BARCELONA GALLERY WEEKEND
Barcelona Gallery Weekend inaugura cada año la temporada con una programación especial en las galerías de arte contemporáneo y modernomás relevantes de Barcelona y L’Hospitalet. El programa de exposiciones, seleccionado por un comité, se complementa con una intensa agenda de visitas comentadas por artistas y galeristas, performances, encuentros con agentes del sector, presentaciones, rutas ARCO GalleryWalks, visitas en familia y otras actividades gratuitas.
Barcelona Gallery Weekend es una iniciativa de la asociación ArtBarcelona. Galeries que busca visibilizar y reforzar el rico tejido artístico de Barcelona, fomentar el coleccionismo de arte y poner en valor la labor de las galerías como espacios generadores de cultura abiertos a la ciudadanía de forma gratuita a lo largo de todo el año. Del 17 al 20 de septiembre de 2026 celebra su 12ª edición.
A pesar de propuestas tan atractivas con lo último de Eulàlia Valldosera, Lúa Coderch, Momu & No es y la reivindicación de Mariaelena Roqué, entre otras; al final, las cuentas no nos salen. Las 38 muestras en 25 galerías se desgranan en: 30 individuales -solo 9 protagonizadas por artistas mujeres, menos de un tercio; 6 duos -con doce artistas (algunos duplicados) en total pero solo con 2 artistas mujeres; más 2 colectivas.
ADN
Gema Polanco, Mujeres que cargan animales
En su primera exposición en ADN Galeria, Gema Polanco (Valencia, 1992) muestra los elementos característicos de su práctica multidisciplinar —instalación, textiles, dibujo, collage y fotografía—, articulando, a partir de su experiencia personal y de la reivindicación del papel central de las mujeres en la creación, una visión plural que combina medios, imágenes y palabras como herramientas para cuestionar el papel tradicional de lo femenino e imaginar nuevas formas de empoderamiento.
El proyecto parte de lo autobiográfico para abrir espacios de transformación colectiva desde los que pensar sobre el cuerpo, el deseo, los cuidados y nuestra propia honestidad emocional.
ANGELS BARCELONA
«Anima Mundi. Pensamiento gráfico» reúne por primera vez una selección de los dibujos y textos canalizados por Eulàlia Valldosera durante la última década, que permiten adentrarse en las claves de su investigación más reciente.
El pensamiento gráfico y la escritura constituyen el sustrato de una obra multidisciplinar que explora cómo el cuerpo físico y el cuerpo psíquico se inscriben y se despliegan en la matriz del espacio. A través de la luz, la artista revela los hilos invisibles que conectan los seres y las cosas. La exposición se inicia con las primeras páginas de un códice donde aparecen las visiones del cuerpo energético y una serie de códigos vibracionales, para culminar en una instalación concebida como un laboratorio de realidad vibracional. Su última obra gira en torno a la gestación y explora el papel que la geometría y la luz-color desempeñan en el proceso de encarnación del alma.
Lúa Coderch presenta su nuevo proyecto Teoría del fuego en diálogo con la propuesta de Eulàlia Valldosera, «Anima Mundi. Pensamiento gráfico». ¿Qué es arder? Este trabajo videográfico, elaborado a partir de una brevísima secuencia grabada en 35 mm, toma la combustión como metáfora para explorar las pasiones que nos consumen.
La exposición se centra en Nami Nami Noooom, Yalla Tnaaam («Duerme, duerme, duerme, vamos a dormir»), una instalación textil que revisita un recuerdo de infancia de la guerra civil libanesa. Desvelada por los bombardeos nocturnos, Al Solh era animada por su madre a bordar alrededor de los pequeños agujeros que ella misma hacía en su pijama, como una forma de afrontar el miedo y la ansiedad a través del acto calmante de coser. Años más tarde, transformó este gesto en un proyecto de bordado colectivo con mujeres en el Líbano y los Países Bajos, dejando las aberturas visibles con bordados de colores.
Junto a la instalación, la exposición incluye obras textiles, pinturas con siluetas recortadas (cut-out) y dibujos que amplían estas reflexiones sobre la memoria, los sueños y las formas en que las experiencias personales se transportan a través del tiempo y el espacio.
Esta exposición investiga, a partir de una noción material e inmaterial de legado, los movimientos y transformaciones del gesto expresivo, especialmente del gesto del dibujo y la escritura, y los modos en que los incorporamos hasta hacerlos nuestros, para que así nos acompañen en nuestra búsqueda y construcción de sentido del mundo.
A partir de materiales encontrados o reencontrados dentro y fuera del acervo de la artista, así como desde lugares revisitados, las obras que conforman este proyecto vuelven sobre trazos antiguos, pasos ya andados o palabras reescritas para resituarse a su alrededor y, desde allí, realizar con ellas un ejercicio de transformación. Las técnicas utilizadas van desde la serigrafía sobre textil hasta la grabación sonora de campo, pasando por el frottage, el stencil con polvo de grafito o el monotipo sobre papel.
ETHALL
Eulàlia Rovira, Clin
Dicen que una inclinación es solo una desviación de la vertical. Pero eso presupone que la vertical llegó antes. «Clin.» prefiere quedarse en el momento previo a este acuerdo. Allá donde las orientaciones todavía no parecen naturales, las palabras no acaban de fijarse y una pequeña variación es suficiente para que aparezcan relaciones que quizás pasábamos por alto. Porque, ¿qué pasa si, en lugar de representar el mundo, se desplazan ligeramente las condiciones desde las cuales aparece?
HOUSE OF CHAPPAZ
Momu & No es: Front Running y Trampa
En la sala, una estación de trabajo, una estela corporizada y un flujo de información corporativa exploran la convivencia de múltiples temporalidades y espacios, así como las formas en que transitamos por ellos y construimos sentido dentro de nuestra realidad actual. Las imágenes que aparecen en las pantallas muestran diversos lugares en los que misteriosas apariciones son controladas mediante una infraestructura ontológica al servicio de una compañía oculta. El proyecto aborda los bucles, los espacios liminales y la hiperrealidad como umbrales desde los que pensar el plano conectivo que condiciona nuestra percepción contemporánea.
PRATS NOGUERAS BLANCHARD
«Karim Rosa» es la primera exposición individual de le artista Lucía C. Pino en Prats Nogueras Blanchard, en la que presentamos un conjunto de piezas autónomas. Un diálogo entre imagen y escultura que activa las tensiones entre materialidad, memoria, fragmento y composición. El origen de este trabajo se sitúa, por un lado, en el deseo de explorar con materiales y procedimientos escultóricos concretos, principalmente aquellos que tienen que ver con el trabajo textil y con el metal, aplicando criterios de sostenibilidad y circularidad material, y, por otro, en la interacción con archivos y materiales de otra índole. El deseo es sintonizar con la diferencia emergente en un terreno donde la fuerza de las cosas aún no se ha adaptado a una forma final y concluyente, y donde existe el potencial para dibujar, cuestionar y apuntar hacia nuevos diagramas de la vida.
PROJECTE SD
Ana Jotta & Allen Ruppersberg, el juego de la oca.
Ana Jotta y Allen Ruppersberg son dos artistas de la misma generación, que comparten, además, su interés por coleccionar material obtenido de la cultura popular (libros de todo tipo, material impreso diverso, objetos, textos). En sus obras, las referencias a este material encontrado son constantes, así como su interés en dibujar o redibujar, componer en forma de collages o recomponer de diversas formas este material. El lenguaje es otro elemento recurrente en la obra de ambos artistas.
El hilo conductor de la exposición será un dibujo mural de la artista portuguesa Ana Jotta, realizado específicamente para la ocasión, que servirá de marco para albergar otras obras suyas y de su coetáneo norteamericano Allen Ruppersberg. No se trata de un proyecto a dos manos, conjunto, sino de un ejercicio de unir dos voces que con ironía, sagacidad y libertad conciben el arte como un práctica independiente, alejada de modas y que se construye sin distinción entre arte y vida.
ROCIOSANTACRUZ
UnaDonaUna: AutoRetratRetratat.
Mariaelena Roqué es una creadora difícilmente clasificable, pero clave en el contexto del arte contemporáneo catalán. Históricamente, la crítica de arte se ha referido a su obra bajo el paraguas de la Compañía Carles Santos.
Ha sido una artista “atrapada temporalmente en el ángulo muerto del relato patriarcal del arte” (Griselda Pollock), cuando se trata de una creadora de una fuerza imprescindible por sí misma, cuya práctica se sitúa entre plástica, escultura, performance y acción escénica. Su trabajo cuestiona los roles de género y critica la sociedad patriarcal. Explora el cuerpo femenino como territorio de memoria, identidad y transformación. Sus obras diluyen la silueta humana, proponiendo una condición «posthumana» que desafía el antropocentrismo. La exposición incluye performances y diálogos con comisarios y críticos que complementan esta experiencia artística.
El proyecto de RocioSantaCruz abre espacio a otra voz silenciada, reafirmando a Roqué como una figura imprescindible del arte feminista y contemporáneo.
SORONDO PROJECTS
Ejercicios de permanencia
Tanto María Elena Pombo como Miguel Braceli entienden el territorio como construcción en constante transformación, modelada por relaciones, gestos y formas de participación. Sus prácticas proponen pensar la permanencia desde el movimiento, la colaboración y el cambio, más que desde la estabilidad. Desde lenguajes distintos, ambos trabajan con lo que permanece y lo que se transforma: huellas de acciones colectivas, marcas en el paisaje, vestigios materiales y gestos efímeros. Sus obras activan espacios de encuentro donde el conocimiento se construye de manera relacional y emergen nuevas formas de pertenencia. En ambos casos, el paisaje deja de ser un escenario pasivo para convertirse en un agente vivo, capaz de reunir cuerpos, historias y comunidades en torno a futuros aún por imaginar.
ZIELINSKY
Amparo Tormo
La artista articula en sus esculturas materiales industriales, algunos de ellos ya tradicionales en el campo escultórico, como el hierro y el acero, y otros de carácter ordinario, como placas de MDF y superficies inoxidables, para presentar al espectador el interior de los objetos. Al duplicar los planos, invertir los órdenes y rellenar los vacíos con la ilusión de las superficies reflectantes, la artista construye juegos de percepción e ilusión. De este modo, los tótems, las piezas de pared y las esculturas de esquina funcionan como dispositivos que orientan al espectador a lo largo de un recorrido que lo hace atravesar capas de reflejos y opacidades, suspendiendo la distinción entre interior y exterior.
