APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND
Del 10 al 13 de septiembre, Apertura celebra su 17ª edición y vuelve a afirmar la vitalidad de la escena galerística madrileña. Durante cuatro días, las galerías de la asociación abren sus puertas en horario extendido y presentan conjuntamente sus nuevas exposiciones, invitando al público a descubrir artistas, proyectos y propuestas que marcan el inicio del curso artístico en Madrid.
Con 60 galerías, la asociación Arte Madrid ha establecido siete recorridos, a los que suma las exposicionees de dos centros recomendados: el Museo Lázaro Galdiano, con la colectiva Entre la retícula y la vida (Carlos Albert, Andreu Alfaro, Dagoberto Rodríguez, Cristina Almodóvar, Pedro Calapez, Tamara Arroyo, David Magán, Nuno Nunes-Ferreira, Josep Maynou, Sandra Val, Simón Vega, Mar Solís); y La Casa Encendida con las exposiciones Continentes como semillas (La Chola Poblete, Niño de Elche y Pedro G. Romero) y la individual de Bouchra Khalili, The Circle and The Public Storyteller.
En total, 133 artistas muestran su trabajo: 60 son mujeres; en porcentaje, 45%. En conjunto, veremos 58 exposiciones individuales, de las que solo 25 están protagonizadas por artistas mujeres; en porcentaje, apenas un 43 % mínimamente paritario.
Aquí va nuestra selección.
Tour 1. Centro
Comenzando en la galería BLANCA BERLIN, allí podremos ver la individual de María Oriza, Entre lo visible y lo latente, hasta el 17 de octubre.
María Oriza Pérez (Aranda de Duero, 1964) vive y trabaja en Madrid. Su formación se desarrolló en la Escuela de Cerámica Francisco Alcántara y en la Escuela Municipal de Cerámica de la Moncloa, en Madrid, durante la década de los ochenta. Estos años de aprendizaje le proporcionaron una sólida base técnica que le permitió iniciar, a principios de los noventa, una trayectoria profesional centrada en la creación de obra escultórica de carácter abstracto. A lo largo de su carrera ha buscado desarrollar una obra personal, coherente y significativa.
En 2007 fue nombrada miembro de la Academia Internacional de Cerámica, en reconocimiento a su contribución en este campo.
Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y centros de arte de España y en distintos países de Europa, América y Asia, y forma parte de colecciones públicas y privadas como el Museo del Diseño de Barcelona, el Museo del Càntir de Argentona, el Museo Hetjens de Düsseldorf (Alemania), el Museo de Arte Contemporáneo de Nakatomi (Japón), entre otras.
Oriza no entiende la geometría como un sistema ideal o abstracto, sino como una estructura de pensamiento que se encarna en la materia. El barro introduce en el proceso una dimensión física y temporal. Su peso, su fragilidad y su capacidad de transformación condicionan la forma final y convierten cada obra en el resultado de un diálogo entre su intención y las posibilidades del material.
El desarrollo modular, la repetición y la variación permiten que la obra crezca como un organismo. El módulo no funciona como una unidad serial cerrada, sino como una estructura flexible capaz de generar múltiples configuraciones. En este contexto, la potencia de la obra surge del conjunto y no de la unidad aislada.
Además, la galería presenta una colectiva con 12 Premios Nacionales de Fotografía, que incluye a las fotógrafas Cristina García Rodero, Isabel Muñoz y Ouka Leele.
En MADERA 33, por Bombon Crisis, obras de las artistas Ana Navas, Nora Aurrekoetchea y Esther Gaton se reunen bajo el título Ese doble movimiento de la distancia y la fuga, comisarido por Margot E. Cuevas. Articula tres líneas de trabajo centradas en la escultura y la instalación. Cuestiona la estabilidad de los objetos y materiales cotidianos. Las obras escapan de una presencia fija para proponer tránsitos y distancias latentes. Hasta 5 de noviembre.
En EL APARTAMENTO, hasta 7 de noviembre, se presenta La pesca de Brenda Cabrera (La Habana, 1997). Se formó en la Academia de San Alejandro de La Habana en 2017 y en el Instituto Superior de Arte (ISA) en 2022. Sus inquietudes artísticas la hacen explorar técnicas como la pintura y el dibujo, aunque se aproxima acertadamente a las nuevas tecnologías del ámbito artístico como el NFT.
Los húmedos y fértiles paisajes se presentan como organismos vivos, envolventes y ambivalentes, donde lo vegetal encarna simultáneamente protección y amenaza. En este entorno emergen figuras híbridas que condensan una dimensión sexual, primitiva y ritual, situando al espectador ante una naturaleza que es a la vez matriz generadora y fuerza devoradora, donde la belleza convive con una violencia latente.
ESPACIO VALVERDE, hasta 28 de octubre, presenta Juguemos a gato en un toro de Sandra Val (Tarragona, 1979). Tras obtener una Diplomatura en Windows Dressing, Trend & Cool Hunting y Fashion Visual Merchandising en la Academia del Lusso de Milán y Pedro del Hierro, Sandra Val se graduó en Bellas Artes por la Complutense de Madrid, donde también cursó un Máster de Investigación en Arte y Creación.
Seleccionada en las últimas ediciones de la Bienal Internacional de Cerámica de Manises y en CERCO, Festival Internacional de Cerámica contemporánea de Zaragoza, ha obtenido un premio de producción artística en la Bienal de Mujeres en las Artes Visuales 2020, resultó ganadora en el Concurso de Artes Plásticas Hotel Four Seasons en 2018 y, junto al colectivo Quinto Espacio, ha participado en proyectos expositivos ganadores de las segundas ediciones de PROYECTARTE y la ArtBatallion SummerEdition y de una de las Becas AlNorte, en este caso en 2017. La artista ha participado en residencias en el YZ Creative Art Center chino y en La Neomudéjar y recibió en 2018 una beca de producción del Cabildo de Lanzarote.
Su obra ha sido mostrada en diferentes espacios institucionales como la Sala Robayera (Cantabria), el Centro de Arte Alcobendas, el Instituto Cervantes (Múnich), la Iglesia Santa Catalina de Badajoz , el Museo de la Universidad de Alicante o el Musée des Beaux-Arts de La Chaux-de-Fonds en Suiza.
Ha sido reconocida con el premio al Mejor Artista Español en la feria ARCO 2025 por la Revista Artepuntoes del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), el XXXIV Premio Lopez Villaseñor de Artes Plásticas (2025), la mención honorífica de los Premios ABC de Pintura y Fotografía (2003), los Encuentros de Arte Contemporáneo del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert (2012), entre otros.
Ha participado en distintas ferias de arte nacionales e internacionales como ARCO, UNTITLED, PINTA (Miami), Estampa, Urvanity, JustMad, Drawing Room y Arte Santander. Su obra forma parte de colecciones como Colección Solo, Colección Oliva Arauna, Colección Gobierno de Cantabria, KELLS Art Collection, Museo de Arte Contemporáneo MMAC Ayto Madrid, Fundación Studiolo, entre otras.
En Galería LA COMETA, hasta el 7 d noviembre, podemos ver Escuela de belleza de Gabriela Pinilla y Figurar lo visible de María Primo.
La artista Gabriela Pinilla (Bogotá, 1983), se distingue por su compromiso con la exploración histórica y artística, abordando temáticas que abarcan desde la historia política hasta la íntima, y desde el arte hasta el cine. Su obra se caracteriza por un profundo interés en desenterrar y reinterpretar hechos históricos significativos que han sido marginados por las narrativas institucionales y oficiales.
Pinilla emplea una variedad de medios artísticos, incluyendo pintura, instalaciones, objetos, libros y videos como vehículo para su expresión creativa. Su proceso de trabajo se fundamenta en una meticulosa investigación, utilizando archivos, prensa, novelas históricas, películas, diarios y álbumes familiares como fuentes primarias de información. A través de este proceso, la artista busca cuestionar y desafiar las narrativas establecidas, ofreciendo perspectivas alternativas para entender la historia sociopolítica de Colombia y América Latina en los siglos XX y XXI.
La reflexión sobre cómo se escribe, documenta, enseña y exhibe la historia, y constituye un aspecto central de la práctica artística e investigativa de Pinilla. Sus proyectos, concebidos como pequeños museos de historia, presentan documentos y fotografías que a menudo han permanecido fuera del dominio público, contribuyendo así a ampliar y enriquecer el espectro de historias que merecen ser contadas.
La obra de María Primo investiga la relación entre el ser humano y el entorno natural, la sostenibilidad y la memoria del paisaje. Combina la fotografía contemporánea con procesos analógicos y alternativos como la cianotipia, además de video e instalaciones. Ha realizado exposiciones y residencias internacionales (como en Yemen, República Democrática del Congo o Egipto) y ha obtenido reconocimientos como el segundo premio de Fotografía de la Fundación ENAIRE y el programa HACER de PHotoEspaña.
En TRAVESIA CUATRO también podemos ver dos exposiciones: Marrón barroco de Chola Poblete y Bajo el mango de Vivian Suter. Hasta 7 de noviembre.
En PRATS NOGUERA BLANCHARD, hasta 14 de noviembre, se presenta la atractiva colectiva Feral agency con obras de Agnieszka Kurant, Hito Steyerl y Haegue Yang que exploran formas de agencia que emergen más allá de los límites de la autoría individual, la intencionalidad humana y los sistemas estables de control. A partir de prácticas que diversifican técnicas y materiales, metodologías y referencias, las tres artistas abordan una condición común: la creciente presencia —y visibilidad— de fuerzas que actúan, producen efectos y generan significado sin pertenecer a un único sujeto.
En lugar de entender la inteligencia, el conocimiento o la agencia como propiedades poseídas por individuos autónomos, esta exposición las aborda como fenómenos distribuidos que emergen a través de organismos biológicos, infraestructuras tecnológicas, sistemas económicos, entornos materiales y redes culturales.
En conjunto, estas obras no proponen una teoría unificada; más bien construyen un campo de tensiones entre formas biológicas, tecnológicas, materiales y culturales de agencia. La exposición sugiere que aquello que define cada vez más nuestra condición contemporánea no es la aparición de una nueva inteligencia, sino el reconocimiento de que la agencia nunca ha sido exclusivamente humana. Siempre ha estado distribuida entre redes, organismos, infraestructuras, objetos e imágenes cuyas interacciones exceden los marcos mediante los cuales la modernidad trató de comprender y gobernar el mundo.
Tour 2. Salesas
RAFAEL PÉREZ-HHERNANDO abre con una exposición de Susana Solano, hasta el 24 de noviembre. En La Cripta, Susana Solano (Barcelona, 1946) presenta una selección de obras donde se observa la influencia de sus estancias en el África subsahariana.
Hasta el 10 de octubre, ALZUETA GALLERY presenta la colectiva Texto significa tejido, con piezas que exploran el arte textil y la conexión entre la fibra y el lenguaje visual de Dolors Oromí, María Tinaut, Isabel Servera, Inés Sistiaga, Lucía Vergara, Laura Zuccaro, Maru Quiñonero y Grau Garriga.
MAX ESTRELLA muestra Entelequia de Diana Fonseca.
La palabra entelequia significa «tener el fin en si mismo». Alude a la fuerza vital que impulsa la vida, la autorrealización y el esfuerzo consciente por alcanzar un fin intrínseco que, al mismo tiempo, es su propia meta. Es en este proceso donde la entidad alcanza su perfección.
Desde esta premisa filosófica, Fonseca concibe su práctica artística como su propia entelequia: el ser humano, en su naturaleza, tiende a buscar lo bello, lo que evoluciona y se perfecciona, y el arte se convierte en el medio más genuino para emprender ese viaje.
El proceso artístico de Diana Fonseca nace de emociones y experiencias personales, aunque muchas veces refleja también un sentir colectivo o generacional. A lo largo del tiempo, con sus ritmos cambiantes, surgen nuevas preguntas, deseos, nostalgias, sueños y necesidades. Todo ello configura la práctica creativa de la artista cubana.
Esta exposición se presenta como un collage emocional: una recopilación de objetos que sirven como canales de conexión con el mundo interior de la artista. Un proceso que busca acercarse a la verdad, porque, para Fonseca, estar en la verdad es estar en paz, y estar en paz es quizá la forma más pura de autorrealización.
Tour 3. Lavapiés
Comenzando con pintura. En Dr. Fourquet, disfrutaremos de la exposición de Elvira Amor en MPM, MOISES PÉREZ DE ALBÉNIZ. Hasta 24 de octubre.
Y del trabajo de Julia Santa Olalla. Su exposición individual en F2 Galería se titula «Hay un vencejo volando dentro» y se puede visitar del 10 de septiembre al 31 de octubre de 2026.
En ESPACIO MINIMO, hasta 31 de octubre, la muestra MIX de la gran Elena Blasco. Su trayectoria artística desde 1976, año de su primera exposición, concentra un conjunto singular de obras que se caracterizan por una libertad formal en la que destaca la variedad de técnicas y texturas, un brillante y desinhibido uso del juego cromático, junto a un ensamblaje dispar de elementos en los que, desde un enfoque intencionalmente irónico e infantil, se fusionan alta y baja cultura. MIX, nos muestra algo más que una revisión de sus trabajos históricos en conversación con obras de nueva creación, porque más allá de un diálogo formal y conceptual de obras, entre las que dista en algunos casos una elipsis de más de 30 años, asistimos a una puesta en escena que barre las fronteras del tiempo y que evidencia una estética permanente. Pero MIX, es también algo más, porque la elección del material y la “mezcla” son la génesis y la esencia de la poética que caracteriza a esta artista. “Muebles y pinturas. Plano y tridimensional. ¿Qué querré estar juntado? Yo siempre juntando. ¿Se puede hacer? ¿Es posible? ¿Y por qué querría hacerlo? ¿Qué significa? ¿Funciona? ¿Es así la vida? ¿Me funciona? Es un experimento. Si, funciona.”
La exposición se compone de una selección de instalaciones de los comienzos de su carrea con otras de reciente creación que transforman la galería en una especie de muestrario de tienda de muebles, una concatenación de representaciones pequeñoburguesas, en las que constatamos un obsesivo interés por el ámbito de lo doméstico, en el que, como apuntaba Carlos Jiménez en el catálogo de su exposición del año 1991 en la galería Ángel Romero “El interior es un interior de resistencia, un fortín para el yo que libra batallas contra la uniformidad…”
MIX aglutina un repertorio de obras de gran formato y piezas diversas, que se complementan, referencian y amplifican entre sí, conformando un sólido corpus que muestra su reconocible y personalísimo imaginario. Bajo un aire desenfadado e irreverente Elena Blasco camufla el trasfondo radical de los significados que proyecta, cuestionando los tópicos y prejuicios canónicos de la sociedad actual. Interiores domésticos, de casa de muñecas, en los que el juego que propone la artista bien pudiera ser el de una sucesión de portazos siguiendo la estela del que diera, hace casi 150 años, la heroína de la obra homónima de Enrick Ibsen, Nora Helmer, al marcharse de casa. Todo un ejercicio de libertad conceptual, temática y formal, que ha venido desarrollando desde el principio de su carrera y que la posicionan como uno de los más singulares e inclasificables valores del panorama plástico actual.
Elena Blasco (Madrid, 1950), es licenciada por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid con especialidad en pintura y diplomada en Fotografía y Decoración por la Escuela de Artes Plásticas de Madrid.
Desde 1976 ha venido exponiendo regularmente en proyectos individuales en galerías españolas y extranjeras, y en museos e instituciones como Gemeentemuseum Arnhem en Holanda (1992), Espacio Caja de Burgos (2001), la Sala Alameda de la Diputación Provincial de Málaga (2002) o la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid (Millones y abundantes razones, comisariada por Alicia Murría en 2012) y en muestras colectivas como la II Bienal Iberoamericana de Dibujo (México D.F., 1980), VI Salón de los 16 (Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, 1986), Rencontres européennes (Maison des Arts Georges Pompidou, Cajarc, Francia, 1993), Múltiples (Museo Jacobo Borges, Venezuela, 1997), Mujeres. Manifiestos de una naturaleza muy sutil (Sala de Exposiciones de la Comunidad de Madrid, 2000), Doméstico 2000 (Madrid, 2000), Cuatro Dimensiones. Escultura en España 1978-2003 (Museo Patio Herreriano, Valladolid, 2003), Helecho Alegre (La Casa Encendida, Madrid, 2019), Cosas que hacen clac (Centre del Carme, Valencia, 2025), Luz y Sombra. Goya y el realismo español (Europalia. Bruselas, 2025) o Colección Arte Contemporáneo 1975 – Actualidad (Museo Reina Sofía, Madrid, 2026).
Su obra está representada en museos y colecciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Madrid, Colección Albertina de Viena, Colección Fundación La Caixa de Barcelona, Museo ARTIUM de Vitoria, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Biblioteca Nacional de Madrid, Fundación Coca-Cola España, Colección Altadis, Madrid/París o el Museo de Escultura de Pamplona y el IVAM de Valencia entre otros.
En JUAN SILIÓ, la exposición de Irene de Andrés, Por un lugar en el sol, analiza la instrumentalización de las vacaciones de la clase trabajadora. Compara la Ciudad Residencial Tiempo Libre de Marbella y la Colónia de Férias Um Lugar ao Sol de Caparica (Portugal). Examina estas arquitecturas turísticas desde su origen en regímenes dictatoriales hasta su gestión por gobiernos posteriores. Hasta 31 de octubre.
Irene de Andrés (Eivissa, Illes Balears, 1986) es Graduada en Bellas Artes y Máster de Investigación y Producción Artística de la Universidad Complutense de Madrid, donde actualmente realiza el programa de Doctorado. Ha sido artista residente en lugares como Escuela FLORA Ars+Natura de Bogotá, The Harbor de Beta Local en San Juan de Puerto Rico, el programa para Artistas Visuales del Centro de Residencias Matadero Madrid y la Academia de España en Roma, entre otras. Entre las becas y premios que ha recibido destacan la Beca Leonardo de la Fundación BBVA, Premio de Adquisición de la Comunidad de Madrid en Estampa, Generaciones de la Fundación Montemadrid, Circuitos de Artes Plásticas, el Premio Ciutat de Palma o las Ayudas a la Creación Audiovisual DKV-Es Baluard. Actualmente prepara una exposición individual en Es Baluard (2027), también destacan sus individuales en instituciones como el Centro Párraga de Murcia, Museo Patio Herreriano de Valladolid y Espai 13 de la Fundación Joan Miró de Barcelona. Entre las muestras colectivas destacan instituciones como Art Sonje Center de Seúl, Museo de la Memoria y los Derechos Humanos de Santiago de Chile, TEA – Tenerife, MuHKA de Amberes, Casa Encendida de Madrid, Bienal de Friburgo, Fresta Trienal de Artes de Sorocaba, Es Baluard o el Centro Cultural de España en Montevideo. Su obra forma parte de colecciones públicas como TEA – Tenerife, CA2M Madrid o el MAMBO de Bogotá.
Tour 4. Letras
La Galería Leandro Navarro ha celebrado tres de sus exposiciones individuales: El estudio de la Calle Bolsa en 2004, La Sal en 2021 y Carmen Laffón. Última obra en 2023. Algunos de los museos y colecciones públicas con obra de la artista son el Banco de España, el British Museum, la Mint Foundation, el Metropolitan de Nueva York y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.
Actualmente presentamos nuestra cuarta exposición dedicada a Carmen Laffón siguiendo el compromiso adquirido con la obra del artista a lo largo de los años. La exposición coincide con las últimas semanas de la exposición Carmen Laffón. Variaciones, organizada por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
Issa ha recibido el Premio Vilcek, el Louis Comfort Tiffany Foundation Award, el Abraaj Group Art Prize y el Premio HNF-MACBA, y fue nominada al Preis der Nationalgalerie. Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en Lenbachhaus, Múnich; Art Institute of Chicago; Kunsthalle Wien, Viena; Albertinum, Dresde; Taxispalais Kunsthalle Tirol, Innsbruck; Kunstmuseum, San Galo; Bielefelder Kunstverein, Bielefeld; Kunsthalle Lissabon, Lisboa; MACBA, Barcelona; Perez Museum, Miami. Ha participado también en exposiciones colectivas en Centre Pompidou, Metz; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; mumok, Viena; Tabakalera, San Sebastián; Museum of European and Mediterranean Civilizations, Marsella; Art Museum, University of Toronto; KW Institute for Contemporary Art, Berlín; CaixaForum, Barcelona; DAAD, Berlín; Whitney Biennial, Nueva York; Hamburger Bahnhof, Berlín; la 12.ª Bienal de Sharjah; la 8.ª Bienal de Berlín; MuHKA, Amberes; New Museum, Nueva York; KW Institute of Contemporary Art, Berlín.
Participará en la próxima edición de la 17.ª Bienal de Sharjah en 2027.
Su obra forma parte de las colecciones del MoMA, Nueva York; MACBA, Barcelona; Guggenheim Museum, Nueva York; Whitney Museum of American Art, Nueva York; SFMOMA, San Francisco; Museum of Contemporary Photography at Columbia College, Chicago; Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen – M HKA, Amberes; mumok, Viena; Pérez Museum, Miami; Sharjah Art Foundation, Sharjah; Hamburger Kunsthalle, Hamburgo; 21er Haus, Viena; Magasin III, Estocolmo.
Mar Solís (1968) vive y trabaja en Madrid. Su trabajo parte de la escultura como núcleo de investigación formal. Desde la tercera dimensión despliega su práctica hacia otros medios como la fotografía, el dibujo, el vídeo y la performance. A través de ellos explora la relación entre espacio, materia, vacío y tiempo, integrando referencias de la física cuántica y la filosofía.
Entre sus exposiciones recientes destaca “Origen” (2025) en CentroCentro, comisariada por Lorena Martínez de Corral. Su obra se ha mostrado en numerosas instituciones internacionales, como el Patricia & Phillip Frost Art Museum (Miami), el Instituto Cervantes de Damasco y Tánger, el Parque Kasklauttanen (Laponia), y el Parque de Esculturas de Kyonggido (Corea del Sur). En España, su obra está presente en colecciones como el IVAM, Fundación Cristina Masaveu, BBVA, Museo Tiflológico, Comunidad y Ayuntamiento de Madrid. Ha recibido premios como el Ojo Crítico de RNE, Generación 2003 y becas como Delfina Foundation, Ville de Paris y la Beca Velázquez, entre otras.
Lisse Declercq es una artista belga nacida en Lüdenscheid (DE). Tiene un máster en Pintura por la Escuela de Arte MAD-FAC de Hasselt (BE). Su obra ha sido expuesta en de Warande en Turnhout y en la Trienal de Brujas 2021.
Declercq desarrolló su técnica y sus fundamentos pictóricos viendo tutoriales de maquillaje en Youtube. Imita este lenguaje para escenificar selfies sociales de la realidad que nos rodea, donde la forma en que observamos y percibimos el mundo está cambiando, debido al uso de las redes sociales. La artista pretende concienciar al espectador, por eso utiliza el lenguaje que ella misma critica, el de las redes sociales.
En la cultura de la copia, esta artista millennial se mueve entre la fantasía y la realidad, al tiempo que cuestiona la autenticidad. Declercq cuestiona el actual anhelo de perfección, que se refleja claramente en las redes sociales a través de la incesante reproducción de contenidos «copy-paste», que a su vez conforman una realidad mediática virtual, de la que todos formamos parte sin quererlo ni saberlo.
También destacamos la colectiva Archivo en SABRINA AMRANI PROJECTS, con Paloma De La Cruz, Alba Lorente, Cristina Mejías, Claudia Pastomás y Pablo Barreiro. La exposición el nuevo espacio expositivo de la galería.
Un archivo es un espacio estanco de elementos generados en el pasado con vigencia en el presente y proyección en el futuro. Un lugar de encuentro de procesos pretendidos donde el accidente es acogido como naturaleza misma del objeto guardado. ARCHIVO recoge el trabajo de cinco creadores cuyos trabajos envuelven una reflexión sobre la materia como ejemplo viviente del proceso artístico. Trabajos en los que la materia conserva la memoria de las acciones que la atraviesan y que permanecen en un estado constante de transformación.
Esta intencionalidad por preservar la memoria y el conocimiento del proceso artístico nos presenta un interés por la muestra sin ambages de los caminos llevados. El medio artístico se entiende así no como un elemento excepcional sino como parte elemental de un lenguaje en permanente reformulación.
ARCHIVO supone una muestra que hace eco del propio espacio que la acoge, y donde, al igual que los trabajos presentados, conserva la memoria de los procesos que lo constituyeron hasta lo que hoy es. Un archivo vivo, que, eliminando la estanqueidad del propio concepto, nos ofrece la oportunidad de entender el arte desde la inmediatez del momento y no desde la perspectiva del pasado.
Ana Gallardo (Rosario, Argentina, 1958) define su práctica artística como política, de resistencia y transformadora. La trayectoria artística de Gallardo está, sin duda, muy unida a su propia biografía, a su familia, a sus relaciones, a sus circunstancias laborales, y a su propia experiencia como mujer. Su madre, pintora, murió cuando ella tenía apenas seis años de edad, y por eso ha manifestado en alguna ocasión que su dedicación al arte es una manera de estar cerca de ella, de poder llenar ese vacío. La artista habla de un mandato familiar, psicológico, del que no se ha podido desprender. Pero la obra de Ana Gallardo tiene, como ella misma indica, una vertiente política que se refleja en su interés por abordar temáticas sociales vinculadas a diferentes formas de violencia, a veces cotidianamente asumidas.
Algunas de sus exposiciones individuales más importantes se han presentado: Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires; Museo Jumex, México; Museo Es Baluard, España (2017); en el MAMBA, Buenos Aires (2015); Sam Arts Projects, París (2013); Museo Municipal de Arte, La Plata, (2013) y Parasol Unit Foundation for Contemporary Art, Londres (2012), entre otros. Su trabajo ha sido incluido en exposiciones colectivas en instituciones y museos como Kunsthalle Lund Art Gallery, Suecia (2016); Maison Rouge, París (2015); Whitechapel Gallery, Londres (2013); Palais de Tokyo, París (2013) y el Museo de la Memoria y la Tolerancia, Ciudad de México, (2012). Gallardo ha participado en exposiciones internacionales como la 56° Biennale di Venezia (2015), 29° Bienal Internacional de Arte de São Paulo (2010), y la 7° Bienal do Mercosul (2009), entre otras.
Desde hace varios genera y coordina distintos espacios para la difusión y reflexión de la practica contemporánea, en la Ciudad de Buenos Aires, como Espacio Forest (2013); Espacio La Verdi (2014/2018) y actualmente La Verdi México.
