en forma y palabra, es punto de partida del paisaje-instalación creado por Kristie Arias (Lima, Perú, 1977), como arista ecuánime de múltiples símbolos y deseos. Las tres piezas presentadas, forman parte de una serie de estratigramas o estratigrafías blandas, presentadas en el AMANO – Museo Textil Precolombino. Las piezas muestran en tejido lo que un tajo en la tierra: estratos o rocas sedimentadas; trozos de historia geológica que Arias anuda a la narración textil de un pasado precolombino y de un presente de subversión, al ciclo vital y la posibilidad de regeneración, a la idea de un infinito sólido. Las posibilidades reales y metafóricas del nudo como objeto activo y consecuencia de una acción, como átomo de un tejido a gran escala. El uso de colores es también un recorrido por el nudo. Las franjas remiten a los patrones cromáticos en las rocas sedimentarias, y luego se alejan de la tierra para tomar tonos Paracas y Lambayeque. El Museo AMANO, con su colección textil precolombina, tiene una influencia grave y añade otra atadura: la relación entre el textil y la tierra hecha evidente en los fardos funerarios Paracas. Capas de telares en paralelo a los estratos geológicos: dos maneras de entierro. Arias rinde un homenaje acentuado por la forma circular de las piezas. Nudo funerario que, al ser símbolo de regeneración, es también nido. «La serie de estratigramas que conforman Paisaje Nodal, nace en una parte por mi punto de vista por lo que sucede hoy en la industria textil, ya que no solo es el plástico y el petróleo lo que nos debe preocupar. Planteo la reutilización de materiales de la industria textil, todo el material que he utilizado para realizar mis piezas son materiales de deshecho y de stock almacenado en las fábricas de las ciudades de Lima y Arequipa en el Perú. Le he dado una segunda vida a cintas y acabados del sector para que sean parte de la trama de mi propuesta tejida. Siento una profunda preocupación por el futuro sostenible, y desde mi práctica como artista, personalmente es muy importante el bajo impacto en el desarrollo de cada pieza. Es fundamental crear conciencia de cómo el consumismo de textiles y su desperdicio, además de las malas condiciones en el trabajo en la industria afectan negativamente al planeta y a los derechos humanos. Es necesaria la acción colectiva para alcanzar soluciones a los problemas que tenemos como humanidad… y desde el arte, ¡por qué no! Solo tenemos un planeta, y aunque el arte ayuda a embellecerlo, todos somos además responsables de protegerlo».

La pintura de Luz Letts (Lima Perú, 1961) es figurativa: «Desde hace miles de años, en Altamira, España o en Toquepala, Perú, nos hemos comunicado a través de imágenes. Mi trabajo es una prolongación de esa magia que ha sido capaz de crear alfabetos, desarrollar culturas, preservar ideas, inventar religiones. Trato de entender el espacio donde vivo: Lima, una ciudad contradictoria y fascinante. Busco imágenes dentro de lo cotidiano como conceptos colectivos para crear metáforas visuales».

Marta Santalla (Madrid, 1970): «On the Beach. Florida. La luz. De Florida me gusta el color que adquieren las cosas bajo el sol. Su brillo. La playa. Me sobran los escasos bañistas. Caminando busco, y buscando encuentro la singularidad de las casetas en medio de la playa. Al fondo el mar. Cada caseta es única, un hito arquitectónico que se apodera de unos felices 20 que jamás conoció. Y todas juntas nos están hablando de la belleza y de lo efímero. Quizás mañana se las lleve un huracán de los muchos que pasan por allí, pero hoy están ahí. Espléndidas en su fugacidad. Leves como suspiros de madera. Coloristas bajo un sol que las arropa con sus rayos. Elegantes y demodés. Y, sobre todo, bellas».

Reme Remedios (Romiña, Casaio, Ourense, 1972): «En Braga, Portugal, las fuentes de la escalinata del Templo do Bon Jesus do Monte manan y acompañan la subida al Templo, la bajada a la ciudad; chorros de agua encuentran un canal de salida en las tallas de piedra para llorar perpetuos los ojos, las orejas, la boca, la nariz… Escuchándolas, me acordé de cuando el cuerpo chora por sí mismo, sin una aparente conexión a la emoción, como un acontecimiento orgánico sin drama. Así choran las imágenes que llegan al papel mojado, fluyendo el gesto con el agua en la que diluyo la acuarela, y la acción creadora se da también por sí sola, como el cuerpo que se deja llorar».