CATACLISMO

EXPOSICIONES 2018 EN ESPAÑA

EXPOSICIONES 2018 EN ESPAÑA

Redacción

La precariedad de nuestros museos y centros de arte se evidencia en el retraso de la publicación de sus programaciones, lo que nos sitúa a distancia de centros de arte en países de nuestro entorno. Esta es una de las consecuencias de que cada vez tengamos más museos descabezados, sin cargos de dirección, y/o  sin un mínimo equipo. Por lo que la mayoría de centros anuncian su programación con informaciuón completa máxime hasta la primavera.

Entre las revisiones históricas, el 31 de enero la Biblioteca Nacional en Madrid inaugura Dibujos de Rosario Weiss (1814-1843). Todavía sin fecha de inauguración, para la primavera se anuncia una pequeña exposición en el madrileño Museo Thyssen de Maruja Mallo (1902-1995), con la que se cerrará el calendario de eventos programados por la Real Academia Galega de Belas Artes con motivo del año de la autora. Y para el otoño, Tamara de Lempicka en el Palacio de Gaviria de Madrid.

Esther Ferrer, con nuevos proyectos, este año seguirá siendo protagonista destacada.

 

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Juana de Aizpuru. Extractos de una colección, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Hasta el 8 de marzo de 2018.

Inaugurada el 20 de diciembre pasado, la exposición se ha llevado a cabo mediante una selección de obras de algunos de los artistas con los que ha trabajado la galerista desde los años ochenta hasta ahora, ya que una buena parte de las obras de los artistas de los años setenta que formaron en su día parte de la colección fueron donadas por ella al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), al estar vinculadas con el contexto artístico de Andalucía.

Teniendo en cuenta la larga trayectoria como galerista y como coleccionista de Juana de Aizpuru, se ha pensado que es el momento de exhibir una selección de su gran colección, para mostrar los intereses de una galerista y coleccionista.

En definitiva, esta exposición reúne una selección de artistas y obras que representan un significativo abanico de lenguajes, tanto técnicos como estéticos, de lo que hoy es el arte contemporáneo. En ella pueden verse obras de artistas españoles como Pilar Albarracín, Miguel Ángel Campano, Luís Claramunt, Jordi Colomer, Fernando Sánchez Castillo, Dora García, ALberto García Alix, Montserrat Soto, Cristina García Rodero, Cristina Lucas, Rogelio López Cuenca, Federico Guzmán. Y entre los europeos: Art & Languaje, Miroslaw Balka, Pedro Cabrita Reis, Jiri Dokoupil, Tim Parchinov, Markus Oehlen, Albert Oehlen, Philipp Fröhlich, Heimo Zobernig, Josep Kosuth, Georhe Hold, Pierre Gonnord…

Comisaria: Margarita Aizpuru

 

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Berenice Abott, Topografías, Kutxa Kultura artegunea, Tabakalera, Donostia/ San Sebastian. Hasta el 22 de marzo 2018

La exposición repasa la trayectoria de la fotógrafa estadounidense Berenice Abbott, una de las grandes desconocidas de la historia de la fotografía. Las 82 fotografías que conforman la exposición, están reunidas en tres apartados y ocupan las dos plantas de la sala de exposiciones.

En la primera parte de la exposición conoceremos sus primeros años como retratista de conocidos personajes de la sociedad intelectual y artística de la Belle Époque parisina. El segundo apartado encontraremos sus fotografías científicas. Obras poco conocidas, fruto del interés de Berenice Abbott por los avances científicos de su época. Sus fotografías de diversos fenómenos físicos hacen entendible la Ciencia a los ojos profanos.La tercera parte de la exposición, expuesta en la segunda planta, nos presenta su gran obra y proyecto personal: Changing New York. Un documento excepcional sobre la transformación de la ciudad de Nueva York en el primer tercio del siglo XX.

Berenice Abbott fue una incansable y polifacética fotógrafa cuyas obras influyeron excepcionalmente en la fotografía documental y artística del siglo XX. Lo cual no impidió que sufriera desprecios y falta de reconocimiento hasta su vejez. Una mujer que demostró siempre una gran capacidad para sobrevivir a las penurias familiares, económicas y laborales.Esta exposición es una victoria de Berenice Abbott y una ocasión excepcional de conocer la obra y la figura de una artista olvidada en los libros de la historia del Arte.

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Olga Sacharoff: pintura, poesia, emancipació, Museu d’Art de Girona. Hasta el 2 de abril.

Comisariada por Elina Norandi, se trata de la exposiciín central del Año Sacharoff, que conmemora los 50 años de la muerte de la pintora rusa, y tiene como objetivo situarla como una artista activa en la denominada Escuela de París, así como mostrar los vínculos de la pintora vanguardista con el arte catalán de los años 1940 y 1950.

Sin voluntad de desarrolar una exposición antológica, la muestra plantea un itinerario iconográfico por los temas más significativos y recurrentes en la obra de Sacharoff: animales, flires, retratos, paisajes, y sobre todo, la presencia de la figura de la mujer como eje central de su discurso artístico.

Reúne una veintena de obras, procedentes de museos, galerías, instituciones culturales y colecciones tanto nacionales como internacionales (Estados Unidos, Rusia, Francia y Holanda)

La exposición reúne también fotografías y documentación inédita de la artista y de su círculo, así como artículos de prensa de la época. Otro aspecto destacado es la exhibición de todas las obras literarias ilustradas por la artista, una faceta hasta ahora desconocida.

Más información sobre el año Sacharoff: anyolgasacharoff.cat

 

 

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Tracey Moffatt, Other, CAC Málaga. Del 9 de enero al 11 de marzo de 2018.

En el Espacio 5 del l Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta el vídeo de Tracey Moffatt titulado Other (2010). El vídeo es un montaje con un ritmo rápido de clips de películas que muestran la atracción entre las razas marcado por la música que juega un importante papel. Entre ellos, Marlon Brando mira a las chicas tahitianas, Samantha Jones de Sexo en Nueva York a un jugador de fútbol africano en un vestuario masculino y Brad Pitt desea más que sangre en Entrevista con el vampiro. Imágenes sugerentes llenas de erotismo de películas clásicas y contemporáneas que desembocan en un sugerente volcán eclosionando como metáfora de las relaciones sexuales y el alcance del clímax.

 

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Belén Rodríguez, PAINTUNG, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Inauguración 19 de enero de 2018.

La artista Belén Rodríguez presenta su proyecto: “Partiendo de una exploración de la pintura y la escultura contemporánea, sin renunciar a una cierta conciencia poética del mundo, pero con un trasfondo crítico con la industrializa­ción y la sociedad de consumo, me planteo llevar a cabo una exposición en la cual combinaré una serie de pinturas escultóricas, algunas ya creadas y otras producidas para la ocasión.
En ellas partiré de material textil para tratarlo como un material de escultura en bruto en el que se quita material (como la talla) para la creación de imágenes pictóricas.
Estas imágenes reunirán reflexiones tradicionalmente ligadas al diseño textil con una reivindicación de la factura manual, la imperfección y la imprevisibilidad que no encuentra lugar en nuestro sistema de creación de objetos, a la vez que ahondará en la riqueza de vocabulario y posibilidades técnicas que dentro del plano del cuadro son posibles.
Las obras se presentarán en el espacio como personajes en un desfile de carnaval. Cada cuadro, generalmente presentado exento de la pared, mostrará su propia personalidad y lenguaje pictórico particular, y generarán una serie de estratos visuales que enriquecerá el recorrido del espectador, invitando al descubrimiento de rincones y al desafío que los límites de un marco en principio imponen.”

 

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YO SOY. MEMORIA DE LAS RAPADAS. Un homenaje de Art al Quadrat a las mujeres republicanas represaliadas, MUVIM, Valencia. Del 24 de enero al 1 de abril de 2018.

La exposición rinde homenaje a «las rapadas», mujeres represaliadas por el franquismo por sus ideas políticas o sus actitudes liberales. El despojamiento del cabello era solo una de las muchas vejaciones sufridas. Una vez detenidas, las obligaban a beber aceite de ricino para provocarles diarreas y pasearlas por las calles, mientras el pueblo las insultaba y apedreaba. Es decir, que se utilizaba a los propios vecinos para maltratarlas, creando un ritual de humillación colectiva, de estilo inquisitorial, que prevenía futuras actitudes rebeldes.

En «Yo soy. Memoria de las rapadas», las artistas gemelas Mónica y Gema Del Rey Jordà (Valencia,1982), componentes de Art al Quadrat, presentan uno de sus proyectos más maduros. En él, aúnan las distintas líneas de trabajo que las caracterizan: la reflexión sobre la intimidad en la que la idea de doble está muy presente, el análisis de las imágenes como portadoras de ideología; y la búsqueda de la justicia social.

Sin embargo, la exposición no persigue detenerse en un hecho histórico pasado y recrear el dolor de estas historias, que por otra parte hay que conocer y difundir, sino sanarlo desde el presente, generando una corriente colectiva de energía que rescate la fuerza y el valor de «las rapadas», para que ellas nos sirvan de ejemplo en la lucha contra la violencia que sufrimos las mujeres aún hoy en todo el mundo.

Comisaria: Susana Blas

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Claudia Casarino, CAAM, Las Palmas. Del 25 de enero al 27 de mayo de 2018.

Individual de Claudia Casarino, artista paraguaya de la que se presentarán obras en fotografía, vídeo e instalaciones textiles, que abordan cuestiones relacionas con el poder y el cuerpo femenino, las migraciones y el exilio. Será la mayor exposición realizada en Europa de esta artista latinoamericana, con el comisariado de la especialista argentina Gabriela Salgado.

 

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Olga Mesa y Francisco Ruiz de Infante, Carmen // Shakespeare. Presagios del deseo, ARTIUM, Vitoria. Del 26 de enero al 1 de mayo de 2018.

Los autores definen su propuesta como un “laberinto expositivo” y es un nuevo capítulo del proyecto Carmen // Shakespeare que Ruiz de Infante y Mesa vienen desarrollando y evolucionando desde 2012. Se trata de un complejo y laberíntico montaje de distintas instalaciones y vídeo-instalaciones que aborda, a partir de un arquetipo de ficción (Carmen) y otro real (Shakespeare), el tema del amor. La exposición se organiza en cuatro zonas cuyos límites no siempre son claros,  cada una de las cuales se refiere a otras tantas situaciones dentro del tema general: la seducción, el conflicto, la pérdida y finalmente la muerte. El proyecto de Francisco Ruiz de Infante y Olga Mesa cuenta con el espectador, su presencia y su actitud, como un ingrediente clave para su activación. Durante el período de apertura de la exposición está prevista la realización de diversas acciones por parte de los autores: performances, conferencias performativas, montaje escénico… Dirigida y producida por Artium, la exposición tendrá ramificaciones en otros espacios como las facultades de Bellas Artes e Historia del Arte o el Centro Montehermoso. Posteriormente, itinerará al Centro de Arte Tabacalera en Madrid.

 

 

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Dibujos de Rosario Weiss (1814-1843), Biblioteca Nacional, Madrid. Del 31 de enero hasta el 22 de abril.

Esta exposición presenta más de un centenar de dibujos de Rosario Weiss Zorrilla (Madrid, 1814-1843), así como algunas estampas y pinturas de la autora. Con este conjunto se quiere mostrar la obra de una dibujante excepcional, más conocida por su relación con Francisco de Goya (1746-1828) que por su condición de artista.

Rosario Weiss vivió con su madre, Leocadia Zorrilla, y Goya en la Quinta del Sordo entre 1820 y 1824, y desde el otoño de 1824 en Burdeos, donde la familia permaneció hasta su regreso a Madrid en 1833. Comenzó a dibujar gracias a los esbozos que el pintor aragonés hacía para que ella los copiara o completara hasta que, hacia 1825, entró en la escuela pública de dibujo que Pierre Lacour (1778-1859) dirigía en Burdeos, donde recibió instrucción académica. Su formación francesa atemperó la expresividad de sus primeros pasos junto a Goya, dirigiéndolos hacia el trazo preciso, limpio y ordenado que entonces predominaba en Francia, a la manera de Ingres.

En Madrid, Rosario Weiss adaptó su estilo al romanticismo hispano con éxito y desarrolló una breve pero intensa carrera profesional. Compaginó la copia de pinturas de grandes maestros, muy demandadas entonces, con la realización de retratos a lápiz de escritores y personajes de la burguesía liberal, en su mayoría socios como ella del Liceo Artístico y Literario. También dibujó del natural apuntes de plantas y árboles, además de paisajes idealizados con castillos, lagos o ruinas. Fue una excelente litógrafa, técnica que aprendió durante su etapa en Burdeos y que siguió practicando en Madrid.
Weiss fue una de las pocas mujeres que ingresó, como académica de mérito por la pintura de historia, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. El 18 de enero de 1842 alcanzó su máximo reconocimiento cuando la designaron para el cargo de maestra de dibujo de Isabel II y de su hermana la infanta Luisa Fernanda, que desempeñó durante muy poco tiempo, pues murió de cólera el 31 de julio de 1843.
Esta exposición reúne obras de la Biblioteca Nacional, del Museo Lázaro Galdiano, de la Bibliothèque de Bordeaux, del Museo del Prado, del Museo del Romanticismo y de colecciones privadas, junto a piezas de otros museos e instituciones públicas españolas.

Comisario: Carlos Sánchez Díez

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Soledad Sevilla. Espacios de la mirada. CEART, Fuenlabrada, Madrid. Del 1 de febrero al 15 de abril de 2018.

El Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada presenta en el mes de febrero una exposición individual de Soledad Sevilla, (Valencia, 1944), una de las artistas más particulares e interesantes de la escena artística española.

La exposición “Espacios de la Mirada” muestra, a través de una importante selección de sus series pictóricas desde los años setenta hasta la actualidad, cómo su trabajo es, no sólo una reflexión sobre la pintura, sino principalmente la representación del espacio y la luz a lo largo de toda su trayectoria artística.

Paralelamente a estas series Soledad Sevilla entra de lleno en el mundo de la instalación,  un mundo de trabajos perecederos donde se impone lo sutil y que sólo aspiran a pervivir en el recuerdo. En esta ocasión se presentará la instalación “El tiempo vuela” de 1998.

Comisaria: María Corral.

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María Xosé Domínguez, Pegadas dun compromiso, Sala de Exposicións Pazo de San Marcos, Lugo. Del 1 de febrero al 1 de abril.

Na obra, por medio de fotografías pertencentes ao arquivo familiar da artista, agáchase unha crítica social, que cuestiona o que realmente implica o casamento, abordado desde unha perspectiva feminista, que nos convida a cuestionarnos quen somos?

O que Busco con “Pegadas dun compromiso” é unha crítica, cuestionar o que implica o casamento, abordando o tema desde un punto de vista feminista. Unha crítica que traslado á peza a través das imaxes e dos textos que se proxectan no chan, que convidan o espectador e ao min mesma a preguntarnos Quen somos? As mulleres que aparecen nas fotografías pertencen á miña propia familia, unhas estampas que forman parte do arquivo familiar nas que se representan mulleres que viviron diferentes realidades e cuxas imaxes nos expoñen a súa propia realidade individual e intransferible no momento do casamento.

María Xosé Domínguez

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Unha mirada de antano. Fotografías de Ruth Matilda Anderson en Galicia, Café Moderno Afundación Pontevedra, Pontevedra. Del 2 de febrero al 21 de abril de 2018.

Una soleada mañana de agosto del año 1924 desembarcaba en el puerto de Vigo, junto a su padre, la fotógrafa investigadora de la Hispanic Society de Nueva York Ruth Matilda Anderson. En este preciso momento comenzaba a tomar forma una aventura cuidadosamente diseñada.

Archer Milton Huntington fundara en 1904 The Hispanic Society of America, museo, biblioteca pública e institución educativa dedicada al arte y a la cultura del mundo hispánico. Huntington determinó que su museo incluiría un archivo fotográfico, considerando la, en aquel momento, incipiente tecnología como herramienta de trabajo para la investigación. Con este objetivo adquirió imágenes y promovió expediciones. Ninguno de los fotógrafos que envió a la península ibérica obtuvo mejores resultados que Ruth M. Anderson. Ella realizó en Galicia dos extensas campañas fotográficas, de 1924 a 1926, acompañada en la segunda por su colega Frances Spalding, que definieron la metodología fotográfica de la Hispanic Society.

El trabajo de la joven Anderson, dirigido por Huntington, se convirtió en la busca y recopilación de evidencias de las costumbres del pueblo gallego, dedicándose al que resultaba más difícil: documentar la vida de las gentes, en especial de las zonas de complicado acceso. Hasta entonces, ni las actividades de la población trabajadora del campo y del mar ni la cultura material de Galicia habían sido objeto de principal atención para la fotografía de modo tan exhaustivo.

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Inés García. Winterreise. Bilboarte, Bilbao. Del 2 de febrero al 2 de marzo de 2018.

En 1828 Franz Schubert compuso Winterreise, un conjunto de 24 canciones para piano y voz que relatan, sin una línea argumental definida, el paseo de un caminante a través de un paisaje invernal, tras conocer que su amada le ha rechazado.

Es una obra de estilo romántico, donde la letra describe el paisaje y los sentimientos desesperados del caminante, pero el conjunto de la obra va más allá y se convierte en una pieza de marcado carácter existencialista donde el paisaje exterior se transforma en mundo interior. Un mundo interior que representa un estado mental y psicológico reflejo de un período de crisis de conciencia, a nivel social y cultural.

Winterreise es una re-lectura del famoso Lied del compositor austriaco, desde un ángulo temporal diferente, pero con las mismas derivas existenciales hacia la esencia o la nada.

Inés García. Se licencia en Bellas Artes por la Facultad de Barcelona y durante sus estudios recibe una beca de un año en Bali. Al finalizar su carrera, decide ir completando su formación participando en talleres impartidos por Abbas Kiarostami, Víctor Erice, Gabriel Orozco y Wilfredo Prieto.

A nivel nacional, ha participado en varias exposiciones en Barcelona, Madrid (Espacio Trapezio y Matadero) y Bilbao (Bilbao Arte, Espacio Abisal y en la Sala Rekalde), sus vídeos han sido proyectados en el CA2M, en La Conservera de Murcia, en el LOOP, y en el SCREEN Festival en Barcelona entre otros.

Internacionalmente sus piezas audiovisuales se han podido ver en diversos festivales como el Festival de Videoarte Latino de Nueva York, en el Festival de Cine de Teherán y el FIVA en Buenos Aires, y en otras ciudades como Berlín, Atenas, París, Montréal y Nottingham. En los últimos años ha mostrado su trabajo en Les Rencontres Internationales París/Berlín/Madrid, en Tabakalera y en el Instituo Cervantes de Lisboa.

En este pasado 2017 ha sido seleccionada por segundo año en la X Edición del Premio de Videoarte de Astillero y ha sido becada por la Fundación BilbaoArte para desarrollar el proyecto Winterreise.

 

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Paula Valero, Elogio de la procrastinación. En construcción, Centre del Carmen, Valencia. Inauguración 2 de febrero de 2018.

La procrastinación es un concepto utilizado actualmente que se resume en el modismo: “deja para mañana lo que puedas hacer hoy”, y que en nuestros días  corresponde a la imagen del agotamiento común frente a la aceleración y precarización de nuestras existencias, colapsadas por una cantidad de trabajo y obligaciones que no llegamos a desempeñar en su totalidad.

Elogiar la procrastinación tiene por objetivo valorarla como gesto de desobediencia a la colonización de la vida por la producción. Al no hacer todo lo que se supone que tenemos que hacer  se plantea una revuelta contra el tiempo del trabajo, una afirmación de libertad absoluta y una relación positiva y de confianza con la vida en un sentido de continuidad que contrasta con el actual sentido de un no-futuro que nos gobierna.

Este Elogio de la procrastinación funciona como dispositivo que se inscribe en la forma de hacer de Paula Valero, mediante un carácter procesual, performativo y una reflexión compartida. Se compone de una exposición con piezas realizadas ex profeso para el proyecto y con un programa de intervenciones artísticas junto con las proposiciones de otros invitados e invitadas.

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Traficadas. Viaje a la esclavitud, Casa de Cultura Okendo, San Sebastián. Del 2 de febrero al 16 de marzo de 2018.
Llega a Donosti la exposición itinerante Traficadas.
Traficadas reúne la obra de 42 mujeres artistas que utilizan un amplio abanico en las disciplinas
de las artes plásticas y audiovisuales, un trabajo de denuncia y reflexión sobre esta nueva forma
de esclavitud y comercio ilegal de personas, centrado no sólo en las consecuencias de la trata,
sino también en las causas y en la forma de erradicarla. Ya que en el actual contexto socioeconómico y cultural, el tráfico de personas constituye uno de los negocios más lucrativos del mundo. Se trata de un problema de escala global. Como negocio transnacional ha superado al tráfico de drogas y mueve en torno a 7.000 millones de dólares al año. Afecta especialmente a mujeres y niñas de cualquier procedencia, que son condenadas a comerciar con sus vidas para la prostitución, explotación o esclavitud. Aunque la forma más frecuente de la trata de personas tiene como fin la explotación sexual (99,7%), el tráfico de personas se extiende a otras esclavitudes como el trabajo forzoso, la servidumbre doméstica, la mendicidad infantil o la extracción de órganos.
Traficadas es una exposición del colectivo AIMA EmPoderArte, asociación sin ánimo de lucro que desde 2014 realiza exposiciones dando visibilidad a las mujeres dentro del mundo del arte y trabaja contra toda violencia y en especial la perpetrada hacia las mujeres.
EnPoderArte con esta exposición, a través de fotografías, video, pintura, escultura etc., pretende denunciar y reflexionar sobre las distintas humillaciones y violencias a las que son sometidas las mujeres traficadas: el engaño, la amenaza, la violación, la humillación, la ausencia de libertad. Sobre sus consecuencias, pero también sobre sus causas, ayudando así a formular propuestas para su erradicación.
Artistas: Amalfy Fuenmayor; Ana María Vacas; Asunción Bau; Beatriz Velardiez; Cristina Gutierrez; Ela Rabasco; Erica Landfors; Helena Revuelta; Jean Ormaza; Josefina Cabrera Piris; Luz Velasco; Margarita Algora; María García del Salto; María Jesús Aragoneses; Marián M. Cañizares; Mariví Ibarrola; Martmina; Miren Atxaga; Mónika Rühle; Montse Rodríguez Herrero; Myriam de Miguel; Patricia Fridman; Paz Barreiro; Pepa Santamaría; Pilar V. Foronda; Prado Toro; Rosa Gallego del Peso; Rosa Virgili Abelló; Sandra Parra; Sara Beiztegi; Silvia Martínez Cano; Soledad García Durán; Susana García Ungo; Susana Ribuffo; Viriviana Duncan. Y las artistas invitadas Ana Morgade; Esther Galarza; Eva Irazoki; Lucie Geffré, Maitena Salinas; Martina Dasnoy y Señora Milton.
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A partir de fragmentos dispersos. Susana Velasco. Montaje 8119 (img Manuel Prados)

Susana Velasco. A partir de fragmentos diversos, Museo Etnográfico de Castilla y León, Zamora,. Del 6 de febrero hasta el 10 de junio de 2018.

En este proyecto, la arquitecta Susana Velasco trata de mostrar cómo la arquitectura ocupa una zona intermedia donde lo vivo, los lugares, los cuerpos, los paisajes y objetos trazan alianzas e intercambios, pues nos hallamos entrelazados. A partir de una serie de viajes por los valles y pueblos del noroeste de la Comunidad de Castilla y León la artista fue recogiendo formas de arquitectura tradicional, elementos rituales y artefactos campesinos que pusieran de manifiesto de qué modos los cuerpos se han vinculado al paisaje que habitan. Acudió también a conocer los concejos abiertos, y participó en algunas de las festividades de invierno, como los zafarrones de Riello y los caretos en Villalfeide.

Esta exposición, comisariada por Kristine Guzmán y mostrada previamente en el MUSAC de León, presenta una arquitectura formada por una reunión de pequeños espacios habitables, donde piezas ya existentes como un antiguo telar, se ensamblan con otras partes, con el fin de reformular ciertas formas y gestos de las artes tradicionales. Se ha trabajado con materiales orgánicos como la masa de pan, la cera de abeja o las tripas hinchadas de los animales, que tienen la capacidad de sintetizar un territorio y ponerlo al alcance de nuestras manos. La constelación de formas recoge también el eco defilandones, donde se tejía e hilaba colectivamente la lana; y de concejos abiertos, mediante los cuáles las comunidades se auto-organizaban.

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Cristina García Rodero. Tierra de sueños, Caixaforum Palma de Mallorca. Desde el 7 de febrero al 13 de mayo de 2018.

“Tierra de sueños” muestra sin complejos la singularidad y asimetría del mundo rural en la India, con especial atención al rol que ocupan las mujeres. Cristina García Rodero (Puertollano, 1949) ha sido la primera española en trabajar para la prestigiosa agencia fotoperiodística Magnum. Ha sido premiada con el World Press Photo 1993, el Premio Nacional de Fotografía 1996, el Fotopres “la Caixa” 1997, el PhotoEspaña 2000 y 2017, el Godó de Fotoperiodismo 2000, y las medallas de oro al Mérito de las Bellas Artes 2005 y de Castilla-La Mancha 2016.

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Shadi Ghadirian

Shadi Ghadirian, Como todos los días, Centre del Carme Cultura Contemporánea, CCCC, Valencia. del 8 de febrero a 1 de abril de 2018.

El Centre del Carme Cultura Contemporánea (CCCC) y Contemporánea presentan la exposición retrospectiva “Com tots els dies” (Como todos los días) de la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian; muestra comisariada por Mario Martín Pareja y formada por medio centenar de fotografías y una videoinstalación que explora las series más controvertidas de esta artista sobre la mujer iraní y que mezclan tradición y modernidad.

A través de las contradicciones en la vida cotidiana, la fotógrafa iraní Shadi Ghadirian se basa en su entorno y cultura, y en su condición de mujer para crear la obra. Nacida en 1974 en Teherán, en la República Islámica del Irán, Ghadirian “cae en fotografiar a la mujer” después de completar una licenciatura en la Universidad de Azad.

Gharidian se ha ganado al público internacional por sus imágenes innovadoras que representan a las mujeres iraníes en marcado contraste con la forma en la que la mayoría de medios de comunicación occidentales las retrata, lo cual es lo que más sorprende al espectador. Alejada de ese concepto de retrato occidental, Ghadirian representa a la mujer iraní en todos sus aspectos, iluminando con el color zonas de un mundo que de otra manera se antojaría oscuro y usando el humor para derribar tabúes. Gracias a su habilidad artística, lograr enviar un mensaje sutil y poderoso focalizado en los aspectos sociales e históricos de su propio país, pero con un eco mucho más allá de sus fronteras.

 

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Raquel Paiewonsky, CAAM Sala San Antonio Abad, Las Palmas. Desde 8 de febrero hasta 17 de junio de 2018.

En la Sala San Antonio Abad-CAAM la programación arranca a comienzos de febrero con la muestra dedicada a la artista dominicana de amplia trayectoria internacional Raquel Paiewonsky, comisariada por el especialista cubano José Manuel Noceda.

El trabajo de Paiewonsky se inscribe en torno al cuerpo, principalmente el femenino, como contenedor de experiencias, y el impacto que genera en él lo que ella denomina como las construcciones culturales y los estereotipos.

Raquel Paiewonsky está considerada actualmente entre las artistas destacadas de la República Dominicana y de la región caribeña. Nace en Puerto Plata, y vive y trabaja en Santo Domingo. Entre 1991-2001 vive en Nueva York, donde realiza sus estudios de arte y comienza a trabajar la pintura, escultura, instalación y fotografía, en muchos casos combinando más de uno de estos medios.

Su obra ha sido exhibida en su país y ciudades como Ciudad de México, Lima, Miami, Buenos Aires, París, Martinica, Zúrich o Nueva York.  Ha participado en las bienales de Venecia, La Habana, y en la Bienal de Cuenca, Ecuador, así como en la III Bienal del fin del mundo en Ushuaia, Argentina.

Desde el 2008 forma parte el colectivo Quintapata, junto a Belkis Ramírez, Pascal Meccariello y Jorge Pineda, con la intención de crear proyectos conjuntos que fomenten el arte y el diálogo artístico en República Dominicana y que creen lazos con otros contextos y espacios.

Ha obtenido el Gran Premio Eduardo León en 2006, 2008 y 2012, y recibido premios en las ediciones XX y XXII de la Bienal Nacional de Artes Visuales de Santo Domingo. Su obra es parte de la colección Daros-Latinoamérica, Zürich, Suiza; The RISD Museum, Rhode Island; Museo de Arte Moderno, Santo Domingo, República Dominicana; Museo de Arte Latino Americano, Long Beach, California; Centro León, Santiago, República Dominicana; Centro Cultural de España Santo Domingo CCESD;  Dirección General de Aduanas, RD y varias colecciones privadas.

 

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Lubricán. Julia Spínola, CA2M, Móstoles, Madrid. Del 9 de febrero al 27 de mayo de 2018.

El trabajo de Julia Spínola (Madrid, 1979) invita a revisar algunas de las certezas, las reglas y normas, que regulan el campo de la experiencia. A través de una práctica en la que palabra y la materia entran en contacto e intercambian posiciones, la artista despliega un catálogo de obras en las que son constantes las referencias a lo performativo y al texto.

Si se tratase de una forma de escritura —como los trazos en un cuaderno de apuntes— su trabajo carecería de una gramática preestablecida, generando una sensación de desbordamiento en la que resulta inseparables lo sensible y las ideas, y cuyos procesos implican la imposición de patrones y ritmos inesperados al cuerpo y a sus rutinas. Desplazamientos, derivas y tránsitos de ida y vuelta, durante los cuales la artista indaga acerca de las relaciones que se establecen entre el gesto y la imagen en movimiento. De este modo funcionan piezas como Frase (objeto). BOCA (2013), una cadena de objetos conectados por un rastro de café derramado sobre el pavimento de una calle en Madrid ; o Uno zurdo y uno diestro, y uno zurdo y uno diestro (2014), ejecutada a partir del recorrido que separa el estudio de la artista de su casa.

Lubricán, el título de esta muestra, define el momento en el que se produce la transición del día a la noche y de la noche al día; un instante de cambio que señala la naturaleza inquieta de toda imagen, su transformación nerviosa. Como en un escenario en el que se suceden correspondencias entre distintos lugares y tiempos, la muestra sitúa al espectador en ese lapso en el que al comenzar la noche las formas pierden su nitidez, se desdibujan. Haciendo uso de la palabras de Spínola, Lubricán es una exposición de exterior: “Literalmente, es que se te haga de noche fuera de casa, en la calle (…)”.

La muestra agrupa obras realizadas a lo largo de su trayectoria como las ya referidas Frase. (objeto). BOCA, 2013; Figuras, 2013; y Uno zurdo y uno diestro, y uno zurdo y uno diestro, 2014; que adquieren nuevos contenidos por las operaciones de resignificación que la artista pone en marcha en esta presentación, junto a piezas producidas de manera específica para el proyecto.

Esta es la primera exposición individual dedicada a la obra la artista en una institución española. Su trabajo ha sido sido expuesto en Scan Project Room, Londres (2017); etHall, Barcelona (2017); Halfhouse, Barcelona (2016); Kunsthalle Sao Paulo, Sao Paulo (2015); La Panera, Lleida (2015); Komplot, Bruselas(2015); La Casa Encendida, Madrid, (2014); Heinrich Ehrhardt, Madrid (2014) y The Mews, Londres (2013). La obra de Spínola forma parte de las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Madrid; Fundación Marcelino Botín, Santander; Colección de Arte Comunidad de Madrid/CA2M; La Panera, Lleida; y Fundación Montenmedio/La Casa Encendida, Madrid.

Comisaria: Beatriz Herráez.

 

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Reinterpretada IV. Archivo 113. Alicia Martín, Museo Lázaro Galdiano, Madrid. Del 9 de febrero al 6 de mayo de 2018.

Archivo 113 es el del Expediente asignado por la Comisaría General del Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional (SDPAN), abierto en julio de 1939, a los bienes que formaban la Colección artística de José Lázaro Galdiano (Beire, Navarra, 1862 –Madrid, 1947). Al inicio de la Guerra Civil español
a la Colección Lázaro, como otras muchas, fue expropiada por la Junta de Incautación y Protección del Patrimonio Artístico y depositada para su conservación, en nombre del Estado, en diversas instituciones como el Museo Arqueológico Nacional, el Museo de Arte Moderno, el frontón Jai-Alai o la Biblioteca Nacional, donde se recogió y guardó la importante colección de manuscritos, impresos y libros reunidos por Lázaro. Este Expediente, custodiado actualmente en el Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), contiene la mayoría de las actas de devolución de las obras que en esos momentos formaban la Colección Lázaro y constituye el contexto elegido por Alicia Martín para esta edición de Reinterpretada. Las piezas seleccionadas en esta ocasión, al igual que el resto de la Colección, han sido testigo de muchos acontecimientos, han sido elegidas por un coleccionista y, con el transcurso del tiempo, se han convertido en patrimonio de todos, convirtiéndose cada una de ellas en una obra de museo sometida a las normas museológicas y museográficas.
La documentación de este Expediente es para la artista madrileña una pieza más de la Colección Lázaro. Esta relación de objetos de diversas materias artísticas, esta acumulación de información, de datos, de referencias fotográficas, la pone en paralelo con la Colección de colecciones que constituye el museo. Según Alicia, reinterpretar esta Colección es un ejercicio individual, semejante al de subrayar; hay que elegir y optar por unas cuantas piezas con las que te identificas.
Los libros y Alicia Martín –este binomio no podía faltar en Archivo 113– se necesitan, se equilibran. Los libros, vehículos de cultura, cobran una nueva vida en sus esculturas, son una prolongación de la propia artista y abandonan sus contenidos para convertirse en objetos plásticos que inundan los espacios del museo y el jardín. “Una invasión espacial y visual que incita a la reflexión y perdurará en la memoria”, sugiere la comisaria de la muestra. Además, en esta ocasión también es un homenaje al apasionado bibliófilo y editor que fue José Lázaro.
La artista presentará también dos esculturas esféricas en cuya creación se han empleado más de dos millares de libros donados por los ciudadanos y diversas instituciones públicas y privadas, entre ellas más de una treintena de Bibliotecas madrileñas.
La identidad, abordada en la serie de collages Retrato de artista, es otro de los ejes de Archivo 113. Realizados a partir de catálogos de colecciones de arte contemporáneo plegados a golpes sobre sí mismos, atornillados, formando un volumen único y compacto que retratan la identidad no individual, sino colectiva, constituyen un retrato de retratos que compartirán espacio con la estupenda galería de los
reunidos por José Lázaro.
La muestra se completa con Monólogos, una serie de fotografías donde unas manos desgarran un libro, una metáfora de la adicción actual por las imágenes en detrimento de la cultura escrita.

Comisaria: Carmen Espinosa

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Condición Femenina. Mavi Escamilla, Museo Fundación Antonio Pérez Y Museo de Obra Gráfica de San Clemente, Cuenca. Del 9 de febrero al 29 de abril de 2018.

Bajo un mismo título, Condición Femenina está dividida en tres partes, Amor, Arte y Sexo, que coinciden con tres espacios expositivos diferentes. Amor, es una selección de obras relativas a su producción desde el año 2000 hasta 2006, aunque también hay piezas de 1990, correspondientes a la parte más colorista y amable de su obra y se podrá ver en las salas temporales de la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. Arte, estará ubicada en la antigua capilla de la FAP, espacio dedicado hace años también a exposiciones temporales, y rememorará la muestra Yo no soy Esa, que se pudo ver en 2014 en la Galería Rosa Santos de Valencia. Arte, nos habla de cómo el papel de la mujer en la historia del arte siempre ha respondido a unos cánones  establecidos, cánones que Mavi cambiará, haciendo uso de una máscara detrás de la que se esconde su propia imagen. Y por último, Sexo, forma parte de la exposición que en 2015, se pudo ver bajo el título de Mundo B en la Sala Martínez Guerricabeitia de la Universitat de València y que ahora se podrá disfrutar en el Museo de Obra Gráfica de San Clemente.

Condición femenina, en palabras de la propia artista, “nos describe la posición de las mujeres en la organización social (hogar y familia, trabajo, política, instituciones sociales). Bajo el pensamiento de que a las mujeres se nos adjudican roles en función de las necesidades de la sociedad patriarcal en la que vivimos, en inferioridad de condiciones, hablo a través de mis obras, del amor romántico, de la sumisión al modelo masculino que es el dado por bueno, la ocultación de la existencia de las mujeres en la historia y la cosificación que nos convierte en objetos sexuales. Las imágenes de estas obras provienen del cine, de la pintura, símbolos cotidianos de la publicidad y sobre todo de mi amor a la representación y a las imágenes que la sociedad vierte sobre nosotros de una forma inofensiva, aparentemente”.

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Seis creadoras

Seis creadoras en la colección, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 9 de febrero al 24 de abril de 2018.

La muestra reúne una selección de obras de seis artistas de referencia dentro del panorama artístico contemporáneo español desde la década de los años 70 hasta la actualidad: Elena Asins, Rosa Brun, Ángela de la Cruz, Cristina Iglesias, Elena del Rivero y Soledad Sevilla. A todas ellas les une el empleo del lenguaje abstracto, en el caso de Asins, Brun y Sevilla aplicado a la pintura; Iglesias a la escultura, y una mezcla de ambas disciplinas en Ángela de la Cruz y Elena del Rivero.

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Fina Miralles. Paraules fèrtils 1972-2017, Museu d’Art, Sabadell. Del 14 de febrero al 29 de abril de 2018.

Exposición producida con motivo de la edición del archivo textual de la artista en cuatro volúmenes, publicados por la Fundación Ars con la colaboración del museo.

En 2015 las dos entidades inician la colaboración para el estudio, la investigación y la difusión de los escritos de Fina Miralles. Durante estos años se han transcrito todos los documents escritos por la artista que los ha depositado en el MAS y en la Fundació Ars. La historiadora Maia Creus ha realizado una lectura crítica basada en cuatro perspectivas que dan lugar a quatro miradas en torno a los textos y a la obra visual de Fina Miralles.

La exposición, comissariada también por Maia Creus, despliega el universo textual y visual de Fina Miralles con la presentación de la mayor parte del archivo de textos acompañados de una selección de documentos originales y de obras de la colección del museo, recreando el escenario de investigación que ha dado lugar a la edición de los textos de la artista.

Reúne los escritos originales de Fina Miralles que conservan tanto el museo como la Fundació Ars, así como cuaderns, una selección de obra sobre papel y pintura. Igualmente, muestra una selección de textos y escritos  elegidos por la artista. Palabra y trazo explican el universo creativo de Fina Miralles.

Además, se han organizado actividades con la colaboración de Estruch. Fàbrica de creació de les arts en viu, la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell, l’IES Vallès, la Associació de dansa contemporània de Sabadell, ESDI, el Master de investigación en educación de la Universitat Autònoma de Barcelona, la Facultat d’Història de l’Art de la Universitat de Barcelona y el Master en estudios de la diferencia sexual de DUODA.

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Paloma Navares, Museo Thyssen, Madrid. Del 15 de febrero al 22 de abril.

La exposición propone una relectura desde la perspectiva de género de un motivo iconográfico clásico en la historia del arte: la figura de Eva. Como afirma la artista Paloma Navares, “siempre la misma” a pesar de sus diversas personificaciones, a cargo de sucesivas autorías y estilos en la historia del arte, pilar fundamental para la consolidación del estereotipo femenino en la representación de la mujer de nuestra cultura visual.

Paloma Navares. El jardín de la memoria toma como objeto de reflexión obras pertenecientes a la Colección Thyssen, varias de ellas realizadas durante el prolongado estudio que Paloma Navares llevó a cabo durante años sobre cuadros muy destacados de los principales museos, a las que se añaden algunas piezas realizadas para esta exposición.

Ya en 1987, en una suerte de apropiacionismo, Paloma Navares (Burgos, 1942) inicia una serie de obras en torno a la representación femenina. Recordemos que ese mismo año apenas comienza a difundirse en nuestro país la historia del arte desde la perspectiva de género gracias a la “Introducción” de la Tesis doctoral realizada por Estrella de Diego en Estados Unidos, publicada como “La mujer y la pintura en el siglo XIX español”. Después, las Evas se multiplicarán y serán troceadas abundando en la crítica a su cosificación, como en la instalación En el umbral del sueño, 1993, incluida en este proyecto, donde encontramos un fragmento (vientre) de la Ninfa de la fuente de Lucas Cranach, perteneciente a la Colección Thyssen.

Comisaria: Rocío de la Villa

 

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Archivo desencajado, MACBA, Barcelona. Del 15 de febrero al 31 de julio de 2018.

El devenir de las disidencias sexuales forma parte de una historia difícil de agrupar, unificar y leer de forma organizada. Esta dificultad se ve agravada a al tratarse de una historia reciente, muy permeada por el relato anglosajón, donde se mezcla lo personal y lo colectivo a través de documentos, objetos y vivencias dispersas y silenciadas. Muchas veces estos materiales se encuentran literalmente en cajas, esperando ser recuperados u organizados por un gesto que, si bien no corresponde exactamente a una salida del armario, podría leerse como algo similar en el contexto de un museo.

La propuesta de este archivo precario es un ejercicio que pretende crear espacio para la memoria y la historia política a través de ciertos eventos y materiales que transitan por distintos temas y formatos: la salud y la despatologización, los manifiestos, la producción gráfica y visual, el sexilio y la cartografía de una geopolítica desencajada.

Exponer estas memorias que no encajan busca tender puentes con otras experiencias similares, como el ¿Archivo Queer? desarrollado en Madrid, o como una serie de recopilaciones que diversas personas y entidades autónomas realizan de forma espontánea con su propia experiencia vital.

Se trata de un ejercicio abierto e inacabado que, a partir de materiales presentes en varios centros de documentación públicos y privados de la ciudad de Barcelona, y de una serie de actividades paralelas, indaga en prácticas, discursos y sexualidades desencajadas, en algunas de las posibles formas de la disidencia sexual.

Coordinado por Lucía Egaña

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Itziar Barrio “BY ALL MEANS”, Azkuna Zentroa, Bilbao. Del 15 de febrero al 6 de mayo de 2018.

Esta exposición es la primera gran muestra que reúne sus proyectos de la última década.

Los seres humanos se relacionan entre sí empleando distintos métodos de intercambio y a través de todo tipo de medios: lenguaje, dinero, emociones, política, símbolos, familia, comunidad, geografía, tecnología y sexo (por citar solo algunos). Itziar Barrio explora estas y otras formas de desplazarnos por el mundo y de relacionamos con los demás, al tiempo que se centra en el factor común a todas ellas: el poder. El interés que Barrio muestra por la naturaleza de la negociación social se manifiesta en forma de performances en directo, películas, vídeos, fotografías, esculturas y técnicas aplicadas en extensas instalaciones.

Recurriendo a menudo a “scrips” previamente existentes para utilizarlos con sus propios fines, la artista teje complejas narrativas dramáticas y estéticas que sondean los límites del conocimiento compartido y alteran las expectativas inconscientes. Barrio cita tanto fuentes y objetos tan específicos y especializados como los experimentos de Stanley Milgram sobre obediencia, como otros lo suficientemente extendidos como para parecer prácticamente universales, como las sillas plegables diseñadas por IKEA. Recurre a personajes genéricos como “héroe”/”heroína”, “villano”, “marinero” y “carterista”, que transforma en personajes de carne y hueso provistos de corazón, alma y deseos imprevistos. La artista es principalmente conocida por sus complejas producciones de performance grabadas en directo, donde la espontaneidad del directo choca de frente con la ostensible predictibilidad de lo planeado y lo mediado. Barrio sugiere que todos somos actores en nuestras propias situaciones.

Comisariada por Johanna Burton

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Rosana Antolí, Visiones contemporáneas. DA2 Domus Artium, Salamanca. Del 15 de febrero al 27 de mayo de 2018.

Rosana Antolí, artista alicantina con base en Londres cuenta con una producción multidisciplinar que abarca, dibujo, pintura, escultura, vídeo, performance y media art, y se perfila como una de las artistas españolas con mayor proyección internacional. Trabaja en torno al loop, la repetición, interrelacionando la danza y la performance con la imagen. Se mueve en formatos híbridos, entre la coreografía y el dibujo. Ella misma define su obra como “pintura en movimiento” donde el espectador se hace partícipe y puede orbitar en torno a ella.

Rosana transita entre las acciones del día a día y las preguntas clave de la humanidad. Preguntas acerca de nuestra existencia y nuestros anhelos y preocupaciones. En su obra encontramos un equilibrio perfecto entre lo conceptual y la proximidad de lo emocional y sensorial. Rosana nos cuenta historias, se interesa por el relato pero no de una forma tradicional si no haciendo hincapié en los grupos, los comportamientos y en la sociedad como generadora de “comunidades del gesto” a través de los cuerpos.

El año pasado, fue premiada con la beca para jóvenes creadores, Generación 2017 de Fundación Monte Madrid, afianzándola como una de las mejores artistas visuales de la actualidad. En 2015 es galardonada con la beca Multiverso, concedida por el BBVA. Con un pie en Londres y el otro en el resto del mundo, Rosana Antolí ha trabajado en proyectos individuales y colectivos tanto en Inglaterra y España como en otros países (Argentina, Cuba, Colombia, México, Estados Unidos, Suiza, Holanda o Alemania). Actualmente está representada en España por la galería Espai Tactel de Valencia, con la cual expuso en la sección Opening de ARCOMadrid 2017.

El programa de Visiones Contemporáneas se centra en sus últimos trabajos en vídeo, divididos en cuatro performances audiovisuales más la película “Piri Reis: La continuación de un mito”. que ha supuesto un punto de inflexión en su carrera tanto por la temática tratada como por su formato y duración.

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Itziar Okariz, Tabakalera, Donostia/San Sebastián. Del 16 de febrero  al 3 de junio de 2018.

Su trabajo a menudo se ha caracterizado por la producción de acciones que cuestionan normativas en torno al lenguaje y la producción de los signos que nos definen como sujetos. Entre sus últimos proyectos individuales se encuentran; Caja Negra/Cubo Blanco, CA2M, Madrid, Keramikvonschaedler, Nendeln, Liechtenstein (2014); II. Secció Irregular, Mercat de les Flors, Barcelona (2013); Un número de acciones determinadas, MUSAC, León (2013); Uno, uno, dos, uno, Galería Carreras Mugica, Bilbao (2012); Irrintzi, repetición, La casa Galería, México DF, (2011); Contrarywise, performance en el Museo Picasso, Barcelona, (2010); Ghost Box, Sala Rekalde, Bilbao (2008); Curating the campus: To Pee in Public and private Spaces, The Singel, Amberes (2007); Talent, Vita Kuben, Umea, Suecia (2007) o Climbing Buildings, festival If I Can’t Dance… Utrecht (2007).

 

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Ala Younis, CAAC, Sevilla. Del 16 de febrero al 10 de junio de 2018.

Artista, comisaria e investigadora, la jordana Ala Younis retrata el proceso de modernización en algunos países árabes en los años 50 y 60, incluyendo su perspectiva feminista.

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CABALGA CABALGA CABALGA. Teresa Solar Abboud, Abierto x Obras, Matadero Madrid. Del 16 de febrero al 29 de julio  de 2018.

Teresa Solar presenta una gran cabalgata de formas escultóricas similares, de arcadas que varían en tamaño y simbología mostrando al espectador la geografía creativa de la artista, en constante modificación y fuga y que cuyo significado emerge no tanto de la individualidad de cada objeto sino de éste relacionado con el conjunto
Solar parte del museo de Anatomía Comparada de París en el que se exponen los esqueletos de centenares de animales vertebrados. Los esqueletos se disponen creando una gran masa que parece caminar hacia adelante, permitiendo una comparación morfológica de las especies, estableciendo relaciones de parentesco entre los diferentes sujetos y ofreciendo un relato evolutivo y de progreso. Solar mezcla el museo y su disposición razonada con el depósito de un parque de atracciones, fragmentario y accidental, para perfilar un paisaje vacilante que crece más como las ramificaciones caóticas de un arbusto que como las ramas definidas de un árbol genealógico.
La idea de tránsito y crecimiento es un tema recurrente dentro de las imágenes de Cabalga, cabalga, cabalga. La instalación está presidida por la gran diosa Nut, diosa de la noche en el Egipto faraónico, cuyo cuerpo representa el tránsito oculto del sol durante la noche cubriendo con su vientre el río del inframundo. Bajo este manto de oscuridad mitológica la artista nos invita a visitar un mundo nocturno en el que los animales marinos coexisten con caballos de feria, piraguas y dientes aportando cada cual una proporción, color, y textura diferente al arco reiterado, componiendo una gran familia léxica de formas hermanas.

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Jennifer Steinkamp, Naturaleza digital, Fundación Telefónica, Madrid. Del 23 de febrero al 22 de marzo 2018

‘Naturaleza digital’ presenta cinco vídeo instalaciones de la artista Jennifer Steinkamp (Denver, EEUU, 1958). Reconocida internacionalmente por sus trabajos realizados en vídeo y con nuevas tecnologías en los que transforma el espacio arquitectónico a través de animaciones digitales, Steinkamp plantea sus instalaciones como lugares para explorar e inspirar, entornos que activan la percepción y nos hacen reflexionar sobre temas diversos. Partiendo de elementos del mundo vegetal y a través del uso de herramientas de modelado 3D, la artista genera imágenes de árboles, tallos y flores y crea composiciones que proyecta sobre la sala diluyendo la arquitectura y animando sus muros. La instalación ‘Madame Curie’ (2011) se inspira en la célebre científica que recibió dos Premios Nobel por sus investigaciones pioneras en el campo de la radioactividad. Marie Curie fue además una apasionada de las plantas. A través de la renderización de más de cuarenta especies botánicas y de grandes proyecciones sincronizadas, esta obra de Steinkamp homenajea a una de las grandes figuras de la historia de la ciencia al mismo tiempo que nos hace reflexionar sobre los efectos que las explosiones y la energía atómica tienen sobre la naturaleza. En ‘Dervish’ (2004), varios árboles proyectados en alta definición agitan sus ramas hipnóticamente. Inspirados en la danza de los derviches y el trance que su giro provoca, el movimiento de estos árboles digitales nos habla del poder que la naturaleza ejerce sobre el ser humano. Completan la exposición ‘Judy Crook’ (2012-2017), una especie de vanitas contemporánea que recrea el rico colorido de las hojas de los árboles ante el paso de las estaciones, y ‘Garlands’ y ‘Bouquet’ (ambas de 2012), que proponen sugerentes paisajes artificiales donde la belleza de las flores se torna inquietante por efecto del movimiento.

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Rebecca Horn. Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 23 de marzo al 14 de octubre de 2018.

Rebecca Horn (Michelstadt, 1944), vive y trabaja en Berlín y París. Estudia en la Hochschule für bildende Künste de Hamburgo y en el Saint Martins College of Art de Londres. Después de vivir en Nueva York entre 1972 y 1981 regresa a Berlín, donde se dedica a la enseñanza desde 1989.

A raíz de una afección pulmonar contraída en 1968, Horn pasa por un largo período de convalecencia durante el cual adapta su trabajo y obra a su delicado estado: sustituye los materiales escultóricos por otros más ligeros, introduce elementos como las plumas de avestruz y la tela, convirtiéndolos en extensiones de partes de su cuerpo, como demuestra su primera obra Einhorn (Unicornio). Se inspira en la soledad, la fragilidad e incorpora sus «esculturas corporales» en sus performances, algunas de las cuales fueron recogidas en sus trabajos cinematográficos, medio en el cual trabaja desde 1970.

A partir de 1980 abandona progresivamente el cuerpo como objeto y sujeto de su obra en favor de esculturas mecanizadas creadas a partir de elementos cotidianos como cucharas, máquinas de escribir, maletas, martillos de metal, instrumentos musicales como el violín y el piano, todos ellos bajo un nuevo significado poético, cargados de sensualidad o incluso evocando cierta violencia o ansiedad. En esa misma década comienza a desarrollar instalaciones específicas en lugares con un importante pasado histórico y político. Las alusiones al sexo, el deseo, el misticismo o la literatura y a conceptos como lo intuitivo y lo científico, la corporeidad y la filosofía, están muy presentes desde sus inicios. Además de la introducción de la música con Hayden Chisholm como colaborador, su obra reciente plantea su búsqueda en poder captar la energía latente de la naturaleza y las personas haciéndolas visibles a través de los efectos de la luz, los espejos, paintingmachines (las máquinas de pintura), el collage, el dibujo y la poesía.

Ha sido galardonada en numerosas ocasiones: Documenta Preis, Kassel (1986), Carnegie Prize, Carnegie International, Pittsburgh (1988), Barnett and Annalee Newman Foundation Award, Nueva York (2004), Praemium Imperiale Prize de escultura, Japan Art Association, Japón (2010), y Grande Médaille des Arts Plastiques de la Académie d’Architecture de Paris (2011). Su prolífica trayectoria incluye exposiciones en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (1993), la Neue Nationalgalerie de Berlín y la Tate Gallery de Londres (ambas en 1994), la iglesia del Convento de Santo Domingo de Pollença, Mallorca (2003), Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, (2004), la Fundação Centro Cultural de Belém, Lisboa (2005), Martin-Gropius-Bau, Berlín (2006), o el Museum of Contemporary Art, Tokio (2009). Su obra forma parte de las colecciones de destacados museos como el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Irish Museum of Modern Art de Dublín, la Tate Collection de Londres, Los Angeles County Museum of Art y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona.

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Esther Ferrer. Espacios entrelazados, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 16 de marzo al 10 de junio de 2018.

Esther Ferrer (Donostia/San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o ∏, objetos, etc. Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.

A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas.

Esta exposición de prisma temático incluirá casi exclusivamente proyectos inéditos, nunca realizados en un espacio expositivo.

Comisaria: Petra Joos

 

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Beatriz González. Retrospectiva 1965-2017, MNCARS, Madrid. Del 22 de marzo al 2 de septiembre de 2018.

La obra de Beatriz González (Bucaramanga, 1938), considerada una de las figuras más influyentes de la escena artística colombiana, ocupa un lugar único dentro de la historia del arte latinoamericano, no solo como pionera del arte pop, sino también, y casi  sin proponérselo, como una incisiva y lúcida cronista de la historia reciente de Colombia. Partiendo de la cita anónima “el arte cuenta lo que la historia no puede contar”, que como nos explica la propia artista suele utilizar muy a menudo, la obra de González se articula en torno a la cuestión de la memoria. Pero no recurre a la memoria como una coartada nostálgica, todo lo contrario, su trabajo está estrechamente ligado al presente. Su obra se inspira en los medios de masas que pone en diálogo con las narrativas populares y la pintura formal; o se apropia de fotografías reproducidas en prensa para reinterpretarlas mediante el dibujo, la pintura, la gráfica y la escultura.

Además de su dilatada carrera artística, González ha desarrollado en paralelo una importante labor tanto curatorial como de índole teórica y pedagógica. A través de los proyectos expositivos y de investigación que ha impulsado en instituciones como el Museo Nacional de Colombia, la Biblioteca Luis Angel Arango o el Museo de Arte Moderno de Bogotá, donde fue nombraba a mediados de 1970 directora del departamento de educación, ha ejercido una notable influencia en un gran número de artistas, críticos y curadores colombianos, haciéndoles tomar conciencia de la necesidad de concebir el museo y la exposición como un espacio de transmisión de conocimiento (no como un mero lugar de exhibición), y de ver al público como un interlocutor activo con el que hay que establecer un dialogo lo más directo y abierto posible.

Esta muestra, comisariada por María Inés Rodríguez y coorganizada con el CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux y el KW Institute for Contemporary Art de Berlín, presenta una selección aproximada de 150 obras, que recogen los casi sesenta años de trayectoria de esta artista.

Entre las exposiciones más recientes de Beatriz González —además de su presencia en la pasada documenta 14, en 2017— se encuentran: Beatriz González. La Comedia y la tragedia. Retrospectiva 1948-2010, Museo de arte Moderno de Medellín (Medellín, 2011-2012); Empatía, Casas Riegner (Bogotá, 2012); Artevida, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Río de Janeiro, 2014); 8 Bienal de Berlín (Berlín, 2014); Transmissions: Art in Eastern Europe and Latin America, 1960-1980, MoMA (Nueva York, 2015); The World Goes Pop, Tate Modern (Londres, 2015); Todo sobre la mesa, Casas Riegner (Bogotá, 2015); Lo Museu que va a venir (The Coming Museum), Fórum Eugénio de Almeida (Évora, 2015) y El segundo original, Museo La Tertulia (Cali, 2016).

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La bailarina del futuro. De Isadora Duncan a Josephine Baker, Espacio Fundación Telefónica, Madrid. Del 23 de marzo al 24  de junio de 2018.
Esta exposición tiene como eje la figura de Isadora Duncan, quien apostó por la liberación del cuerpo femenino gracias a una visión de la danza que se enfrentaba a las convenciones sociales y los rígidos cánones del ballet romántico.
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Dora García. Segunda vez, MNCARS, Madrid. Del 18 de abril al 3 de septiembre de 2018.

La exposición de la artista Dora García (Valladolid, 1965) propone un recorrido abierto por un número significativo de sus trabajos de formatos y medios diversos —film, performance, texto y dibujo—, incidiendo en algunas de las constantes que marcan su trayectoria. La muestra bosqueja la compleja red de referentes intelectuales —desde los literarios hasta los marginales o heterodoxos— de los que se nutre  su práctica que transita la ficción, la performance y esa “ilusión de la psique humana” que lo produce todo, como apunta García.

Segunda Vez toma su título del relato homónimo de Julio Cortázar, escrito en 1974, que narra el clima de psicosis e incertidumbre provocado por el drama de los desaparecidos en Argentina. Segunda Vez es también el nombre del proyecto más reciente de García que gira en torno a la figura de Oscar Masotta, contemporáneo de Cortázar y teórico clave de la vanguardia argentina desde los años cincuenta a los setenta, cuyas ideas sobre la construcción del acontecimiento y de la audiencia han dado pie a cuatro cortometrajes y una película de esta artista.

Con motivo de la muestra, Dora García ha concebido un proyecto específico para la Sala de Bóvedas del Museo: una instalación de sonido y objetos desarrollada con su colaborador habitual, el músico Jan Mech, y basada en el cuento de Franz Kafka Las preocupaciones de un padre de familia, publicado en 1919.  El nuevo proyecto alude a seres misteriosos que, como el personaje Odradek del cuento de Kafka, habitan bajo las escaleras, en los sótanos, y seguirán allí cuando nosotros no estemos ya.

 

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A Contratiempo. Medio siglo de artistas valencianas (1929-1979), IVAM, Valencia. Del 26 de abril al 2 de septiembre.

La exposición recrea el lento y espinoso camino que las artistas valencianas tuvieron que recorrer para conquistar su visibilidad y profesionalización desde el final de la dictadura de Primo de Rivera y la Segunda República –momento de verdadera emergencia de las mujeres en la vida pública–, pasando por el franquismo –periodo en el que este proceso sufrió un parón– hasta la década de los años ochenta –cuando su integración y posicionamiento experimentó una fuerte consolidación.

Dos artistas marcan el inicio y el fin de este trayecto. Por una parte, Manuela Ballester publica en 1929 una portada en Blanco y Negro que puede entenderse como un símbolo de rebeldía contra el academicismo reinante en Valencia; disputa que continuará de forma contundente durante la República en unos trabajos escasamente vistos. Por otra, Carmen Calvo expone en 1980 en el Guggenheim de Nueva York en la muestra New Images from Spain en un momento de transición que, institucional y políticamente, rompía con el conservadurismo patriarcal.

En este paréntesis cronológico se aprecia el compromiso político y social de las artistas representadas en A contratiempo que, de manera más o menos explícita, supuso una doble militancia: la que atañía a la situación política que les tocó vivir y la que correspondía al hecho de ser mujeres en una sociedad que las discriminaba y trataba como ciudadanas de segunda clase. La muestra reúne obras de artistas como Amparo Segarra, Jacinta Gil, Juana Francés, Ana Peters, Monika Buch, Isabel Oliver, Ángela García Codoñer, Cristina Grau, Victoria Civera, Soledad Sevilla o Cecilia Bartolomé.

Comisarias: Isabel Tejeda y Mª Jesús Folch.

 

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Isabel Muñoz. La antropología de los sentimientos, Tabacalera “La Principal”, Madrid. Del 27 de abril al 17 de junio 2018.
Retrospectiva dedicada a la fotógrafa, ganadora del Premio Nacional de Fotografía 2016. Comisariada por François Cheval (Director del Museo Nicéphore Niepce) y Audrey Hoareau, presenta una selección de más de cien fotografías y varias instalaciones audiovisuales de las series fotográficas más representativas de su producción actual, muchas de las cuales no se han mostrado todavía al público, construyendo un recorrido temático en torno a la representación obsesiva y heterogénea del cuerpo humano, desde los mismos orígenes de la humanidad, la espiritualidad, la locura, los límites y extremos del cuerpo, la dimensión social de lo corporal y, finalmente, la sexualidad y el deseo.

 

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Lea Lublin, CAAC, Sevilla. Del 27 de abril al 16 de septiembre de 2018.

Lea Lublin, nacida en Polonia en 1929 vivió en Argentina y Francia. La exposición expolora una autora atraída por el psicoanálisis y por Marcel Duchamp. Vio en el arte un vehículo para interrogarse sobre la sociedad en la que vivía, como ocurre con la serie Cuestiones que flotan en el aire, con la que ocupó las calles de París con pancartas que avivaban un debate sobre la situación de la mujer.

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Primera exposición individual en España de la artista iraní Nairy Baghramian (Isfahán, 1971). Se trata de un proyecto específico para el Palacio de Cristal del Retiro, en el que generará una reflexión sobre la inestabilidad de los materiales, el interior y el exterior, lo público y lo privado.

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Melanie Smith, MACBA, Barcelona. Del 18 de mayo al 7 de octubre de 2018

El MACBA presenta Melanie Smith, la más amplia exposición institucional realizada en Europa del trabajo de la artista, que abarca todos los medios en los que se expresa, desde sus primeras esculturas, ensamblajes, relieves y pinturas hasta sus obras en vídeo, fotografía e instalaciones. Smith nació en el Reino Unido en 1965, pero ha desarrollado su carrera en el contexto de la escena artística mexicana de los noventa. Instalada en Ciudad de México desde 1989, Smith representó a México en la Bienal de Venecia de 2011. Llegó a México procedente de las contradicciones de la Inglaterra de Thatcher, caracterizada por el desmantelamiento del pasado industrial y por la transformación en una economía de servicios cuya expansión inicial terminó en recesión. En México fue testigo de la estratificación de la modernización capitalista, de la modernidad fallida y el empobrecimiento derivado del hiperconsumismo, de sistemas más tradicionales de manufactura y una economía informal. El contraste entre su país de origen y el de adopción informa sutilmente su obra.

Desde los años ochenta, Smith ha abordado temas interrelacionados que abarcan los efectos y detritos de la industrialización, la economía y la estética de la abstracción, la urbanización, el colonialismo y, más recientemente, la naturaleza y la entropía. En su obra, los mercadillos atestados de baratijas de plástico de Ciudad de México se convierten en testimonios del dominio de las economías neoliberales, pero también de la existencia de mercados y sistemas de circulación alternativos. Por otra parte, constituyen la base de una investigación sobre la abstracción ―el monocromo― en relación con la ciudad, la vanguardia, el modernismo, el indigenismo y distintas formas de nacionalismo. En última instancia, Smith lleva a cabo un trabajo de arqueología del modernismo y la modernidad.

La exposición presenta importantes corpus de la obra de Smith que ponen de manifiesto el desarrollo de su trabajo. Aunque la muestra no se organiza cronológicamente, incluye algunas piezas clave de sus inicios como Spiral City (2002) y Farce and Artifice 2004. Spiral City es una película acompañada de series fotográficas y pinturas de la ciudad de México, inspirada en la gigantesca escultura de land art y la película de Robert Smithson Spiral Jetty. Si la película de Smithson sigue el movimiento del artista hacia el centro de la espiral, Spiral City representa el contrapunto de la retícula de Ciudad de México, filmada desde el aire dibujando una espiral cada vez más amplia. La película muestra una ciudad víctima de la erosión, en la que las construcciones se superponen y se derrumban, una inquietante cartografía del futuro. Juntos componen un documento de una expansión urbana aparentemente ilimitada, donde la contemplación abstracta de la masa es inseparable de su experiencia social. En la exposición estos trabajos se mostrarán junto a obras tardías como Fordlandia 2014 que explora los límites de la inmensidad en la naturaleza en la Amazonia brasileña.

Xilitla (2010) ―llamada como un pueblo de México en el que se encuentra un jardín creado por el excéntrico aristócrata británico Edward James (1907–1984), importante coleccionista de arte surrealista― examina el legado del modernismo y las modernidades incompletas de Latinoamérica a través de las reliquias y ruinas del surrealismo encarnado por las estructuras concretas que construyó en su jardín. Fordlandia (2014) se filmó en la ciudad abandonada fundada por Henry Ford en la selva amazónica brasileña para producir goma. La utopía de Ford de una producción industrial capitalista fracasó pronto y, una vez abandonado, el lugar cayó en un estado de rápido y progresivo deterioro. La película de Smith se centra en detalles del asentamiento y su estado de ruina, las comunidades autóctonas que viven en la región, el río y la flora y fauna locales. De este modo, la película teje una reflexión sobre los procesos de entropía observados en relación con la modernidad y sus fracasos, en especial en el contexto de los trópicos, donde la naturaleza se impone obstinadamente.

La exposición también incluye obras más recientes como los cuadros performáticos Obscuridades bucólicas 2017, que toma como referencia el trabajo de El Bosco pero lo combinado con un sentido del absurdo que podría decirse mexicano y británico, y que contienes la literatura británica y humor de Lewis Caroll en Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas (1865) o Looking Glass (1871),o bien El Libro de disparates (1846) de Edward Lear y los Monty Python.

La exposición del MACBA examina en profundidad la trayectoria de Smith e incluye obras de nueva producción. La exposición está producida en colaboración con el MUAC de Ciudad de México, y el Museo Amparo, Puebla, México.

Comisaria: Tanya Barson

Fiona Tan Thin Cities

Tiempo y memoria. Fiona Tan y Haris Epaminonda, C3A,  Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, salas T2 y T3, Córdoba. Inauguracion junio 2018.

Se presentan por primera vez de manera conjunta dos obras maestras del videoarte multicanal reciente. Dos obras unidas al compartir una reflexión sobre el discurso del tiempo y la memoria. “Thin cities” (Ciudades diluidas) 2009-2011. La obra de Fiona Tan (Pekanbaru, Indonesia, 1966) explora la memoria, el tiempo y la historia. La artista se dio a conocer a través de una serie de obras que partían de imágenes de archivo y filmoteca, con las que cuestionaba al observador y lo observado, poniendo en entredicho las asunciones sobre el pasado colonial. Por otro lado, la serie “Chronicles” 2011-2012 (Crónicas) de Haris Epaminondas (Nicosia, Chipre, 1980) es un proyecto audiovisual basado en la documentación de conceptos como la memoria y el paso del tiempo por medio de fragmentos o poemas visuales. Evitando cualquier línea narrativa, Haris recurre a las imágenes fragmentadas que exploran la naturaleza del tiempo y certifican la permeabilidad de la memoria.

 

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Rosa Barba, Tabakalera, Donostia/ San Sebastián. Del 15 de junio al 14 de octubre de 2018.

 

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Joana Vasconcelos. Soy tu espejo, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 29 de junio al 11 de noviembre, 2018

Considerada una de las artistas más destacadas de la última década, Joana Vasconcelos trabaja con la escultura y la instalación. En la Bienal de Venecia de 2005 representó a Portugal con La novia y en el año 2012 expuso una selección de sus creaciones en el Palacio de Versalles, convirtiéndose en la primera mujer en presentar su obra en este palacio barroco. Los trabajos de Vasconcelos —algunos de gran complejidad técnica— se mueven, tienen sonido o se iluminan, cuestiones que la artista resuelve en su estudio de Lisboa con un numeroso equipo de colaboradores. Para realizarlos, Joana Vasconcelos utiliza muy diversos materiales de la vida cotidiana, como electrodomésticos, azulejos, tejidos, cerámica popular, botellas, medicamentos, urinarios, duchas, utensilios de cocina, teléfonos, coches o cuberterías de plástico. Con ellos construye imágenes impactantes, lúdicas y directas, que se refieren a asuntos sociopolíticos relacionados con las sociedades consumistas, poscoloniales y globalizadas, abordando desde la inmigración a la violencia de género. Su obra incorpora siempre el sentido del humor, sugiriendo además significados abiertos y no dogmáticos, aproximándose, al demandar la participación del espectador en su interpretación y visionado, a las llamadas estéticas relacionales surgidas a finales de los noventa. Rica en referencias externas, desde Louise Bourgeois a la cultura popular, de la orfebrería a la moda, de la artesanía a la ingeniería más avanzada, su obra trata entre sus temas principales la cuestión de la identidad, en todas sus dimensiones, reflexionando sobre su condición de mujer y de artista portuguesa y también europea.

Comisarios: Petra Joos y Enrique Juncosa

 

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Diana Thater.Un mundo a la fuga, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 12 de julio al 21 de octubre 2018

En los últimos treinta años, Diana Thater (San Francisco, 1962) ha sido una pionera de la práctica multimedia, combinando novedosos dispositivos de imagen en movimiento con formas que escapan a las convenciones narrativas del cine y la televisión. A través de su manipulación del color en el espacio de exposición, y utilizando las pantallas de proyección o monitores como un medio plástico, Thater traza en sus obras diálogos con las figuras más representativas del videoarte a la vez que se hace eco de los grandes interrogantes de la cultura contemporánea.

Uno de los temas recurrentes en su trabajo es la extinción de especies animales como consecuencia de la acción humana. A través de la cámara y del dispositivo de proyección, Thater aborda obsesivamente la contradicción entre el deseo de observar y la necesidad de representar, es decir, de construir la identidad del otro. Así, cada una de sus instalaciones apunta a la idea de un ecosistema en el que coexisten superficies, volúmenes, sonidos, atmósferas y memorias históricas. Un mundo a la fuga (2016-17) presenta dos videoinstalaciones gemelas producidas recientemente en Kenia. Cada una de ellas, a la vez un retrato y un paisaje, toma la forma de una cuádruple proyección sobre dos pantallas cruzadas en mitad del espacio expositivo, el cual ha sido igualmente transformado a través de filtros de luz de color. Estas obras nos acercan a la vida, a la vez plácida y precaria, de dos especies protegidas, rinocerontes y elefantes, y las economías ilícitas que amenazan su supervivencia.

 

EL-MUNDO-EN-UN-CONDÓN

Juan Hidalgo, Tabacalera “La Principal”, Madrid. Del 21 de septiembre al 11 de noviembre de 2018.
Exposición antológica sobre la obra de Juan Hidalgo, Premio Nacional de Artes Plásticas 2017, comisariada por Fernando Castro Flórez en las naves de La Principal, nos permitirá sumarnos al reconocimiento de su impecable trayectoria como creador.
Juan Hidalgo es una figura referencial del arte experimental español. Fundador del grupo ZAJ, músico con una carrera internacional contrastada, performer y artista con una propuesta verdaderamente singular. Situado en la “constelación Cage”, cercano en sus planteamientos a Fluxus y, sin embargo, nada miméticoni “escolástico”, Juan Hidalgo, junto a Walter Marchetti y Esther Ferrer, se comportó de forma intempestiva en los años del tardo-franquismo para convertirse en los años ochenta en un referente
para la nueva generación de artistas.
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Clara Montoya, PRÓXIMA B, Tabacalera “La Fragua”, Madrid. Del 21 de septiembre al 11 de noviembre de 2018.
Las últimas investigaciones que Clara Montoya (Madrid, 1974) -artista que realizó sus estudios en el Chelsea College Art y en el Royal College of Art de Londres, donde recibió el galardón Thames and Hudson/RCA a la excelencia en Escultura- ha desarrollado entre España, Sudáfrica e Italia,
centradas en la intersección entre los procesos escultóricos y los astronómicos y geológicos.

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Pilar Millán y Chiharu Shiota,  Double vision, Tabacalera “Estudios”, Madrid. Del 21 de septiembre al 11 de noviembre de 2018.

Se trata de un proyecto instalativo fruto de la colaboración entre las artistas Pilar Millán y Chiharu Shiota, ambas afincadas en Berlín, que comparten un interés común por el pasado, la memoria y el presente que,
en esta ocasión, se materializa en torno a la ventana como elemento simbólico. Un objeto cotidiano, sólido, con una cualidad casi mágica, ya que permite mirar a través de él y a través de los ojos de otros.

 

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Angela Melitopoulos, CAAC, Sevilla. Del 21 de septiembre de 2018 al 27 de enero de 2019.

La muestra de la artista alemana Angela Melitopoulus (Munich, 1961) se organiza en torno a la gran instalación que presentó recientemente en la Documenta de Kassel de 2017 y que gira sobre la crisis de los refugiados y los procesos migratorios.

 

Regina de Miguel

Regina de Miguel, Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, C3A, Córdoba. Inaguración septiembre/octubre 2018.

Regina de Miguel (Málaga, 1977) presentará en C3A su muestra más amplia hasta el momento en España. La artista investiga en los ámbitos del feminismo, la ciencia y deconstrucción de los vehículos narrativos y documentales contemporáneos. Su obra se alimenta del archivo científico, lo ficcional y el trabajo de campo para abordar una nueva idea de la instalación y la imagen en movimiento. En el C3A se podrán ver piezas de distintos momentos de su trayectoria, desde el vídeo “Nouvelle Science Vague Fiction” (2011). En esta obra y mediante dos canales, realiza por un lado un recorrido estratigráfico desde las cuevas del lago Cerknica (Eslovenia) hasta el Instituto de Radioastronomía de Holanda y, por otro, recreaciones de escenarios de la nave espacial Solaris.

Pero será la obra “Ansible” (2018) en versión ejecutada para el C3A, el centro de la muestra, realizada con la colaboración de la compositora Lucrecia Dahl y la performer Ania Novak, con ejecución de una instalación que nos recuerda a un laboratorio científico y para la que se ha ejecutado un componente sonoro.

 

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Dorothea Tanning, MNCARS, Madrid. Inauguración 2 de octubre 2018.
Importante muestra de una de las mujeres artistas más significativas del siglo XX,  Dorothea Tanning (Galesburg, Illinois, 1910 – Nueva York, 2012). A lo largo de su vida produjo un extenso cuerpo creativo con pinturas, dibujos, esculturas “suaves”, diseños de ballets, novelas y poemas en los que reflejaba su universo personal y el sentido de la vida moderna. En todo su trabajo Tanning rompe la distancia entre la obrade arte y el público. La artista no pretende que sus obras sean un reflejo del mundo, sino una invitación al
espectador para ir más allá y participar en su mundo lleno de ocultas revelaciones.

 

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Menchu Lamas, ARTIUM, Vitoria. Del 11 de octubre de 2018 hasta el 13 de enero de 2019.

La práctica de la pintura, el encuentro de la realidad y lo representado están en la base del trabajo de Lamas. Su obra encarna como pocas la evolución de esta técnica en España. Fue fundadora del colectivo Atlántica y en 1982 ya realizó su primera exposición individual en la Galería Buades de Madrid. Su obra está representada en la Colección Artium desde 1986, y se encuentra presente en las principales Colecciones tanto públicas como privadas españolas.

 

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Lina Bo Bardi: Tupí or not tupí. Brasil 1946-1992, Fundación March, Madrid. Dekl 5 de octubre de 2018 al 13 de enero de 2019.

Para profundizar en la arquitecta italo-brasileña Lina Bo Bardi (1914-1992) y su mundo plifónico, que materializó entre la realidad y la fantasía.

 

 

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Esther Ferrer, CAAM, Las Palmas. Del 25 de octubre de 2018 al 20 de enero de 2019

Ferrer diseñará para el CAAM un proyecto de intervención específico para los diferentes espacios de su planta 1, en el marco de su trabajo conceptual, con el comisariado de Carlos Díaz-Bertrana Marrero.

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Lorena Morin, CAAM Sala San Antonio Abad, Las Palmas. Del 8 de noviembre de 2018 al 25 de febrero de 2019.

Lorena Morin, destacada fotógrafa canaria que ha desarrollado su carrera y proyección profesional especialmente en el exterior. Comisariada por el conocido profesor y crítico de arte, Fernando Castro Flórez.

 

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Colección fotográfica de Lola Garrido, Kutxa Kultur artegunea, Tabakalera, Donostia/San Sebastián. Del 23 de noviembre de 2018 al 18 de marzo de 2019.

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