Gema Rupérez, instalación “lens culinaris”, 2013
ENTREVISTA A GEMA RUPÉREZ
María José Magaña Clemente
Gema es una artista que nació en Zaragoza en 1982, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Valencia, y que en poco tiempo ha adquirido una relevante experiencia en la realización de proyectos artísticos, también a nivel internacional, y participado en exposiciones individuales como “Sobre la superficie” en la Sala Juana Francés, Casa de la Mujer en 2012, o “Ausencia convocada” en la Galería A del Arte, también en Zaragoza, en el 2013, o en colectivas como “Itinerancia 3” en la Casa de Velázquez en el 2012, siendo seleccionada para las becas de residencia en dicha institución del 2010 al 2012, o en Bolivia en el 2012 a través del Kiosko Galería.
MJM- En tu opinión, ¿qué sentido tiene dedicarse a la profesión de artista hoy en día? ¿Crees que tu trabajo tiene algo que ver con la perspectiva de género y con la evidencia de la discriminación social de la mujer, o más bien es tu experiencia personal en relación a la búsqueda de identidad y el recuerdo de la infancia?
GR- Bueno, pasando por al lado de tópicos que ya conocemos, como que el arte entre otras cosas es un medio de expresión, me encuentro en la línea que permite contar una realidad dentro de otra, en un tiempo y un espacio concreto. Siempre hago referencia a mi entorno más inmediato cuando hablo de mi trabajo y supongo que ahí se encuentran los términos que mencionas como identidad, recuerdo y compromiso.
MJM- ¿Reconoces a otras/otros artistas en el origen y proceso de tu trabajo? ¿Hay algún movimiento o contexto artístico concreto que te interese especialmente en este momento?
GR- Referencias tengo casi una por momento, es decir, se han ido ampliando con el tiempo y sigo manteniendo admiración por las que descubrí en mis inicios. Hay algunos artistas que permanecen como una constante en mi archivo mental y otros de los que me interesa alguna de sus piezas o etapa de su carrera. Ejemplos que se me ocurren a bote pronto: Mimmo Paladino, Juan Muñoz, Shirin Neshat, Cildo Meireles, Jana Sterbak, Claude Lévêque, Ann Hamilton, Do-Ho Suh, etc.
MJM- En tu currículum destacan numerosos premios y exposiciones en Aragón, y en estos momentos estás viviendo allí; por ello ¿consideras que tu trabajo se ha reconocido y comprendido en tu tierra? ¿Te encuentras bien ubicada en lo que se considera la periferia?
GR- Aunque no puedo obviar la reciente censura del proyecto expositivo (lens culinaris) con el que debía culminar la beca-residencia Casa Velázquez que obtuve por la Diputación de Zaragoza, la verdad es que hago un balance bastante positivo, creo que sí se ha valorado y se valora mi trabajo, además los premios han ido a la par de otros reconocimientos que he tenido fuera. Por otro lado, la ubicación afortunadamente no afecta a la creatividad, ni a las ganas de trabajar, y de todas formas, parto de las limitaciones de estar en dicha periferia e intento aprovechar sus posibilidades.
Instalación “lens culinaris”, 300 kg. de lentejas, 2013
MJM- Me gustaría que nos contaras tu experiencia respecto a las becas de residencia que has disfrutado con la Casa de Velázquez y en Bolivia, ya que ahora es una práctica muy habitual entre los jóvenes artistas, y si consideras que puede ser una posible vía de salida al atasco profesional provocado en parte por la crisis.
GR- A lo largo de mi carrera han sido experiencias muy satisfactorias. Hay diferentes modelos de residencias, en este caso mencionas Casa Velázquez en Madrid (2 años) y Kiosko Galería en Bolivia (2 meses), en las que la temporalidad ha sido importante y condicionante a la hora de concebir los proyectos. Una estancia larga te permite desarrollar un trabajo a modo de laboratorio, y una corta concentrarte y comprimir toda la energía en llevarlo a cabo. En ambas he tenido la fortuna de convivir e intercambiar conocimientos con otros creadores y acercarme a otras culturas.
Las residencias es difícil que puedan considerarse como una vía de salida, puesto que no hay tantas como nos gustaría, aunque al mismo tiempo son una opción muy productiva para sobrevivir si eres “el elegido” o tienes la posibilidad de acceder a ellas…, pero aún así no dejan de ser un paréntesis o casi una burbuja, y cuando terminan te enfrentas de nuevo a esta realidad ahora en crisis.
Instalación en Bolivia One way, trenzas de cable de acero, 2012
MJM- Tu trabajo transita entre la escultura, las instalaciones, el collage, los dibujos y el vídeo, ¿hay algún medio o formato en el que te encuentras más cómoda o con el que sientes que expresas de manera más adecuada tu concepto artístico?
GR- Disfruto mucho de los materiales, depende de lo que quiero contar utilizo un medio u otro, pero es verdad que con el tiempo me he dado cuenta que tengo necesidad de las tres dimensiones. Disfruto mucho de los materiales, depende de lo que quiero contar utilizo un medio u otro, pero es verdad que con el tiempo me he dado cuenta de que tengo necesidad de las tres dimensiones. Supongo que en parte es porque se acerca más a nuestra realidad, vivimos rodeados de cosas que tienen un volumen. No obstante, me ayudo mucho del dibujo, ya sea en los bocetos previos a las instalaciones, o en la obra final haciendo uso de su expansión; por ejemplo, en los últimos trabajos que he realizado en papel utilicé tinta, pero también la técnica del gofrado.
Silla n. 5, Gofrado y tinta, 2013
MJM- ¿Juega algún papel la poesía o la literatura, en general, en tu obra? Si es así, ¿qué autoras/autores te interesan? ¿Y qué hay de la música?
GR- Que se vea reflejada como tal, podría referirme a la mitología e incluso a las fábulas en trabajos anteriores. Por ejemplo la pieza “Polishing lies” hace alusión al personaje de Pinocho. Respecto a la poesía y a la música las tengo tan presentes como el cine y el teatro, puesto que son importantes a nivel de enriquecimiento personal y de alguna forma también se reflejan en lo que hago. Te dejo un mix de admirados: René Aubry, John Berger, Éric Rohmer, Pablo Neruda, Fernando Colomo, Jean Baudrillard, Nacho Duato, Peter Greenaway, Amélie Nothomb, Ludovico Einaudi, Xavier de Maistre, Banana Yoshimoto, Kim Ki-duk, Erik Satie, Boris Vian, etc.
Polishing lies, madera y papel lija, 2012
MJM- En la Galería A del Arte mostraste la instalación “lens culinaris”, en la que 6 millones de unidades de lentejas actúan como una denuncia sobre el número de parados en España, y que curiosamente fue censurada por una institución pública que se negó a exponerla, rompiendo su compromiso contigo. ¿Consideras que dar visibilidad a los problemas sociales y económicos de la gente es parte de tu trabajo? ¿Cómo entiendes la responsabilidad individual y colectiva en tu obra?
GR- Me resulta imposible estar ajena o abstraerme totalmente de lo que sucede alrededor de mí. Mediante esta instalación se generó una vista de pájaro que permitía abarcar visualmente esos millones de lentejas-personificadas. Me parece interesante tomar conciencia de la magnitud. Y de aquí el punto de inflexión donde el trabajo que hasta ahora había realizado desde la introspección, intimista y centrado en el individuo, deja su zona de confort para hablar de ese mismo individuo pero dentro del colectivo, de la sociedad.
O también podría decir, simplemente, que ese entorno inmediato del que hablo muchas veces, se ha hecho más periférico.
P.P.P. (punto por persona), tinta sobre plano y vídeo, 2013
MJM- ¿Imaginas tu obra sin producir objetos? ¿Necesitas la materialidad, el tacto y el olor para emitir significados? Me gustaría que nos describieses la obra “Sticky wall” que realizaste con ladrillos de caramelo y el porqué del uso de esos materiales.
GR- Trabajo desde lo cotidiano, y los objetos son el punto de unión entre la obra y la realidad. Cuando estudié en Italia descubrí por primera vez en una pieza de Arte Povera que una obra podía estar viva, y me fascinó. Desde entonces me apasiona esa materialidad de la que hablas.
La obra “Sticky wall” nace de la idea de utilizar el adoquín de caramelo como elemento de construcción. Su tamaño y forma semejante a la de un ladrillo, permite crear por yuxtaposición simulacros arquitectónicos, como en este caso un muro que alude a la estructura básica de la casa. En el contexto social que nos encontramos, esta obra reflexiona sobre lo no habitable y la atracción de las apariencias como cimiento efímero. Por ello la presentación y representación de paredes comestibles, muros que por dulces que sean no pierden su condición de límite, ahora incrementado por la sensación repulsiva de su aspecto pegajoso.
Instalación en Casa de la Mujer Sticky wall, adoquines de caramelo, 2012
MJM- ¿Cómo ves la situación del arte en España y en relación al contexto internacional?
GR- Se percibe el desaliento, creo que nos debatimos siempre entre el quiero y no puedo con cierto complejo de inferioridad en relación al contexto internacional. Continuamos retrasados respecto a cómo se valoran los sectores que están relacionados con el arte. Todavía se buscan estructuras sólidas en vez de adaptarnos a estos “Tiempos líquidos” definidos por Bauman, pero es muy complicado lanzar una fórmula al respecto.
MJM- ¿Podrías destacar alguna institución o entidad que te parezca modélica en cuanto al uso de buenas prácticas en su gestión respecto a lxs artistxs? ¿Y de lo contrario?
GR- Desde las experiencias que he tenido, que son las que puedo valorar y comparar, por ejemplo la institución francesa Casa Velázquez se aproxima bastante a las buenas prácticas. Y al contrario, denuncio a todas esas instituciones que son dirigidas por individuos disfrazados de gestores culturales que ni siquiera conocen que existen códigos de buenas prácticas.
180 horas de tensión, Serie Castigo, cuero y cera, 2013
MJM- ¿Qué planes tienes de manera inmediata y a medio o largo plazo?
GR- A corto plazo me voy a Nápoles a montar una instalación al MADRE para un Open Day relacionado con el Día Internacional de la Mujer. Y ahora estoy también trabajando en una pieza que se expondrá en el Centro Ambiental del Ebro. Por otro lado, sigo colaborando en un proyecto cinematográfico en Bolivia y con otros proyectos paralelos que todavía no puedo adelantar.
