EXPOSICIONES EN CARTELERA MAYO 2026

EXPOSICIONES EN CARTELERA MAYO 2026

Redacción

Todas las exposiciones en instituciones que te interesan, ordenadas por comunidades autónomas.

 

ANDALUCÍA

ALMERÍA

Ars Visibilis VII. Exposición Internacional de mujeres artistas, MECA, Almería. Del 8 de marzo al 22 de mayo de 2026.

Ars Visibilis VII no se plantea como una exposición en el sentido convencional, sino como un dispositivo que interroga las condiciones bajo las cuales las prácticas artísticas realizadas por mujeres aparecen hoy en el campo de lo visible. La visibilidad deja de entenderse como un objetivo o un logro y se sitúa como un régimen: un conjunto de operaciones que determina qué puede ser percibido, cómo se presenta y desde qué marcos se interpreta. Comisariado por Rosa Muñoz Bustamante y Fernando Barrionuevo, el proyecto se inscribe en una línea de investigación sostenida en torno a la relación entre imagen, género y sistemas de percepción, así como en el desarrollo de dispositivos inmersivos entendidos no como soluciones tecnológicas, sino como estructuras críticas que reconfiguran la experiencia estética. La exposición reúne a 47 artistas de distintos contextos culturales y países cuya coexistencia no responde a la construcción de un relato común ni a la afirmación de una identidad compartida. Lo que se activa es un campo de tensiones donde las diferencias no se organizan ni se resuelven, sino que permanecen en estado de fricción. El conjunto no representa: desestabiliza. La decisión de trabajar exclusivamente con pintura, escultura e instalación no responde a una jerarquía disciplinar, sino a una operación precisa: desplazar prácticas ancladas en la materia, el cuerpo y el espacio hacia un régimen de proyección que las desajusta. La obra deja de presentarse como objeto estable para convertirse en aparición, en imagen en tránsito, en superficie de inscripción atravesada por la temporalidad. La proyección no actúa como mediación neutra ni como reproducción, sino como dispositivo crítico. Al desprenderse de su materialidad inmediata, la obra no se pierde, sino que entra en una condición de inestabilidad donde se superpone, se diluye y se reconfigura en relación con otras. La escala fluctúa, el espacio se expande y la percepción se vuelve corporal. El espectador ya no mira: se ve implicado. En este contexto, la inclusión de una única pieza escultórica en su condición material introduce una interrupción decisiva. Frente al flujo continuo de imágenes, su presencia fija, localizada y resistente actúa como punto de condensación, obligando a reconsiderar qué significa hoy la presencia y qué lugar ocupa la materia en un entorno dominado por la circulación de imágenes. La dimensión lingüística añade otra capa de complejidad. Los textos de las artistas se presentan en su idioma original, sin traducción, desplazando la función del lenguaje como herramienta de transparencia. La lengua se sitúa como materia —ritmo, sonido, estructura— y no como vehículo inmediato de sentido. La opacidad deja de ser una carencia para convertirse en una forma de resistencia frente a la homogeneización. El espectador pierde así su posición de dominio interpretativo. La experiencia no se organiza desde la comprensión total, sino desde la exposición a lo fragmentario, a lo no completamente legible, a lo que se escapa. La mirada se desplaza hacia una forma de atención más inestable, más situada, más consciente de sus propios límites. Desde una perspectiva de antropología cultural y social, las prácticas reunidas no se entienden como expresiones individuales aisladas, sino como formas de producción simbólica que operan dentro de sistemas complejos de significación. No reflejan un contexto: lo configuran, lo tensan, lo reescriben. Arts Visibilis VII no ofrece respuestas ni construye un relato estabilizador. Sostiene un territorio de preguntas donde la visibilidad deja de ser evidencia para convertirse en problema. En ese lugar, la exposición deja de funcionar como formato y se convierte en una forma de estar, de percibir y de pensar el presente sin reducirlo.

Artistas: Adele Razkövi · Alba Carrasco Caracuel · Anna Jonsson · Aseel Azizieh · Beatriz Constan · Berta Muñoz · Carmen Guardia · Carmen Sicre · Cecilia García Giralda · Celia Ortiz Buzarra · Esperanza Gallardo · Esperanza Romero · Eva León Fernández · Fatou D. · Gerda Van Damme · Ilona Tarch Marchik · Isabel Arroyo · Janine Kortz · Leticia Vázquez · Lilia Luján · Lourdes Mieres · Lucía Belda · Lucía Romero · Luz Ayersa · Manuela Malia · María Arjona Montes · María Balea · María del Mar Alcalá Andujar · María Dolores Gallego · María Flores Verdú · María Moreno · María Rodríguez Valdés · Marian Salas · Marta Lara del Río · Mizuho Nishibata · Nerea Cordeiro · Nina ICH · Pandora Apostoloska · Regina Carmona · Rosa Roedelius · Silvia Reneses · Soledad Flores · Teresa Esteban Gómez · Thais Vargas · Toña Gómez · Zoila Electra

Países: España · Japón · Brasil · Jordania · México · Rumanía · Macedonia · Austria · Suecia · Rusia · Argentina · Francia · Bélgica · Senegal.

CÁDIZ

CÓRDOBA

Julia Hidalgo, Humedales. El reino de las libélulas, Fundación Cajasol, Córdoba. Del 9 de abril al 10 de mayo de 2026.

La muestra, contiene 21 obras fruto de su fuerte conciencia sobre la necesaria preservación el medio natural y reconocimiento de la capacidad resiliente de la Naturaleza. La autora focaliza su atención en la fuerza regenerativa y el renacer de la vida que se genera en el fondo de los humedales y zonas encharcadas, capturando la esencia de estos ecosistemas vitales. Esta cita imprescindible con el arte y la ecología ofrece una visión única sobre la resistencia y belleza de nuestro patrimonio biológico.

Cristina Iglesias, Habitación vegetal III , C3A, Plaza pública, Córdoba.

La incorporación de Habitación vegetal III en el ciclo de ‘Plaza Pública’ continúa la línea de intervenciones en el espacio del museo que amplían la experiencia expositiva más allá de las salas. Esta línea de trabajo del centro reúne proyectos artísticos que dialogan con la arquitectura del edificio y buscan expandir la experiencia museística, ofreciendo a los visitantes la posibilidad de reconsiderar su propia percepción del espacio y su relación con las obras.

Haegue Yang, Ximenawa, C3A, Plaza pública, Córdoba. 

La artista Haegue Yang(Seúl, 1971) presenta ‘Ximenawa’ (2025), una instalación ubicada en el atrio de entrada del C3A que conecta lo ancestral y lo contemporáneo al recuperar técnicas tradicionales coreanas. La obra toma como referencia el ‘shimenawa’, una cuerda ritual de la tradición shintoista para delimitar espacios sagrados y simbolizar la protección espiritual. Yang reinterpreta este elemento dentro de su práctica escultórica contemporánea, creando un objeto que aparece como símbolo expandido y estableciendo un diálogo entre elrito, lo ancestral y la abstracción. Esta obra es una muestra de su investigación en torno al simbolismo ritual, la materialidad y la residencia cultural. La incorporación de ‘Ximenawa’ en el ciclo de ‘Plaza Pública’ continúa la línea de intervenciones en el espacio del museo que amplían la experiencia expositiva más allá de las salas. Esta línea de trabajo del centro reúne proyectos artísticos que dialogan con la arquitectura del edificio y buscan expandir la experiencia museística, ofreciendo a los visitantes la posibilidad de reconsiderar su propia percepción del espacio y su relación con las obras

Cecilia Bengolea, El ruido que habita, C3A, Córdoba. Del 27 de noviembre 2025 al 17 de mayo de 2026.

La artista multidisciplinar combinará obras producidas específicamente para la muestra, en formato de vídeo, ‘performance’ y esculturas de barro, con piezas existentes pertenecientes a los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Este proyecto conectará su interés por la danza, la materialidad y las tradiciones artesanales en una propuesta profundamente inmersiva.

GRANADA

Rosa Brun, A la sombra de La Roja, Crucero de Hospital Real, Granada. Del 24 de febrero al 28 de mayo de 2026.

Comisaria: Isabel Tejeda.

La exposición se inspira en el viaje del emperador Carlos V y su esposa Isabel de Portugal a Granada, un encuentro íntimo del que nació su hijo Felipe II. A partir de este episodio histórico, Rosa Brun construye una propuesta artística que evoca las ideas de memoria, poder, deseo y refugio, y sin abandonar su lenguaje abstracto característico dialoga con el crucero del Hospital Real, un edificio que conecta con la Alhambra, también conocida como “La Roja”. Fiel a su trayectoria neo-constructivista y postminimalista, la artista trabaja con la superposición de planos para generar espacios y zonas de penumbra, la geometría y, sobre todo, el color. El rojo, el negro y los tonos metalizados adquieren un papel central, inspirados tanto en la Alhambra como en los retratos imperiales de Tiziano, donde estos tonos simbolizan autoridad, espiritualidad y profundidad. La exposición reúne obras de distintas épocas que dialogan entre sí, formando una “constelación” más que una retrospectiva en la que las pinturas monumentales, esculturas e instalaciones transforman el espacio del crucero del Hospital Real mediante juegos de inclinaciones, sombras y volúmenes. Destaca la escultura 1×10 elevado a 32, una gran forma negra suspendida que evoca un agujero negro y remite al interés por el cosmos, lo sublime y lo infinito, temas presentes tanto en la obra de Brun como en la visión del mundo de Felipe II. En conjunto, la muestra invita a experimentar la pintura como un lenguaje expandido que integra color, materia, espacio y arquitectura, y que sigue explorando, desde nuevas formas, las posibilidades de la pintura contemporánea.

JAÉN

MÁLAGA

Joana Vasconcelos / Transfiguración, Museo Picasso, Málaga. Del 29 de mayo al 27 de septiembre de 2026.

Una propuesta que subraya la transfiguración como núcleo de la obra de esta artista, aludiendo a cómo Vasconcelos transforma y resignifica distintos ámbitos de la realidad. La exposición reúne una selección de piezas que permiten recorrer su trayectoria, desde obras de finales de los años 90 hasta creaciones recientes, ofreciendo una mirada renovada sobre su evolución artística. A través de esculturas e instalaciones monumentales, Vasconcelos explora la relación entre las tradiciones portuguesas y el arte contemporáneo, convirtiendo materiales cotidianos —como textiles, cerámicas o azulejos— en piezas que celebran el patrimonio cultural y la identidad colectiva desde una perspectiva crítica y transformadora. Entre las instituciones prestadoras destacan la Fondation LVMH pour la Création, el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), la Colección Luis Adelantado y obras procedentes del propio estudio de la artista. 

Tejiendo historias, La Coracha MUCAC, Málaga. Del 29 de abril al 27 de septiembre 2026.

Comisariada por Alicia Ventura.

La muestra reúne 48 obras de 39 artistas y propone un recorrido por las genealogías del arte textil femenino en España a partir de cuatro figuras clave —Aurèlia Muñoz, Teresa Lanceta, Pilar Albarracín y Elo Vega— que articulan un diálogo con 35 artistas contemporáneas, configurando un conjunto que revela la vigencia y expansión de los lenguajes textiles en el arte actual.

Concebida como un proyecto de investigación y de relaciones entre generaciones, la exposición toma como punto de partida la obra de estas cuatro autoras clave, cuyo trabajo contribuyó decisivamente a situar lo textil dentro del arte contemporáneo, desbordando una consideración históricamente vinculada a lo artesanal o al ámbito doméstico.

A partir de estas referencias, se presentan obras de María Alcaide, Mar Arza, Mercedes Azpilicueta, María Carbonell, Idaira del Castillo, Ana Esteve Llorens, Ela Fidalgo, Isabel Flores, Fuentesal Arenillas, Patricia Gómez y María Jesús González, Blanca Gracia, Carla Hayes Mayoral, Julia Huete, Irene Infantes, Inma Liñana, Valeria Maculan, Victoria Maldonado, Estefanía Martín, Asunción Molinos Gordo, Sonia Navarro, Lara Ordóñez, María Ortega, Elisa Pardo Puch, Gema Polanco, Sandra Paula Fernández, Maya Pita-Romero, Belén Rodríguez, Leonor Serrano Rivas, Laura Segura, Emmanuela Soria Ruiz, Anna Talens, María Tinaut, Sarah Viguer y Victoria Gil.

Lo textil ha constituido a lo largo de la historia un intercambiador de culturas, de sociedad, de transformación social y de revolución cultural, pero también ha sido siempre percibido como una tarea intensiva, lenta y minuciosa, y devaluado como labor doméstica femenina. Pero esto ya cambió hace unos años. El trabajo de artistas como las que tomamos de referencia abrió las puertas a la consideración de arte contemporáneo las piezas textiles realizadas por numerosos artistas. Esta muestra que proponemos es reflejo de ese espejo. La riqueza de las posibilidades técnicas y significativas demuestran la importancia de entender la tradición como una herramienta selectiva en la que investigar para recomponer sus relatos, más allá de un tiempo lineal de progreso y con la complejidad de las fibras que se entrecruzan en nudos, giros y cortes premeditados.

Aurora Ruiz, Con el viento baila las flores, Museo de Málaga, Málaga. Del 16 de abril al 7 de junio 2026.

Comisaria: Bea Espejo.

El Instituto Andaluz de las Artes Plásticas y Visuales presenta el proyecto seleccionado en la Convocatoria Iniciarte 2025 de la artista Aurora Ruiz.

Con el viento bailan las flores es un proyecto multidisciplinar, compuesta por pintura, escultura, video y trabajos sobre papel. Bajo la creencia de que el mundo no es solo lo que vemos, el proyecto rehuye la mimesis y en su lugar plantea un ejercicio de «re-cordis»: pasar de nuevo por el corazón, originando un espacio donde las obras se articulan entre el recuerdo y la intuición como principales vías de conocimiento. Este proyecto, que oscila entre lo íntimo y lo universal, propone imágenes que se manifiestan como un eco lejano de nuestra primera y única mirada al mundo. No de un mundo que fue, sino de un mundo que quiso ser. Volviendo el foco hacia ese territorio anterior al lenguaje, donde en nuestro afán por alcanzar el horizonte del decir, describíamos nuestra existencia por medio de códigos inventados, formas y colores, que aludían a la naturaleza a la par que la inventaban. De esta forma, los paisajes turbios, los cuerpos desdibujados y su instalación en la sala, construyen un territorio sensible que invita a la contemplación, al tránsito poético y a la lectura polisémica. Generando un ecosistema que, suspendido entre lo real y lo imaginado, borra la frontera entre el espectador y la obra.

Violeta López, El camino cuenta, La Térmica, Málaga. Del 26 de marzo al 24 mayo de 2026.

El camino cuenta de Violeta Lópiz, es un recorrido por las raíces de su obra. Una obra que, en el ámbito de la ilustración, suele considerarse aquel trabajo que acaba siendo publicado, el que sale del cuaderno y ve la luz para ser reproducido en forma de libro, aunque en realidad sea mucho más que eso. Para Violeta, cuyo proceso de trabajo es extremadamente exigente y nada autocomplaciente, la verdadera obra, la que mejor refleja su personalidad y esencia como artista, no es tanto esa producción que acaba siendo publicada como la que se queda descartada por el camino. De un volumen considerablemente mayor, está conformada por un reguero de ideas, bocetos, pruebas y dibujos, muchos de ellos perfectamente acabados, que se quedan a las puertas de ser reproducidos en un soporte, generalmente el papel. Obras que, en palabras de la ilustradora, muchas veces resultan más interesantes que el dibujo final. Mi camino es el trabajo, el trabajo lento, a veces inseguro. Ese es mi método de creación. Repetir, dudar, corregir, seleccionar lo que sí, quitar lo que no, pensar el ritmo, los silencios, el paso de una página a otra. Se necesita mucho tiempo y trabajo para construir una manera de contar con dibujos. El camino cuenta es un acercamiento al oficio de la ilustración a través de una selección de proyectos clave en la trayectoria de la artista merecedora del Premio Nacional de Ilustración 2025 —entre ellos Les Poings sur les iles (Éditions du Rouergue, 2011); The Forest (Enchanted Lion, 2018) ilustrado junto a Valerio Vidali; o La verdadera historia de la rata que nunca fue presumida (Las malas compañías, 2020)—. La exposición revela así lo oculto, lo que estaba por naturaleza condenado a permanecer en la oscuridad de una carpeta o de un cuaderno cerrado, tal vez para siempre. Esas piedras invisibles que sostienen toda la obra, las columnas y arcos bajo el puente. Lo esencial. El camino. Un paseo a través de los pensamientos, las dudas y el desbordante proceso creativo de Violeta Lópiz. Violeta Lópiz (Ibiza, 1980) es ilustradora de libro álbum y vive entre la península y Perú. Su obra explora las posibilidades narrativas de la imagen a través del riesgo, la síntesis y la experimentación. Ha ilustrado más de veinte libros, presentes en diez idiomas y en mercados internacionales, y ha expuesto en España y Corea del Sur. Combina la creación con talleres de ilustración y creatividad, y su trabajo ha sido reconocido por instituciones como The New York Times y la Bienal Ilustrarte. En 2025 recibió el Premio Nacional de Ilustración de España.

Irene González, Si recordar fuera olvidar, La Térmica, Málaga. Del 19 de marzo al 24 de mayo de 2026.

Irene González presenta Si recordar fuera olvidar, título tomado de un poema de Emily Dickinson que encierra una paradoja eterna: recordar no como persistencia, sino como disolución; no como archivo estable, sino como umbral en fuga. En el trabajo de Irene González (Málaga, 1988), esta tensión entre memoria y pérdida se convierte en núcleo generador. El dibujo, ejecutado con una atención plena y una lentitud radical, actúa como un gesto de recuperación imposible, un intento afectivo de fijar lo que ya se ha desvanecido. Como en la frase de Dickinson, cada imagen suya parece recordar para poder olvidar; o más aún: para revelar que olvidar es también otra forma de recuerdo. La práctica artística de Irene está marcada por la pausa, por el trazo delicado que no repara en la urgencia. Frente a la inmediatez del presente hiperdigitalizado, su obra es una resistencia silenciosa, una forma de rebeldía. Frente al estrépito, el murmullo. Frente al exceso, la elipsis. Frente a la acumulación, el fragmento. Frente a la hiperconectividad, la intimidad de una mano que dibuja. En este sentido, su trabajo se construye como un acto de observación y de espera. Lo que parece frágil —ese mundo de líneas ligeras, de papeles que velan y desvelan— se revela sólido en su método, en su atención a lo mínimo, en la manera en que el tiempo se encarna en cada pliegue, en cada silencio visual. Trabajar con esos temas como punto de partida le interesa y le permite ir profundizando en cuestiones como la narrativa de las imágenes, su repetición, la cita, el fragmento, la relación de una imagen con el espacio en blanco del papel, los maravillosos encuentros inesperados… Esos encuentros donde el tratamiento de la secuencia y el espacio suspendido en el tiempo enlazan su trabajo con el lenguaje cinematográfico. Irene González (Málaga, 1988) es artista visual licenciada en Bellas Artes (2011) y con Máster en Dibujo: Creación, Producción y Difusión (2012) por la Universidad de Granada. Su obra, centrada en el dibujo, explora el tiempo, la memoria y la melancolía con una sensibilidad poética. Ha expuesto de manera individual proyectos como Lo personal y lo lejano en Galería Silvestre (Madrid, 2023). También ha participado en ferias como Drawing Now Paris con Galería Silvestre. Vive y trabaja en Madrid.

Marisa Flórez, Un tiempo para mirar (1970-2020), MEET (Málaga Espacio Expositivo Tabacalera), Tabacalera, Málaga. Desde 18 de noviembre 2025 al 30 de mayo de 2026.

Comisaria: Mónica Carabias.

Reúne parte de su extensa obra y recorre cinco décadas de historia reciente de España a través de la fotografía. Sus instantáneas documentan una época de profundas transformaciones en la sociedad española y reflejan la dignidad de las personas que protagonizaron la transición hacia la democracia. La exposición tiene como principal objetivo descubrir al público una obra fotográfica repleta de momentos sorprendentes y acontecimientos decisivos en nuestra historia reciente a los que dedicar un tiempo para mirar: protagonistas populares reconocibles de la sociedad, del espectáculo, del arte y de la cultura; la inauguración de la primera legislatura democrática; el devenir de los acontecimientos sociales, como la vida en las cárceles, los atentados o las primeras manifestaciones. La selección muestra una representación de la nueva identidad cultural de la España democrática, que incluye personajes del mundo de la política, el arte y la cultura como Margaret Thatcher, Adolfo Suárez, Lola Flores o Julio Iglesias. Asimismo, reúne instantáneas que dan fe del inicio de la vida parlamentaria nacional, así como retratos de los presidentes del Gobierno en su vida alejada de lo oficial. El tiempo del cambio de la dictadura a la democracia, con las primeras manifestaciones, los atentados terroristas o sucesos como la intoxicación masiva por colza, junto a una galería de rostros de intelectuales de todos los campos, como Pedro Almodóvar, Luis Buñuel, Pilar Miró o Annie Leibovitz, también forman parte del recorrido. La llegada del Guernica La exposición cuenta con un hito en la historia de España: el momento en el que el arte se hace política con la llegada del Guernica, el último exiliado. Fue el 10 de septiembre de 1981, siete meses después del intento de golpe de Estado del 23-F protagonizado por el teniente coronel Antonio Tejero, cuando la obra más icónica de Picasso –realizada en 1937– llegó al aeropuerto de Barajas. El presidente Adolfo Suárez y Landelino Lavilla encargaron a Álvaro Martínez-Novillo, subdirector general de Bellas Artes, supervisar esta operación en el más absoluto secreto, con la ayuda del diplomático Rafael Fernández Quintanilla. El regreso del Guernica fue posible gracias a la ratificación de la nueva Constitución, la convocatoria de las primeras elecciones democráticas y al hecho de que la obra pertenecía al Estado español. El retorno de esta pieza, en la que el artista malagueño representó los horrores de la guerra civil y los bombardeos de la aviación fascista alemana sobre la población civil de Guernica el 26 de abril de 1937, marcó el final del proceso político de la Transición. Guernica simbolizaba la defensa de la democracia y la derrota del fascismo. El cuadro se envió desde el MoMA de Nueva York, donde se desmontó, se enrolló y se guardó en un contenedor especialmente fabricado para su transporte. Llegó acompañado de unas 70 obras –dibujos, grabados y otros óleos temáticamente relacionados– que habían viajado junto a él a Estados Unidos, formando un conjunto indivisible. Guernica se exhibió en el Casón del Buen Retiro de Madrid hasta el 26 de julio de 1992, cuando fue trasladado al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Testigo directo de aquel acontecimiento, Marisa Flórez lo relata así: “Dadas las estrictas medidas de seguridad, llegué al aeropuerto con bastante antelación. Había presencia de seguridad por todas partes. Una vez en la pista, nos condujeron a la terminal de carga. Había un revuelo mediático impresionante. El ambiente oscilaba entre la ansiedad y la expectación por lo que estábamos a punto de presenciar. Se abrieron las puertas de la bodega y apareció una caja de madera. La multitud estalló en aplausos; supongo que era una mezcla de nervios y emoción, y acto seguido el convoy se dirigió al Casón. Lo seguimos en moto –yo iba de paquete–, lo cual no fue fácil con toda la escolta. Intenté hacer varias fotos del cortejo desde los puentes de la autopista. Fue un espectáculo realmente notable, porque era el tipo de comitiva que normalmente escolta a un jefe de Estado. Era la primera vez que la Guardia Civil custodiaba una pintura dentro de un museo en España”. 

Cinco décadas de oficio respaldan el trabajo de la fotoperiodista Marisa Flórez (León, 1948). Inició su carrera en 1971 en el diario Informaciones y la desarrolló en El País entre 1976 y 2012 como fotorreportera, redactora jefa y editora gráfica, donde supo combinar con elegancia y sencillez, en perfecto equilibrio, la creación artística y el sentido documental de la fotografía. Su trayectoria profesional ha sido reconocida con varios galardones: el Premio Nacional de Periodismo Gráfico (1981), el Premio Piedad Isla (2015), la Insignia de Oro de la Asociación de Informadores Gráficos de Prensa y Televisión de La Rioja (AiG) (2018) o el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2024).

Anna Pávlova, Museo Ruso de Málaga. Del 20 de mayo 2025 al 22 de mayo de 2026.

Anna Pávlova (1881–1931) sigue siendo una de las figuras más célebres e influyentes de la historia del ballet. Su nombre es sinónimo de gracia, arte y una dedicación inquebrantable a su oficio. Esta exposición rinde homenaje a la extraordinaria vida de Pávlova, centrándose en sus pioneras giras internacionales que acercaron el ballet a públicos de todo el mundo, mucho más allá de los teatros tradicionales de Europa y Norteamérica. Nacida en San Petersburgo (Rusia), el camino de Pávlova hacia la fama comenzó en la Escuela Imperial de Ballet, donde se formó bajo la tutela del legendario Marius Petipa y de otros bailarines y profesores famosos de su época. A pesar de que le decían que no tenía el cuerpo «ideal» para ser una bailarina, Pávlova desafiaba todas las expectativas gracias a su precisión técnica y a una expresividad inigualable. Su papel decisivo en The Dying Swan (La muerte del cisne), coreografiado por Michel Fokine, se convirtió en una pieza emblemática que cautivó al público por su conmovedora belleza y su profundidad emocional. En 1920, después de una ausencia de más de cinco años, Anna Pávlova volvió a actuar en Inglaterra. A pesar de haber realizado giras extraordinarias por casi todos los países de Norteamérica y Sudamérica y de su participación en Hollywood en la película La muda de Portici, Anna estaba nerviosa ante la reacción del público, cuyos gustos habían cambiado tras la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, después de su actuación, el periódico The Times escribió: «Madame Pávlova sigue siendo Pávlova, la incomparable. Hay otros grandes bailarines. Pero Pávlova solo hay una». Durante la década siguiente, hasta su repentina y trágica muerte, fue la estrella mundial de su época, eclipsando a todos los demás actores, bailarines y políticos famosos. Esa fama fue fruto de un arduo trabajo y de una gran dedicación a su oficio. Desde sus primeras giras hasta las últimas, la entrega ilimitada y abnegada a la belleza y la armonía llevó a esta gran bailarina a cruzar mares y continentes. En esta exposición el visitante encontrará programas poco comunes publicados en los rincones más diversos del planeta. Recortes de periódicos y revistas de la época los sumergirán en aquel tiempo en que el ballet apenas empezaba a conquistar el mundo y la incomparable Anna logró convencer a cientos de miles de personas de que el arte puede unir culturas y generaciones.

SEVILLA

 

ARAGÓN

HUESCA

TERUEL

ZARAGOZA

Belén Arévalo Rodríguez, A-Pariciones, Torreón Fortea, Zaragoza. De 4 de marzo al 10 de mayo de 2026.

Una exposición en la que tenemos que distinguir entre dos conceptos: ver y mirar. Lo realiza mediante el uso experimental de la reproducción de la imagen fotográfica derivándola a la instalación escultórica, produciendo objetos que ponen en juego sus posibilidades asociativas y su capacidad para generar nuevos significados. La exposición, seleccionada en la convocatoria de proyectos expositivos del Ayuntamiento de Zaragoza, combina la fotografía con la luz y las sombras, en un movimiento constante en la que ambas conversan. Estas fotografías son una pequeña ventana a la vida de la artista dado que son imágenes realizadas durante sus viajes. Hallazgos y experiencias en las que su mirada encontró un lugar, proponiendo un paseo por la naturaleza, a través de la luz, de la memoria, de los sentimientos y las emociones. Estas imágenes capturadas, se plasma en distintos tipos de pared, vinilos y planchas de hierro galvanizado para, en unos casos a través del plegado y el doblado y en otros mediante la transformación cilíndrica, obrar la aparición del volumen y, a través de él, introducir la consecuencia de las sombras y la translucidez. Esta propuesta está dividida en dos partes, con un total de 40 obras. Por un lado, las imágenes plegadas sobre papel y metal que se muestran flotando sobre las paredes en las que el juego de la luz y la sombra es el protagonista. Una instalación realizada con imágenes sobre papel sulfurizado y colocadas a modo de luminarias cilíndricas, colocados en el suelo y paredes que deriva en una coreografía de luz añadiendo un material primigenio: el cobre, que suma al paisaje fotográfico el concepto de origen. En la segunda parte, tenemos un paseo por sus fotografías, en las que a través del collage fotográfico nos muestra otros mundos. En estas salas, el movimiento de los visitantes creará un juego de luces y sombras gracias al cual podremos ver cómo las imágenes cobran vida y cambian mediante la conversación con la luz. Una simbiosis entre el espacio, el objeto, la luz y el espectador, que se ve implicado en la obra.

 

ASTURIAS

AVILÉS

BALEARES

MALLORCA

 

Ester Partegàs, Arquitectura menor, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 29 de enero al 5 de julio de 2026.

Comisaria: Bea Espejo.

La exposición de Ester Partegàs, pensada conjuntamente para Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma y el Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, supone una amplia revisión de su trabajo desarrollado durante las tres últimas décadas. Lejos de una mirada retrospectiva, lo que propone es un recorrido circular donde entrelazar unas obras con otras, abriendo un diálogo poroso y permeable entre ellas. La máxima de la artista, que dice no saber estarse quieta a nivel creativo, sirve de metáfora del tono que persigue esta muestra: un itinerario lleno de gestos y balanceos, de equilibrios y resistencias, de giros y brincos, de idas y vueltas. Asimismo, la exposición mira de cerca la idea de historia menor, los pequeños gestos, las acciones mínimas, las tradiciones bastardas, las audiencias limitadas o los encuentros fortuitos con ciertos materiales culturales. Con una disposición que puede llegar a recordar un gran parque arqueológico, la muestra busca generar ese espacio de tensión que hay en sus obras, ya sea por el juego de escalas o por las contradicciones intrínsecas en su trabajo. Una tensión que es, a su vez, el espacio de inquietud vital y filosófico de la artista. Un espacio libre, placentero y especulativo, que le permite cuestionar lo que asumimos como real. «Arquitectura menor» pone el foco, pues, en esa arquitectura vernácula y sin pedigrí, producida por la actividad espontánea, ese arte de construir como fenómeno universal que supone un statement para la artista y que conecta con lo marginal, lo imaginal y lo femenino. Si en sus primeros trabajos Ester Partegàs miraba tableros, contenedores, eslóganes, papeleras, etiquetas, códigos de barras o titulares de revistas, hoy mira cestos, tumbas, puentes, termas, hitos, criptas, bolsillos o acueductos. Como la arquitectura animal, sus construcciones hoy son hacia dentro, entre el escondite y el refugio, y recogen todos esos gestos del cuerpo que no han podido ser valorados o que no tienen una tradición arquitectónica digna. Desde ese lugar puede leerse Acueducto (2025), la gran instalación que la artista hace ex professo para la exposición, utilizando algunos de los objetos de la artesanía mallorquina, como sillas, ollas y platos. En ella, como en sus trabajos más recientes, piensa el interior de la escultura que aparece escondido pero susceptible de ser ocupado. Asimismo, dos grandes dibujos siguen la estela de sus knead, penetrate, let go (2022-2023) y siguen creciendo en tamaño, esta vez para hacerles un guiño a los talayots, construcciones prehistóricas tan características y abundantes en Menorca y Mallorca. Sus pilas de trozos de pan devienen aquí grandes paredes llenas de agujeros. Una mirada al tiempo arqueológico y, a la vez, un reconocimiento a todo lo que empieza. «Arquitectura menor» se completa con un catálogo que invita a adentrarse en la trayectoria de la artista y la singularidad de su producción a lo largo de las tres últimas décadas. Los textos de Martin Herbert, Pilar Bonet y Michael Taussig se suman al de la comisaria para ese análisis.

Fiona Rae, Vista, Es Baluard, Palma de Mallorca. Del 29 de enero al 23 de agosto de 2026.

Comisaria: Carolina Grau.

«Vista» es la primera exposición individual de Fiona Rae que se celebra en España. La muestra ofrece una selección de obras creadas por esta artista británica a lo largo de las tres últimas décadas, algunas de ellas pertenecientes a colecciones tan destacadas como las del Tate Museum y la Fundació ”la Caixa”, junto con un reciente depósito a Es Baluard Museu por parte de la Fundación Barrié. El título no solo invita a imaginar un futuro posible, sino que sugiere, no sin cierta ironía, que nos acerquemos a las piezas como si fueran hermosas vistas, enmarcadas por unas salas expositivas abiertas, que permiten observarlas desde múltiples y privilegiadas perspectivas. Asimismo, la exposición establece un diálogo entre obras de diferentes períodos, y ofrece un escenario en el que contemplar la evolución del singular lenguaje pictórico de Rae y de sus exploraciones del reino de la abstracción. A lo largo de las últimas cuatro décadas, Fiona Rae ha desarrollado un cuerpo de obra característico, rebosante de inquieta energía, humor y complejidad, que desafía y expande las convenciones de la pintura moderna. Los grandes lienzos abstractos de Rae juegan con conceptos como la legibilidad, lo imaginario y lo figurativo, con unas controladas pero improvisadas composiciones que transmiten una sensación de inestabilidad e incluso de elegante desorden. Las obras se inspiran claramente en la experiencia contemporánea y en la evolución del arte y la cultura, con influencias que van desde los grabados de Durero, la caligrafía china, el expresionismo abstracto y el pop art hasta el diseño gráfico, la moda, el cómic y los videojuegos. Rae trabaja en series, que siempre parten de una idea o de un conjunto de pautas conceptuales que, a continuación, la artista explora para crear unas piezas que responden al contexto cultural de su entorno con poderosas resonancias emocionales e intelectuales. Cada serie podría ser alguna forma de desarrollo de las anteriores ideas o bien una propuesta totalmente distinta. En esta exposición encontramos ejemplos de varias de esas series, desde finales de la década de 1990 hasta hoy. A finales de los noventa, Rae comenzó sus cuadros «Black & White», en los que unos discos de colores vivos salpican un fondo en blanco y negro, a la vez que la superficie se ve dinamizada y alterada por pinceladas también en blanco y negro y en constante movimiento. Luego llegó la serie «Black», que sugiere un escenario de ciencia ficción y combina el hermetismo reglamentado del fondo con pinceladas repletas de sensualidad y movimiento. En la década de 2000, Rae inauguró una nueva forma de trabajar al empezar a proyectar los elementos geométricos de sus cuadros mediante Photoshop. En las piezas de «Fufanu» observamos un universo pictórico conectado con la pantalla del ordenador, la cual refleja en sus análogos plásticos muchas de las nuevas convenciones visuales propias de la generación digital. Rae siguió estas mismas ideas en la serie «Font», y en 2004 expandió su léxico para incluir imágenes de cómic entremezcladas en un universo de pintura abstracta cuya condición se mantenía enigmáticamente ambigua. Las dos series resultantes, «Font, Image, Pour» y «Panda», destacan por sus paletas llamativas, que se desbocan por la superficie en composiciones iconoclastas, tan líricas como alegres. Tal como sugieren los títulos de las series «Greyscale» y «Pastel», sus obras se basan en unas paletas de colores específicas y en imaginarios desenfrenados de cómics para centrarse solamente en las posibilidades expresivas de la pincelada. Cada cuadro sugiere una figura etérea evocada mediante arabescos, vapores y movimientos quiméricos. También encontramos tres dibujos de carboncillo, realizados junto con las piezas de «Greyscale» e inspirados en una visita al Victoria and Albert Museum de Londres para ver el manuscrito chino del siglo xiii «Nueve dragones», de Chen Rong. Con la serie posterior, «Abstracts», Rae llevó aún más allá su exploración de las consecuencias evocadoras de las pinceladas minimalistas y de las armonías cromáticas. La última serie de Fiona Rae, «Word», experimenta con frases capturadas en lienzos como una investigación en curso de la naturaleza de la abstracción y el lenguaje. La artista empezó a interesarse por la literatura muy pronto, y estudió Inglés en la universidad antes de dejarlo por la escuela de arte. Su intención no es ilustrar el significado o la emoción de las frases, sino que crea unas composiciones alborozadas y risueñas, cuyos caracteres tipográficos se han liberado de su función inicial. Las letras se entrecruzan, se funden, se evaporan e incluso colisionan hasta generar estallidos de energía pictórica; en palabras de la propia Rae, «Espero sacar a la luz imágenes y significados nuevos e inesperados.»

 

CANARIAS

LANZAROTE

LAS PALMAS

Art al Quadrat, Memorias colectivas/Represiones cotidianas, San Antonio Abad/CAAM, Las Palmas. Del 19 de marzo al 30 de agosto de 2026.

En Memorias colectivas/Represiones cotidianas, Art al Quadrat propone un cuerpo de obras que se articula como un proceso de investigación artística sostenido en el tiempo, donde memoria, archivo y acción se entrelazan para cuestionar los mecanismos, visibles e invisibles, de la represión normalizada. El proyecto se sitúa en un territorio de fricción entre lo íntimo y lo público, activando relatos silenciados que atraviesan la historia reciente y que se filtran, aún hoy, en los gestos más cotidianos. La exposición reúne videoinstalaciones, fotografía, instalación sonora y propuestas participativas que abordan la transmisión intergeneracional del trauma, especialmente vinculada a la violencia ejercida sobre los cuerpos y las identidades durante la dictadura franquista. Obras como Yo soy. Homenaje a las mujeres rapadas del franquismo o De Coros, danzas y desmemoria evidencian cómo determinadas prácticas de control y disciplina se integraron en la cultura popular, naturalizando la humillación, la obediencia y el olvido. Frente a ello, las artistas despliegan estrategias de resignificación que devuelven agencia a quienes fueron desposeídas de su voz. El uso del cabello, la repetición del gesto, la activación del archivo o la implicación directa de otras personas en acciones colectivas convierten la memoria en un espacio vivo, compartido y en permanente construcción. No se trata de ilustrar el pasado, sino de interpelar el presente, de mostrar cómo aquellas represiones siguen operando bajo formas aparentemente inofensivas, inscritas en tradiciones, rituales y dinámicas sociales asumidas como normales. La práctica colaborativa de Art al Quadrat durante más de dos décadas refuerza una ética del trabajo basada en el cuidado, la escucha y la insistencia. Memorias colectivas/Represiones cotidianas invita a que cada persona asuma una posición activa, a reconocerse dentro de estas cartografías de recuerdo y desmemoria, y a comprender que toda memoria es política. Solo desde su revisión crítica es posible imaginar otros relatos, otras formas de relación y otros futuros compartidos.

TENERIFE

Cabello/Carceller, Notas al pie, TEA Tenerife Espacio de las Arte. Del 17 de abril al 5 de julio de 2026.

Comisariado: Sergio Rubira con Daniasa Curbelo.

En Notas al pie, Cabello/Carceller se sitúan en ese lugar incómodo en el que la historia, cuando es leída contracorriente, empieza a deshacerse, dejando ver no tanto lo que pretendía contar como aquello que se había quedado fuera, lo que no llegó a integrarse en el relato, ese que reclamaba escribirse con mayúscula. Lo que quedaba entrelíneas, al margen o reducido a las notas, sin embargo, resiste y desafía a aquello que se quería imponer como único. No se trata de recuperar figuras olvidadas en un gesto que las devolvería intactas al discurso -como si eso fuera posible-, sino de evidenciar cuáles fueron las condiciones mismas de su borrado, mostrar los mecanismos que hicieron que desaparecieran, obligando, al mismo tiempo, a no dar por hecho ni lo aprendido ni aquello que, a fuerza de repetirse, ha terminado por construirse como natural. Céspedes, Erauso o Agustina González, protagonistas de algunos de los proyectos aparecen así como lo que Carla Lonzi denominó “sujetos imprevistos”: vidas que ya en su tiempo desbordaban cualquier intento de clasificación, identidades múltiples, inestables, contradictorias, que no podían fijarse sin violencia y que, precisamente por ello, resultaban problemáticas para un pensamiento dominado por lo binario que necesita nombrar, etiquetar y clasificar. Es en esa imprevisibilidad -en esa resistencia a dejarse atrapar en una categoría- donde se abre la posibilidad de que se piensen hoy como parte de una probable genealogía trans, que va más allá, que está en movimiento constante, en tránsito, y que no se articula como continuidad, ni como origen, sino como una serie de desplazamientos, de interrupciones, de ecos que se activan desde el presente. En este sentido, la nueva producción, El jardín imposible de Tefía, Prólogo para un campo de concentración, sobre la infame colonia penitenciaria establecida durante la dictadura en Fuerteventura, añade una desviación necesaria, porque desplaza esa genealogía hacia un pasado reciente -y anuncia un futuro que aterroriza- en el que los dispositivos de control no son una excepción, se muestran como parte de una lógica persistente, la misma que actúa en Donde todos son culpables, nadie lo es (After Hannah Arendt), que busca corregir, disciplinar y violentar las vidas que se sitúan fuera de la norma impuesta. Estas obras no completan la historia, porque existen múltiples historias. Tampoco se limitan a ocupar sus márgenes, sino que la amplían. Como notas al pie que, al ser leídas, obligan a volver sobre el texto que se daba por principal, exigen releerlo, fuerzan a desconfiar de él, lo vuelven sospechoso, introducen un giro que altera su sentido y hacen visible una memoria que no termina de fijarse.

 

CANTABRIA

Marisol: Cuando todo está por comenzar. Dibujos de 1949 a 2016, Centro Botín, Santander. Del 23 de mayo al 25 de octubre de 2026.

Es la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol, con más de 100 obras que abarcan desde los años cincuenta hasta su muerte, presentados junto con una selección de esculturas -que amplían su práctica del dibujo hacia lo tridimensional-, materiales del archivo de la artista y varias de las películas de Warhol en las que Marisol es protagonista. La amplia selección de obras, procedente en su gran mayoría de la colección del Buffalo AKG Art Museum, pone de relieve el dibujo como el hilo más constante en la carrera de Marisol, el medio a través del cual entretejió sus preocupaciones globales, incomodidades privadas y ficciones imaginativas en el desarrollo de su práctica.

El título evoca el comentario del galerista Leo Castelli a Marisol a finales de los años cincuenta, cuando la artista dejó los Estados Unidos tras su exitosa presentación en la galería en Nueva York de Castelli —«¿Cómo puedes marcharte ahora, cuando todo está por comenzar?»—. La frase también resuena con sus posteriores decisiones de retirarse del centro del mundo del arte en momentos clave de su carrera, tras los cuales su obra reemerge profundamente transformada.

 

Yuko Mohri, Entrelazamientos, Centro Botín, Santander. Del 28 de marzo al 6 de septiembre de 2026.

Comisariado: Bárbara Rodríguez Muñoz en el Centro Botín y Fiammetta Griccioli con Vicente Todolí en Pirelli HangarBicocca.

Yuko Mohri (Kanagawa, Japón, 1980) es conocida por sus composiciones intrincadas y originales, recientemente presentadas en el Pabellón de Japón de la 60ª Bienal de Venecia (2024). Inspirada en Marcel Duchamp (1887–1968), Mohri crea esculturas cinéticas específicas para el espacio expositivo que incorporan objetos encontrados, así como instrumentos musicales intervenidos y conectados a circuitos electrónicos. Sus obras responden a fenómenos imperceptibles, transitorios y efímeros, como la gravedad, el magnetismo, el calor y la humedad. Elementos ambientales aleatorios e inestables —como el aire, el polvo, los restos y la temperatura— configuran sus ensamblajes, transformándolos en ecosistemas orgánicos donde el componente sonoro es central. Entralazamientos es, hasta la fecha, la exposición individual más extensa de Yuko Mohri en una institución europea. El título evoca los vínculos invisibles y las complejas interacciones que existen entre objetos, fuerzas, sonidos y personas. La muestra explora cómo cada elemento pertenece a un sistema interconectado en el que nada actúa de manera independiente y todo forma parte de una vasta red de relaciones en constante evolución. Las esculturas delicadamente equilibradas de Mohri revelan la complejidad latente de las estructuras naturales y artificiales que constituyen nuestro mundo y el flujo constante de energía que nos rodea. A través de los materiales que emplea, Mohri introduce una sutil ironía y una dimensión lúdica casi oculta, recurriendo a referencias culturales que van de la filosofía a la cultura pop, así como a influencias iconográficas y sonoras que abarcan desde el arte cinético hasta la experimentación sonora.

 

CASTILLA-LA MANCHA

CIUDAD REAL

CUENCA

 

CASTILLA Y LEÓN

ÁVILA

BURGOS

María Castellanos y Alberto Valverde, Cartografías afectivas para el simbioceno, CAB Burgos. Del 2o de febrero al 7 de junio de 2026.

María Castellanos y Alberto Valverde, comienzan a trabajar como dúo artístico en 2009. María Castellanos es artista, doctora en Bellas Artes e investigadora especializada en tecnologías corporales y ecologías híbridas, Premio Leonardo BBVA y exinvestigadora postdoctoral en OsloMet. Alberto Valverde es artista y programador creativo, con amplia trayectoria en proyectos que conectan biología, sonido y sistemas algorítmicos. Ambos tienen su estudio en Gijón, Asturias. Cartografías explora nuevas formas de convivencia entre humanos, abejas y sistemas tecnológicos, proponiendo una mirada no antropocéntrica sobre la ecología contemporánea. En sintonía con el horizonte del Simbioceno, que imagina futuros basados en la cooperación interespecies y la interdependencia planetaria, el proyecto invita a escuchar y observar otras inteligencias, otros ritmos y modos de organización que cuestionan la centralidad humana en la construcción del mundo que habitamos. Las obras despliegan un ecosistema sensorial donde vibraciones, datos y señales provenientes de la colmena se traducen en imágenes y sonidos. Estas transformaciones —mediadas por sensores y sistemas de inteligencia artificial— no buscan explicar ni domesticar lo no humano, sino abrir espacios de atención y cuidado hacia formas de vida cuyo lenguaje apenas comenzamos a comprender. La exposición incorpora instalaciones sonoras, archivos expandido y entornos de escucha aumentada que convierten el espacio del CAB en un lugar de encuentro entre organismos y máquinas. Aquí, la tecnología no se presenta como instrumento de control, sino como mediadora parcial entre mundos que coexisten sin compartir necesariamente los mismos tiempos ni escalas de percepción. Cartografías propone pensar la ecología como una red de relaciones sensibles y dinámicas, donde cada cuerpo —humano, animal o artificial— participa en un tejido común. El proyecto sugiere que aprender a escuchar, interpretar y responder a estas presencias múltiples puede inaugurar modos de cohabitación basados en la interdependencia y la responsabilidad compartida.

 

LEÓN

Kimia Kamvari, Anverso y reverso, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, Cerezales del Condado, León. Del 22 de marzo al 14 de junio de 2026.

Hace mucho tiempo que las vacas van y vuelven ante nuestros ojos. Tanto, que hace más de cuarenta siglos alguien, después de observarlas, dejó escapar un sonido parecido al de una a moderna y dibujó la cabeza de una vaca sobre una tablilla de arcilla. Con el giro del tiempo, y con los de la Tierra, esa cabeza dibujada, además de servir para contar más cabezas de vacas y nombrarlas, al rotar sobre su eje nos dio la primera letra del alfabeto, la A. Los fenicios, los griegos y los hebreos también conocen esta historia, está dibujada en su alfa α y en su aleph .א En todo lo escrito existe desde entonces más de una cara, y cada A guarda en su memoria profunda una tecnología destinada a contar cabezas, separar cuerpos y repartirse el mundo. Kimia Kamvari (Colonia, 1986) ha seguido el rastro de sonidos, tablillas y escrituras hasta el presente. Ha encontrado la traza del animal en materias extraídas por los mercados, como la galalita, obtenida de la caseína de su leche, emparentada con plásticos y petróleo. Lo ha acompañado en idas y vueltas enlazadas, según roturan la tierra las parejas de bueyes hasta darle, surco a surco, forma de bustrofedón –así llamaron en la Grecia antigua a los renglones sobre el suelo que ara el buey–. También lo ha buscado en el anverso y reverso de pergaminos medievales conservados en el archivo de la Catedral de León, hasta hallar lugares recogidos en ellos que describen donaciones, tributos, compraventas o sanciones, y ha fotografiado esos lugares en el presente. Cada uno de esos pergaminos indexados, anotados y sellados, es testigo material de cuerpos animales, de innumerables vacas. Muestran la propiedad humana de la tierra, inscrita sobre la piel de otras especies y a costa de otras materias. Su espesor es la imagen de una distancia frente al mundo, interpone con él una tecnología: la de pantallas –superficies sobre las que fluyen transacciones, código y textos–, con cicatrices todavía visibles en ellas, que alejan las materias entre sí y las transforman en productos. Anverso y reverso ocupa la sala de exposiciones de FCAYC a partir de la idea de gravedad y con forma de una malla que se extiende en el plano central del espacio. La intervención, un elemento único, integral y continuo, contiene pergaminos, fotografías, objetos, vídeo y sonido con un sentido escultórico. La artista irradia energía en el espacio apoyada en una nota tenida, profunda y densa —Sol (G en la notación anglosajona)— y lo hace vibrar. Esta presencia simbólica de lo solar en la obra introduce las tensiones y ambivalencia del término. Alude a tierras que fueron aisladas de un cosmos –los solares recorridos en la investigación– y también a un astro cuya magnitud lo representa y desea reunirlas en él. Conduce hasta nuestro tiempo la antigua imagen persa del siglo XIII que muestra el planeta sostenido a lomos de una vaca y hace de ambos, planeta y vaca, uno. Resonancias en el tiempo y en el espacio– gāv, vaca en persa, comparte raíz con geo (γῆ, gē), tierra en griego– prolongadas sobre la nota G, Sol, sobre pergaminos y sobre galalita, y quedesignan aquello cuya fertilidad reúne, alimenta y da cuerpo al mundo.

Yoko Ono, Insound and Instructure, MUSAC, León. Desde 8 de noviembre 2025 hasta el 17 de mayo de 2026.

Una ambiciosa exposición que recorre, a través de 70 obras, la trayectoria de la artista desde los años 60 hasta la actualidad. Más de 1.700 metros cuadrados de exposición celebrarán la relevancia y trascendencia de la obra de esta artista pionera del arte conceptual y participativo, el cine y la performance, música y activista por la paz mundial. El título de la muestra tiene su origen en un concierto y exposición de Yoko Ono que tuvo lugar el 20 de julio de 1964, a las 6 de la tarde, en Yamaichi Hall de Kyoto. Ambos términos se refieren a la forma en que Yoko Ono integra sonido e instrucción en su práctica artística. El punto de partida de muchas de las obras de Ono se encuentra en las ‘Instrucciones’, obras en formato de texto que invitan al lector a imaginar, experimentar, realizar o completar la pieza. Las ideas, y no los materiales, son el principal componente de la práctica de la artista. La muestra incluye la amplia variedad de técnicas con las que ha trabajado Yoko Ono, desde la performance, el cine, la música, la instalación, la pintura o la fotografía. Entre la selección de obras realizada están algunos de sus trabajos más reconocidos, entre ellos piezas icónicas de los años 60 como ‘Cut Piece’ (1964), ‘Voice Piece for Soprano’ (1961) o ‘Draw Circle Painting’ (1964), que requiere la participación del público para realizarse. Esta participación de la audiencia supone una de las cuestiones singulares que definen su creación. Entre las obras participativas que se podrán experimentar están ‘A Maze’ (1971), un laberinto por el que se puede transitar, o ‘En Trance’ (1990), una construcción arquitectónica que sirve de preámbulo y entrada a la muestra, y que reúne las nociones de transformación y juego. La exposición en MUSAC no es solamente una ocasión única para tener acceso a las obras históricas de la artista, sino que también recoge algunos de sus proyectos más recientes, como la instalación ‘Doors’ (2011) o ‘Invisible Flags’ (2015), que reitera el pacifismo como una de sus preocupaciones vitales. En el recorrido hay también una amplia selección de sus películas, realizadas en parte junto a John Lennon, y de las que podremos ver ‘Rape’ (1968), ‘Fly’ (1970/1971) o ‘Freedom’ (1970).

 

SALAMANCA

Candela Sotos, DA2 Salamanca. De 12 de marzo al 7 de junio de 2026.

En 2026, Visiones Contemporáneas, últimas tendencias del cine y el vídeo en España, proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel Martín y Natalia Piñuel Martín), llega a su decimocuarta edición, e inauguramos la temporada con el ciclo dedicado a la artista visual y cineasta Candela Sotos, que trabaja de forma interdisciplinar en archivo, imagen y botánica. Incorpora distintas metodologías que vinculan la transmisión oral con la práctica colaborativa, buscando formas de producir imágenes y relatos en torno a la memoria, que se materializan en diversos formatos: instalaciones, publicaciones y películas. Estudió Comunicación Audiovisual en Madrid y un Máster en Artes plásticas y fotografía en Paris 8. También fue parte del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato di Tella de Buenos Aires. Ha presentado su trabajo en centros de arte y festivales como CRA Matadero Madrid, Sala de Arte Joven (Madrid), Fundación Cerezales Antonino y Cinia (León), Centro Pompidou Málaga y el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Argentina) entre otros, además del Festival Internacional Visions du Réel (Suiza), Seminci (Valladolid) y el Festival de Cine Español de Toulouse donde obtuvo el premio al mejor documental. Ha sido seleccionada en el Circuito de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, recibido ayudas a la creación del Ministerio de Cultura, Fondo Nacional de las Artes de Argentina y Ayuntamiento de Madrid. Forma parte del catálogo de artistas de la Galería Freijo (Madrid). Candela Sotos vive y trabaja en Madrid. Esta será la primera vez que exponga su obra en Salamanca. 

Virginia Rivas, El color del ruido, Sala Patio de Escuelas, Salamanca. Del 27 de febrero al 17 de mayo de 2026.

La propuesta expositiva de Virginia Rivas para el festival [CON]TEMPO fusiona la pintura con el arte sonoro; y parte de la clasificación de ruidos en el espectro sonoro y su identificación cromática, desde los que se establece una analogía entre la onda visible y la audible. Según la clasificación comúnmente aceptada, cuando la densidad espectral de un ruido es uniforme, se identifica con el blanco, mientras que el color se define en función de los usos de tonos graves y frecuencias bajas. Blanco, rosa, gris, verde y marrón son los ruidos y los colores que determinarán varias instalaciones complementarias distribuidas por el espacio de la Sala de Exposiciones de Patio de Escuelas. Unas columnas traslúcidas convocan al espectador a sumergirse en la textura sonora elegida por la autora. La visión desde el interior transforma el espacio y altera la coloración del resto de obras, mientras reafirma la coincidente en espectro y tonalidad. Para la selección de las instalaciones pictórico / sonoras en función de estos determinados colores Viriginia Rivas ha atendido al uso de los ruidos en terapias de sonido aplicadas a problemas de sueño, concentración, ansiedad y tinnitus (escucha de ruidos internos en los oídos).

Gabriela Bettini, Cierta tarde, la más bella de las tardes de mi vida, DA2 Salamanca. Del 7 de febrero al 24 de mayo de 2026.

Comisaria: María Iñigo Clavo.

Se trata de la primera exposición retrospectiva de Gabriela Bettini en España y recorre su trayectoria entre Madrid y Buenos Aires. El punto de partida lo encontramos en su pieza más reciente, Memoria del agua, que contiene el inicio de un poema incompleto de su abuelo desaparecido durante la dictadura militar argentina, escrito al final de las páginas de un libro de Edgar Allan Poe. Los versos incompletos de su abuelo terminan con una “,” un silencio, un vacío, una presencia interrumpida que la obra de Bettini ha intentado llenar desde sus primeros trabajos. El libro de Poe contiene el poema El cuervodonde resuenan una y otra vez las palabras “nunca más”. Esta exposición habla de la resistencia a la ausencia y la extinción. El trabajo de la artista está marcado por una historia de violencia, trauma y exilio que atraviesa los cuerpos de generación en generación. Su obra traslada esta genealogía de violencia encarnada hasta el paisaje, nuestra histórica relación extractivista con la naturaleza y las políticas del olvido hacia las formas de vida que, aun así, perseveran en su existencia. La exposición, por ello, muestra diversas temporalidades que se superponen, desde las pinturas coloniales de los pintores exploradores del s. XVII, hasta los escenarios en grave conflicto medioambiental de los últimos años. En todas las obras la representación artística se evidencia como un trampa-antojo, cómplice y herramienta del despojo y el borrado. Sin embargo, Bettini se alía con la pintura críticamente para proponer revertir esta función mostrando su mecanismo. Esta insistencia en pensar la imagen contrasta con el intenso diálogo de la obra de la artista con la literatura, la poesía, la teoría crítica y el lenguaje oral, como en una suerte de duelo taxonómico de organización de la experiencia. En El cuervo, Poe increpa al animal por la malicia de sus proféticas palabras que permanecen como presencia fantasmal de una pérdida irreversible. Esta agencia también se presenta en la exposición de Bettini a través los animales y la sabiduría de la naturaleza, que esperan su momento de rebelión.

 

Eloísa Sanz, Des/pliegues en pintura, Palacio Quintanar, Segovia. Del 30 de abril al 4 de julio de 2026.

Comisaria: Rocío de la Villa.

Ante la actual “vuelta a la pintura”, conviene revisar las aportaciones de quienes hace ya décadas plantearon transgresiones a la pintura como ventana (exterior e interior), alterando sus soportes, formatos y técnicas, como la pintora soriana Eloísa Sanz. La exposición recoge sus principales series. Comenzando por sus Metamorfosis de los años ochenta, inmersa en la tendencia de la “nueva figuración”, cuando rompe con el plano único y extiende su iconografía hedonista y “esquizo” a biombos y sillas. Durante la década de los noventa, su pintura en Tellus da un giro radical, explorando la tensión entre figuración y abstracción a través de tramas e intersecciones de planos donde se entreven plantas, frutos y otras formas orgánicas. Motivos que pugnan por sobrevivir en la serie Ciudades de la década dos mil, donde introduce collages fotográficos. Y adquieren todo el protagonismo en la sucesiva Naturalezas y bodegones, con una paleta luminosa y brillante que despliega la ventana en planos y cajas. Desde entonces, Eloísa Sanz se ha centrado en jardines de la memoria y jardines habitados, pintados y construidos con materias orgánicas. Junto a la serie Árboles, personajes simbólicos y lúdicos, de reciente creación.

La palabra expandida, Palacio Quintanar, Segovia. Del 24 de abril al 4 de julio de 2026.

Comisaria: Margarita Aizpuru.

Actualmente las imágenes forman parte de nuestras vidas cotidianas por doquier. Sin embargo, los nuevos modos de intercambio de información con imágenes, no evitan que los contenidos sigan siendo eminentemente textuales, y que el texto siga siendo una fuente primaria de conocimiento, de información y comunicación, sea en su forma escrita, hablada, o fusionada con la imagen. Este proyecto indaga en la palabra, que se expande hacia la visualidad de las imágenes y la performance. En él se muestran trabajos artísticos que interrelacionan las artes visuales y las palabras, sus fusiones y contaminaciones. Y ello mediante la pintura, los dibujos, las instalaciones, los objetos, la fotografía, los vídeos y las performances que se encuentran “atravesados” por las palabras. Teniendo como protagonistas a artistas de distintos países y generaciones, seleccionados por la contundencia de unas obras experimentales, rupturistas, abiertas e híbridas. Artistas que, en unos casos, hacen uso del apropiacionismo y de la cultura del reciclaje de fragmentos de imágenes y textos, transformando textos en imágenes en una interrelación fluida y dinámica. En otros casos, parten de cero para crear sus propias narraciones. O bien hacen un uso audiovisual para documentar acciones o eventos performativos o para mostrar sus propias videocreaciones.

Artistas: Bartolomé Ferrando, Beth Moyses, Dora García, Esther Ferrer, Jesús Algovi, María Cañas, Matías Escalera y Miguel Ángel Sánchez García, Max Nitrofoska, Rogelio López Cuenca, Rosella Matamoros, Verónica Ruth Frías, Yolanda Pérez Herreras.

Laura Torrado, Ouroboros, Museo Esteban Vicente, Segovia. Desde 15 de enero hasta 17 de mayo de 2026. Intervención en la Catedral de Segovia, Capillas de la Piedad y de San Frutos. Desde el 8 de enero de 2026.

La exposición está concebida como un gran retablo barroco, cuyas escenas aparecen concatenadas en distintos registros, a partir de un cuerpo de obra en el que se entrecruzan pasado y presente que no hace sino afirmar la coherencia de un relato continuo. La artista crea una dramaturgia minuciosamente articulada en la que los diferentes medios hablan y dialogan, las obras se confrontan y completan en una relación dinámica, en un juego de espejos; además de proyectarse en el espacio y desbordar sus límites físicos más allá del Museo, en la Catedral de Segovia, en la Real Fábrica de Cristales de la Granja de San Ildefonso y en la Real Fábrica de Tapices de Madrid. Un hilo conceptual y narrativo que mantiene la trama en tensión uniendo los diferentes enclaves y generando un magnetismo entre ellos. Laura Torrado, doctora en Bellas Artes por la UCM, se forma en la danza antes de ingresar en la facultad de Bellas Artes de Madrid y en los talleres del artista Mitsuo Miura. Reside en Nueva York a principios de los años noventa y participa de la intensa vida artística de la ciudad. Allí se inicia como artista en el vértigo de sus predecesoras, voces como Louise Bourgeois, Eva Hesse, Rebecca Horn o Ana Mendieta. Durante esos años, este lenguaje híbrido en el que ella se inscribe es denominado “escultura”. El título de la exposición alude al vocablo griego οὐροβόρος (que se muerde la cola). Ouroboros es la serpiente, símbolo de la regeneración constante que hace referencia a la naturaleza del tiempo cíclico de la vida, a la eternidad. Una iconografía que atraviesa la obra de Laura Torrado (LT) en la circularidad de Autorretrato (Ouroboros), 2015, o en Sin título (Sacerdotisa I, II), 1994-2025, donde los cuernos remiten a la luna o a las diosas del destino, sus moradoras. Y a la serpiente, cuya piel muda como la sombra de la luna creciente, renace como ella y comparte sus poderes de renovación. Son epifanías de los poderes autodestructivos y regeneradores de la vida. Su autora afirma que “son imágenes arquetípicas impregnadas de una carga simbólica”.

 

VALLADOLID

Esther Gatón, Tú, tú, tú, mi incesante, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 21 de marzo al 13 de septiembre de 2026.

La Sala 8 la que acogerá un trabajo específico, pensado para ocupar un espacio de gran singularidad arquitectónica. La exposición tiene como título un verso del poeta vallisoletano Jorge Guillén: “Tú, tú, tú, mi incesante”. La instalación, que ha de considerarse como una sola pieza, tiene una gran profusión de nuevas arquitecturas y de efectos lumínicos, una opción, ésta última, muy frecuente en su trabajo. De hecho, ya estaba presente en la exposición que realizó en la Sala 0. Todas las nuevas intervenciones, formales y etéreas, configuran la obra en sí misma pero también adquieren el estatus de dispositivos para otras obras que le artista dispondrá en situaciones enconadas, tangenciales, poco normativas y ajenas a convenciones habituales de montaje. 

Nuria Fuster, Aire que yo respiro, Museo Patio Herreriano, Valladolid. Del 21 de marzo al 13 de septiembre de 2026.

Núria Fuster (1979), alcoyana residente en Berlín, no es desconocida para los públicos del Museo Patio Herreriano. Ha participado en varias exposiciones colectivas y la Asociación Colección Arte Contemporáneo cuenta con dos obras suyas. Como se sabe, la presencia en la colección suele ser un pretexto solvente para la selección de artistas que forman parte del programa de exposiciones temporales. Ésta de Núria Fuster, además de la lógica repercusión de su obra en los contextos nacional e internacional, es un buen ejemplo de esta política. La exposición de Fuster, que lleva por título “Aire que yo respiro”, inspirado en lecturas de Miguel Delibes, es una intervención específica en la Capilla y en la Sala 9, esto es, dos obras creadas para esta ocasión en la que nos hace partícipes de un interés por una tradición escultórica que flirtea con lo cinético y desde la que nos propone una manera de entender la escultura como una entidad viva, y que como tal -y como reza el título- requiere del aire para respirar y vivir, habitando así, de esta forma singular, este lugar tan especial. Se trata, por tanto, de un órgano dinámico que se acoge a una vibración propia. Con esta doble instalación, Fuster prosigue con su investigación en torno al hálito potencial de su escultura mientras la adapta a las p

 

CATALUNYA

BARCELONA

obreu eD. Bacanal de mots i sons, Fundaciò Úniques, Barcelona. Del 14 de marzo al 16 de mayo de 2026.

Comisaria: Marta Darder.

La exposición tiene como protagonistas a las poetArtistes, creadoras que exploran las posibilidades del lenguaje desde una práctica híbrida entre poesía, artes visuales y acción. Comisariada por Marta Darder, la muestra parte de la siguiente reflexión del texto curatorial: “Las palabras, los vocablos, las letras son materiales de primera para experimentar, buscar nuevas formas de hacer y jugar en la creación. Estos elementos del lenguaje, trabajados con el azar, el absurdo y la intuición, y mezclados con materiales visuales, sonoros, escénicos y de acción en hibridación, configuran nuevos caminos de investigación en las artes visuales y textuales”. En esta bacanal, las poetArtistas experimentan y juegan con los lenguajes visuales y textuales en hibridación. Los elementos visuales, textuales y sonoros del lenguaje son materiales de experimentación sin fin en hibridación y fusión, deconstrucción, reconstrucción… en las mentes, en las manos, en las gargantas de estas aventureras. El trabajo se sumerge en las distintas dimensiones de estas herramientas en movimiento, en acción, en infinitas ramas de expresión y significación. El absurdo, el azar, el juego, la intuición, la protesta, la revuelta, la perversión de los caminos preestablecidos salpican y/o inician las obras en proceso constante. En cada texto, obra o proceso de creación aparecen nuevas realidades; en cada poema, las letras, los sonidos y las imágenes, todos a la vez, son importantes en el mismo grado. Ningún lenguaje se subyuga a otro. Cada elemento suma; conviven, se escuchan en una comunión (o no) semiótica y semántica con una profundidad de lecturas posibles. Las diferencias, las particularidades, las uniqueness son riquezas en la construcción de unos universos paralelos que coexisten en una inmensidad de realidades múltiples, diversas y cambiantes. Un bullicio de palabras y sonidos. Un desenfreno lleno de arrebatos y sensateces desatinadas. Artistas poetas experimentan nuevas maneras de hacer en una mezcolanza textual y visual, en extensiones del lenguaje, en sonoridades tridimensionales, en imposibles asemias. Cada individualidad hace y deshace a su manera. Disfrutando del hecho de jugar, liberando la escritura y la imagen en hibridación, creando desde la libertad de acción. Todo se libera y se expande en un caos aparente. Artes visuales, textuales, sonoras, de acción, donde el lenguaje, la escritura, los sentidos, los sonidos, las imágenes y las acciones forman un conjunto indivisible y a la vez independiente. Una multiplicidad de herramientas, materiales y técnicas mezclándose en armonía caótica o no, se rebelan y se componen con sentido o no. Los lenguajes visuales, textuales y sonoros en creación simultánea: en unión, en fusión, en dispersión. Semiótica y semántica en un plano conjunto. Una sopa en ebullición. Los componentes, implícitos y explícitos, dialogan, crean universos, ecosistemas volátiles, perennes, arbóreos, hídricos.

Artistas: Ester Xargay, Mari Chordà, Josefa Tolrà, Núria Martínez-Vernis, Mònica de Dalmau, Montserrat Aloy, Catalina Girona, Lola Miquel y Marta Darder.

Ana Moreno, La tercera torsión, MACBA, Barcelona. Del 4 de febrero al 5 de julio de 2026.

En La tercera torsión la artista documenta, en formato de road movie, el estado actual de un asentamiento nómada construido en 1979 por Bofill en el Sáhara argelino, bajo la comisión del entonces presidente Houari Boumédienne. La construcción se enmarca en el período utópico del arquitecto, cuando su estudio (RBTA), era una amalgama de arquitectos, poetas y pintores, entre otros. Lo que debía ser un complejo construido según criterios de modernidad, finalmente se convierte en un proyecto inconcluso que revela la tensión del sueño de aquella época con la realidad de los legados coloniales modernos. The Terminal Beach es un trabajo en colaboración con Bernardo Zanotta y ha recibido el apoyo de Amarte Fonds, Mondriaan Fonds, VEGAP, Hangar y Ricardo Bofill Taller de Arquitectura. Anna Moreno (1984) es artista visual y trabaja entre Barcelona y La Haya. Su práctica artística se basa en la investigación y se centra en la naturaleza inconclusa de eventos (históricos y futuros), al tiempo que cuestiona los procesos de documentación durante la postproducción. Su investigación mezcla conceptos de las finanzas, la arquitectura utópica y la literatura especulativa y toma forma de instalaciones, películas o eventos. Moreno ha sido residente en instituciones de todo el mundo, como la Jan Van Eyck Academie de Maastricht (Países Bajos), SASG (Seúl), HIAP (Helsinki), Salzamt (Linz) y Cittadellarte – Fondazione Pistoletto (Biella). Ha expuesto en el MOCAB (Belgrado), en el SAS Geumcheon (Seúl), en la Fundación Joan Miró y en 1646 (La Haya), entre otros. Es conferenciante y publica ensayos sobre arte, política y arquitectura en revistas especializadas como CARTHA.

Antonia del Río, Una poética del uso: hacer servir la biblioteca, Fundació Suñol, Barcelona. 

Este proyecto consta de una parte presencial, que tendrá lugar en la biblioteca de la Fundació Suñol, y otra online, que podrá encontrarse en nuestra web en el marco del proyecto Shortcut. La propuesta presencial de este proyecto parte de la activación de la biblioteca como espacio creativo de la Fundació Suñol. La artista ha seleccionado un conjunto de monografías de algunos artistas consagrados que forman parte o han formado parte de la Colección Suñol Soler, y que se encuentran ampliamente representados en la biblioteca. Antònia del Rio selecciona fragmentos que hacen referencia a la construcción del discurso historiográfico sobre el artista genio y las obras de arte consideradas obras maestras, y destaca la información personal, con especial interés sobre la paternidad de estos autores y las implicaciones de esta condición en sus trayectorias profesionales, así como la profesión de artista en la saga familiar o aquellas citaciones que transcriben voz de los mismos autores. Los libros intervenidos en la biblioteca de la fundación forman una constelación de señales amarillas en los lomos que nos permiten identificarlos. En el interior encontramos encartados unos acetatos transparentes que han servido para subrayar el texto. De esta manera, se hace visible un contenido que ya formaba parte de la Fundació Suñol pero que, a través de la mirada del artista, emerge en clave crítica para proponernos un contrarrelato posible, a la vez que invita a encontrar otros. En el apartado online, titulado S/T Mapa de relaciones, Antònia del Rio presenta un mapa de relaciones que parte de la información extraída del proyecto de la biblioteca. En este mapa de relaciones o sociograma, conecta una serie de artistas que se conocieron personalmente, según aparece de manera explícita en los catálogos que ha leído. Otras informaciones que podemos encontrar en el mapa son: si los artistas son padres, si podemos conocer los nombres de los respectivos hijos e hijas, si sus progenitores eran artistas o si los artistas en cuestión siguen vivos en la actualidad.

 

GIRONA

Francisca Rius i Sanuy (1891-1967), Disseny i vida, Museu d’Art de Girona. Hasta el 28 de junio de 2026.

Comissariada pel seu net, Domènec Ribot, l’exposició és la primera mostra monogràfica dedicada a aquesta artista barcelonina que el context social i polític del segle XX va condemnar a l’oblit. Formada a la l’Escola La Llotja entre 1907 i 1914, Francisca Rius va destacar en l’art de l’estilització i el disseny ornamental, en la necessitat d’oferir treballs artístics de formes simplificades per a ser aplicats a les exigències de les diferents indústries, amb un llenguatge situat entre el modernisme i l’art-decó. La mostra reuneix il·lustracions, dibuixos, dissenys gràfics i patrons per a brodats conservats amb cura durant dècades per la família i pràcticament mai mostrats al públic, que permeten redescobrir una creadora d’excepció. S’hi exposen també fragments originals del seu Diari íntim (1938-1939), document de referència sobre la vida quotidiana a la rereguarda de Barcelona durant la Guerra Civil, publicat el 2009 per Publicacions de l’Abadia de Montserrat. La prórroga fins al pròxim 28 de juny, davant la bona resposta del públic. Des de la seva inauguració el 29 de novembre de 2025, la mostra ha rebut gairebé 3.500 visitants. L’exposició, que estava prevista fins al 6 d’abril, podrà continuar visitant-se al Museu d’Art durant els mesos de primavera. La pròrroga s’emmarca dins el compromís del Museu d’Art de Girona per recuperar i visibilitzar les dones artistes oblidades, i ofereix l’oportunitat a tots aquells que encara no han pogut visitar la mostra de descobrir la vida i l’obra d’una creadora que mereix ser coneguda i reconeguda.

 

LLEIDA

Mónica Rikic, Psychoflage, MORERA, Museu d’Art Modern i Contemporary de Lleida. Del 17 de mayo 2025 al 16 de mayo de 2026.

Psychoflage es una instalación interactiva multisensorial de gran formato que transforma el espacio en un mundo de sueños y fantasía psicodélica. Está formada por veinte esculturas hinchables dotadas de sistemas interactivos electrónicos artesanales que controlan sus ventiladores y luces. La obra propone una forma alternativa de conectarnos con las tecnologías cognitivas (o inteligentes). En lugar de presentar un imaginario dominado por metáforas de productividad, velocidad y competencia, que suelen estar asociadas a estas tecnologías, la pieza nos invita a acercarnos a ella de una manera tranquila y relajada. esculturas flotantes hace referencia a las prácticas de meditación y relajación. En relación con la práctica artística del artista, Mónica Rikić, la propuesta nace con la intención de plantear, desde el arte y el pensamiento crítico, enfoques alternativos a los futuros de las tecnologías. A diferencia de otras propuestas que trabajan en la intersección entre la IA y el arte -generalmente centradas en las posibilidades creativas de las máquinas-, este proyecto se centra en cuestionar, investigar y experimentar sobre las características que deben tener los sistemas cognitivos artificiales para ser considerados organismos existentes y sensibles. A partir de su fisonomía básica, su código y desarrollo autónomo emergente, los dispositivos simulan, mediante comportamientos físico-digitales, procesos que invitan a identificarlos como organismos sensibles. La propia estructura algorítmica y mecánica del objeto artístico se presenta al público como un dispositivo dramatúrgico que expresa su propia forma de existir. Los dispositivos, interconectados entre sí mediante una red interna que les permite coordinarse, generan distintos movimientos a medida que se hinchan y se desinflan, dando la sensación de respirar de manera orgánica. Su luz interna acompaña a estos movimientos, creando diversos efectos lumínicos interactivos. La pieza permite que el público camine por debajo de ella o incluso se pueda estirar tranquilamente para observarla desde abajo, favoreciendo la inmersión y la sensación de respiración que quiere transmitir la experiencia. La instalación cuenta con un sistema de IA que influye en el comportamiento del ritmo y los efectos de luz de los hinchables. Este sistema interactivo permite que los dispositivos sean sensibles a la presencia humana gracias a la visión computacional de una cámara y su procesamiento mediante código informático. Esta capacidad sensorial con el entorno genera alteraciones en el comportamiento de la prenda, creando una comunicación lúdica entre humanos y máquinas.

TARRAGONA

 

EXTREMADURA

BADAJOZ

María Blanchard, Pintar el mundo desde dentro, Museo de Bellas Artes de Badajoz. Del 6 de marzo hasta 14 de junio de 2026.

María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932) se abrió paso a pesar de las dificultades de su tiempo, a sus problemas de salud, a la guerra y la precariedad económica y consiguió posicionarse como la pionera del cubismo en un mundo de hombres en el París de principios del siglo XX. A pesar de su talento y del valor de su obra, fue silenciada durante años. El Museo de Bellas Artes de Badajoz (MUBA) reivindica a esta artista con la exposición ‘María Blanchard. Pintar el mundo desde dentro’. La muestra reúne 17 cuadros. 13 pertenecen a María y otros 4 son de artistas de su tiempo con los que se relación, como Juan Gris, Diego Rivera, Jacques Lipchitz y André Lhote. Es la primera vez que se expone en Extremadura la obra de María Blanchard. La exposición, comisariada por María Toral, recorre desde su etapa cubista hasta sus últimas creaciones, en las que la artista volvió a la figuración tras la Primera Guerra Mundial. Se muestran pinturas, collages y pasteles en los que plasma su particular estilo, caracterizado por una gran sensibilidad y una mirada profunda. Los protagonistas de sus obras son personajes que se cruza por las calles de París, sobre todo mujeres y niños. ‘La bretona’, ‘La costurera’, ‘Niña orando’, ‘Mujer amamantando’, son algunos de los cuadros expuestos junto a ‘El borracho’, obra emblemática. Las pinturas de María Blanchard se distinguen por el uso de colores intensos, composiciones bien equilibradas y una profunda expresión llena de sensibilidad que logra transmitir ternura y melancolía.

 

CÁCERES

 

Cocó Chanel: Más allá de la moda, Fundación Mercedes Caes, Cáceres. Hasta el 28 de junio de 2026.

Una exposición que descubre a Coco Chanel desde una mirada diferente: no solo como icono de la moda, sino como figura clave dentro del ambiente artístico del siglo XX. La muestra reúne obras y piezas vinculadas a grandes creadores como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Man Ray o François Kollar, estableciendo un diálogo entre arte y diseño a través de vestidos, fotografías, zapatos y complementos. El recorrido invita a entender cómo la moda formó parte de las vanguardias y cómo Chanel se integró en un entorno creativo que transformó la estética de toda una época. Una propuesta que conecta arte, historia y estilo en un mismo espacio.

 

GALICIA

A CORUÑA / SANTIAGO DE COMPOSTELA

Colita, Antifemina, Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela. Del 25 de marzo al 1 de agosto de 2026.

Esta exposición pone en valor el proyecto puesto en marcha por la fotógrafa Isabel Steva Hernández, más conocida por su seudónimo: Colita, y la escritora Maria Aurèlia Capmany, que se unieron en 1977 para crear lo que se considera el primero libro gráfico abiertamente feminista de la época de la Transición: Antifémina. Pese a que la editorial le retiró del mercado rápidamente, la obra se convirtió en un libro de culto crítico y reivindicativo. Años más tarde, la propia Colita y el director de su Archivo y comisario de la exposición, Francesc Polop, recuperaron el proyecto y el libro fue reeditado y publicado en 2021 por la editorial Terranova y el Ayuntamiento de Barcelona. La muestra reivindica la vigencia de las denuncias y reflexiones del libro, y a través de él, de las figuras de dos mujeres intelectuales y valientes, que lucharon por dignificar el hecho de ser mujer y por hablar abiertamente de feminismo.

Alexandra Ranner, Rumor, CGAC, Santiago de Compostela. Del 13 marzo al 27 de septiembre de 2026.

Comisaria: Piedad Solans.

La artista alemana residente en Berlín Alexandra Ranner (Osterhofen, 1967) presenta en el CGAC su primera exposición individual en un museo español. A partir de una selección de trabajos procedentes de medios diversos como la fotografía, la escultura, la instalación o el vídeo, la muestra realiza un recorrido por su trayectoria como artista desde el año 2003 hasta la actualidad.

 

LUGO

Alba Díaz, A lingua do futuro / O futuro da lingua, Museo Provincial de Lugo. Del 15 de abril al 15 de mayo de 2026.

La exposición fotográfica pone el foco en la realidad sociolingüística de Galicia. La muestra propone una mirada a través de retratos en blanco y negro sobre una generación de niños y adolescentes que, a pesar de haber crecido bajo el Decreto de Plurilingüismo vigente desde 2010, mantienen el gallego como su lengua materna y de uso habitual. La propuesta visual de Alba Díaz no se limita al retrato, sino que integra elementos simbólicos de figuras destacadas de la música y la literatura gallega. Además, la estética de la exposición incorpora palabras relacionadas con los afectos y la naturaleza, estableciendo una conexión visual entre la pérdida del idioma y el cese de la lluvia. Es un trabajo que busca documentar y reflexionar sobre cómo se transmite y se vive el idioma en las generaciones más jóvenes.

Mar Caldas, Facedoras do Lugo, Museo Provincial de Lugo. Del 5 de marzo al 18 de mayo de 2026.

Visibilizar el trabajo de las mujeres y su ingente contribución a las comunidades de las que forman parte es el punto central de este proyecto y de otros que Mar Caldas ha desarrollado desde hace más de una década. En Facedoras de Lugo, se centra en las tareas realizadas con animales; en la ganadería, principalmente, aunque también en la apicultura o en la veterinaria. En los ayuntamientos de A Pontenova, Guitiriz, Friol, Guntín, Castroverde, Outeiro de Rei, Castro de Rei, O Páramo, Taboada, Monterroso, Becerreá y Ribeira de Piquín encontramos granjas de mayor y de menor envergadura que, en muchos casos, apuestan por la producción ecológica o trabajan con razas autóctonas. Las diez fotografías que se exponen en el Museo Provincial de Lugo en el Museo Fortaleza San Paio de Narla, constituyen una muestra de las diferentes ocupaciones retratadas así como de la variedad territorial donde se efectúan. La diversidad de las mujeres fotografiadas da cuenta de los diferentes bagajes aportados a las explotaciones -desde la herencia familiar de saberes hasta la formación académica- y de la incorporación de nuevas generaciones en un espacio, el rural, que necesita urgentemente ser re-ocupado. Vemos en estas imágenes mujeres que tienen un profundo apego al entorno y un estrecho vínculo con los animales. Mujeres que invierten decididamente y trabajan con empeño en un sector, el primario, que es vertebral en la economía de un país. Mujeres fuertes, poderosas, admirables. Mujeres que hablan con orgullo de lo propio. Pero también es honda su queja ante la falta de apoyo y los mil y un atrancos por parte de la administración. Incluso parece que le temen más que al lobo.

Elas. O Vello Cárcere, Lugo. Exposición permanente. 

Se trata de un proyecto en colaboración entre Aurora Marco, que es investigadora, historiadora y profesora de la USC, y varias artistas locales: Chelo Rodríguez, Ehlaba Carballo, Irene Silva Xiráldez, María Manuela, María Xesús Díaz, Novais, Sabela Arias Castro y Vanessa Lodeiro. Tras la investigación de Aurora sobre mujeres gallegas que destacaron como artistas en diferentes etapas de la historia gallega y en distintos campos de creación, las artistas crearon una serie de piezas en homenaje a ELLAS.

 

PONTEVEDRA

Mercedes Ruibal – Agustín Pérez Bellas, Arte en parella, Museo de Pontevedra. Del 30 de abril al 28 de junio de 2026.

VIGO

Utopías, Diputación de Pontevedra en Vigo. Del 16 de abril hasta 25 de mayo de 2026.

Una propuesta multidisciplinar que invita al público a sumergirse en un espacio de reflexión construido a partir de «tres miradas artísticas que dialogan entre sí»: Cristina Fernández, Eva López y Rosa García. La muestra aborda la utopía no solo como un ideal o un anhelo compartido, sino también como un territorio complejo, atravesado por tensiones entre perfección y error, control y libertad, o entre el imaginado y el posible.

 

LA RIOJA

Arquetipas. La imagen de la mujer a través de la Colección Würth, Museo Würth, La Rioja. Desde el 14 de marzo de 2026.

 

COMUNIDAD DE MADRID

Ewa Juszkiewicz, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. Del 26 de mayo al 6 de septiembre de 2026.

Dentro de su programa de exposiciones en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, el museo presenta una monográfica de la artista polaca Ewa Juszkiewicz. 

Ewa Juszkiewicz (1984, Gdańsk, Polonia) reinterpreta los códigos visuales del retrato clásico europeo para cuestionar cómo se ha representado la belleza femenina a lo largo de la historia del arte. A través de la deconstrucción y transformación de la imagen canónica de la mujer en la pintura tradicional, recontextualiza este género desde una mirada contemporánea que abre nuevas y múltiples lecturas. Sus obras combinan una técnica pictórica minuciosa con un contenido provocador y subversivo, dando lugar a piezas que beben del pasado y se presentan como audazmente transgresoras.

Eulogia Merle, Cama adentro, Museo de América, Madrid. Del 30 de abril al 27 de septiembre de 2026.

Comisaria: Manuela Otero

«En la vida cotidiana, en ese lugar donde todo sucede sin que reparemos en las estructuras que la sostienen, conviven relaciones que permiten que el mundo funcione mientras permanecen invisibles. En el día a día, casi sin ser nombradas, persisten formas de trabajo que sostienen y reproducen desigualdades históricas. Familias que externalizan los cuidados a mujeres que migran. Cuerpos que habitan la intimidad de las casas sin acceso a la intimidad propia. La figura de la trabajadora “interna” en España, o de la empleada “cama adentro” en Argentina —antes asociada a la migración rural hacia las ciudades— hoy es sostenida por miles de mujeres migrantes latinoamericanas. Sus cuerpos encarnan el cruce entre lo doméstico, lo afectivo y lo colonial que la sociedad contemporánea prefiere no mirar de frente». Esta muestra propone interrumpir el silencio de esas mujeres invisibilizadas, desde la presencia: la presencia plena de mujeres que trabajan veinticuatro horas al día, seis días a la semana, cuyos nombres rara vez forman parte de los relatos oficiales. «Cama adentro» coloca los retratos de la artista argentina Eulogia Merle (Buenos Aires, 1979)en un lugar de conflicto y de lectura crítica, como es el Museo de América de Madrid, donde la historia colonial resuena bajo cada vitrina. Allí, en diálogo tenso con la institución, estas figuras devuelven la mirada y reclaman un lugar que nunca les fue reconocido. La obra de Eulogia Merle nace de una experiencia profundamente personal, que es la que vertebra la exposición. En su infancia, en una casa familiar en Buenos Aires, fue Juliana Díaz, «Juja», una mujer migrante del Chaco argentino, quién la cuidó. Ese vínculo era mezcla de afecto y desigualdad, dependencia y cariño, cercanía y jerarquías. Años más tarde, tras la muerte de «Juja», Eulogia se desplaza hacia el lugar de la cuidadora: se reconoce heredera de un legado que no sabía que estaba recibiendo y encuentra en el arte una forma de devolver, agradecer y sanar. De esa pulsión nacen las obras que anticipan y preparan el camino para esta muestra. La serie de retratos de Juja, la intervención Abuela en el Mercado de Usera en el marco de Luminaria 04, y la pieza Pombero, donde memoria y mito se entrelazan, dan cuenta de una artista que trabaja la biografía como territorio político, que despliega lo doméstico como espacio de fricción y que busca, una y otra vez, la manera de dar presencia a aquello que ha sido sistemáticamente relegado.

Aurèlia Muñoz, Museo Reina Sofía, Madrid. Del 29 de abril al 7 de septiembre de 2026.

Titulada Entes en referencia a uno de los conceptos fundamentales en la obra de Aurèlia Muñoz, la exposición propone un análisis detallado de cinco décadas de la trayectoria creativa de la artista. Organizada por el Museo Reina Sofía y el MACBA, Museu d’Art Contemporari de Barcelona —donde se podrá ver a partir de noviembre de 2026—, da cuenta de la precocidad de la artista en cuestiones que hoy son centrales, como los imaginarios interespecie y el giro ontológico de la filosofía, el perspectivismo en la etnología o los posicionamientos no binarios en torno al género. El universo de Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011) está poblado de seres inagotables: figuras sin género definido, personajes a medio camino entre lo humano y lo animal, cuerpos textiles cargados de presencia, arquitecturas vegetales, telas suspendidas, pájaros-cometa. La artista fue clave en la renovación del lenguaje escultórico textil en la Europa de la segunda mitad del siglo XX. Inicialmente vinculada a la Nouvelle Tapisserie o la Escola Catalana del Tapís, desde muy temprano desbordó los límites del arte textil y la artesanía contemporánea para articular un proyecto artístico mucho más expansivo, coherente y transversal, fruto de una profunda experimentación técnica y material. A partir de los años sesenta encontró en el macramé una vía de expresión escultórica lejos de los cánones decorativos asociados a las artes aplicadas. Su obra evolucionó desde el collage y el ensamblaje hacia estructuras textiles monumentales, velámenes y esculturas en papel, anticipando preocupaciones medioambientales y existenciales hoy muy vigentes. Aurèlia Muñoz. Entes busca abrir nuevas perspectivas sobre el singular legado de una artista fundamental, ofreciendo una mirada profunda y renovada de su universo creativo. Un universo estructuralmente innovador y conceptualmente visionario, que dialoga tanto con la ingeniería como con la etnología y combina técnicas ancestrales con recursos contemporáneos.

Mariela Scafati, Nombrar el mundo, Centro Cultural Conde Duque, Sala Bóvedas, Madrid. Del 24 de abril al 19 de julio de 2026.

La artista argentina Mariela Scafati trabaja con y desde el lienzo. Su práctica excede, amplía y revuelve su uso tradicional: más que lugar de representación de la imagen, su superficie y también su materialidad se convierten en lugar de proyección. Sus obras, pinturas expandidas que se transforman en esculturas e instalaciones, pasan de ser superficie a ser lugar para desarrollo de la subjetividad colectiva. Usando tanto su materia como la palabra, su corporeización, suspensión y traslación, las hacen “declinarse” en seres, organismos y enunciaciones de la diversidad. En esta exposición, la primera individual institucional en España, propone un mundo que se recompone: de la conversación al recuerdo específico, del objeto al cuerpo, del lienzo a la ropa, crece desde lo cromático a lo múltiple, desde lo abstracto a la palabra concreta, desde el objeto cotidiano a la imaginación del camuflaje, desde traumas pasados a coloridos futuros. Es un viaje poético a través de conjuntos de lienzos monocromos vestidos con ropas recuperadas, y que multiplican las superficies pictóricas –las supuestas imágenes– en nuevos cuerpos que conforman familias en nuevos escenarios. Scafati en las nuevas esculturas Dai, Devo, Estela, Guille, Lola, Magui, Manu, y Nico, 2026, en Familia (Daniel, Kinga y Maite), 2019, (Colección Adrastus), y en Polleras (faldas en Argentina), todas ellas piezas vertebradoras de esta muestra, crea un universo de posibilidades al nombrar. Los límites del lenguaje suponen los del mundo, por eso, si en una operación filosófica el reconocimiento del léxico significaría crear una forma de vida, el uso compartido de estas palabras sería la estructura de una sociedad. Cada cuerpo-lienzo se viste con las ropas de una amiga, que, al nombrarle, se vuelve tangible y personal. Mariela, mientras recibe la donación de vestuario de cada una de sus compañeras les pregunta qué les sostiene en el presente, proyectándose, pensando un futuro, y estos pensamientos se vuelven frases pintadas sobre cada pieza, ahora ya, amiga con su propio relato. En el afecto y la afectación de estas relaciones y conversaciones compartidas, Mariela compone la serie de faldas: sus propias polleras que se desvisten, se dan la vuelta, muestran la costura y la entretela, sobre las que se condensan, nuevamente en palabras pintadas, las frases y términos que le conmueve. Estos quiebres, finalmente ruptura de los límites del mundo a través de las relaciones de amistad, se combina, actualiza y enriquece, en su práctica como activista. También en sala, el audio del programa de la Radio Eléctrica Artesanal, en colaboración con Lola Granillo, da voz a la escultura. Performatividad y desconcierto, finalmente son las pautas que Scafati va aplicando, como si se tratase de ir experimentando con las posibles declinaciones de una palabra, que se contagia, como una nueva posibilidad de futuro, a las últimas obras que se encuentran en este espacio. Libro y deseo, 2025; Para saborear, 2025; Respira, 2025; y Cuatro, 2025, son composiciones realizadas con cuerda, lona acrílica y muebles que dejan de ser, ya sea mobiliario, soga o lienzo. 

Marian Carrasquero, Todo empieza con ausencia, Casa de América, Madrid. Del 17 de abril al 30 de mayo de 2026.

El Jardín García Márquez y la Galería del Palacio de la Casa de América albergan del 17 de abril al 30 de mayo una exposición de la fotoperiodista venezolana Marian Carrasquero compuesta por fotografías realizadas a lo largo del continente americano entre 2023 y 2025. La muestra, que forma parte de las actividades organizadas por Casa de América por el 250 aniversario del nacimiento de Estados Unidos, se articula en torno a la ausencia, la resiliencia y la transformación, a través de historias que atraviesan la experiencia femenina, la infancia y la migración, así como las vidas de quienes construyen y resisten en medio de la adversidad. En estas imágenes emerge la fuerza que nace de la ausencia y la capacidad de reinventarse frente a la pérdida. Cada fotografía es una invitación a mirar más allá de lo visible, a acercarse a historias y experiencias que, aunque distantes, resuenan en lo íntimo y en lo universal. Marian Carrasquero es fotógrafa y cineasta documental, cuya obra cuentra historias visuales en la intersección del arte y el periodismo en América Latina. Su trabajo busca fortalecer la comprensión colectiva del continente a través de narrativas humanas. Ha trabajado en producciones para PBS Frontline, ESPN, Al Jazeera Witness y Voice of America, y sus fotografías han sido publicadas en National Geographic, NPR, Bloomberg, ProPublica, Der Spiegel, y The New York Times, donde colabora regularmente. Actualmente vive en la Ciudad de México.

Las ingenieras domésticas y la revolución de la casa. Colección Alfaro Hoffman, Museo Nacional de Artes Decorativas, Madrid. Del 16 de abril al 30 de septiembre de 2026.

La exposición recoge toda una serie de aportaciones de investigadoras que, desde posiciones muy diversas, propusieron un cambio de percepción para integrar la vida de las mujeres, como organizadoras del hogar, en el nuevo orden económico y social que se estaba fraguando entre los siglos XIX y XX, condicionando así la evolución del espacio doméstico. Las pioneras en este campo de investigación fueron las teóricas norteamericanas Catharine Beecher (1800-1878), Christine Frederick (1883-1970) y Lilian Gilbreth (1878-1972), cuyas reflexiones y propuestas no cuestionaban el hogar como el lugar apropiado para la mujer, pero sí el diseño y la organización de la casa. Todas ellas consideraban la arquitectura doméstica como un espacio productivo que debía facilitar el trabajo y los procesos de producción del ama de casa. Por primera vez, la casa se diseña desde el punto de vista de sus usuarias. Las mujeres que proyectan las nuevas casas lo hacen desde la perspectiva de redefinir el confort doméstico mediante la racionalización, modernización y mecanización de su propio trabajo. Un nuevo concepto de confort, cuyas soluciones en el plano de la arquitectura doméstica, hasta ese momento ausente.

Menchu Gal, Imágenes de una vida, Espacio Cultural Serrería Belga, Madrid. Del 20 de marzo al 28 de junio de 2026.

Exposición dedicada a la artista pionera Menchu Gal que destacó por su fuerte personalidad artística y fue la primera mujer en recibir el Premio Nacional de Pintura en 1959. Menchu Gal (Irún 1919-2008) destacó por su fuerte personalidad pictórica y logró crear un universo propio que fue reflejo de su espíritu inquieto y cosmopolita. La exposición, organizada junto a la Fundación Menchu Gal, muestra una selección de obras que permite recorrer la evolución artística de la artista a través de paisajes, retratos, bodegones e interiores. También cuenta con obras de colecciones particulares, del Ayuntamiento de Irún y de la Fundación Menchu Gal. Una muestra que se celebra veinte años después de su última exposición individual en Madrid, donde residió durante más de 50 años y formó parte de la Escuela de Vallecas. Sus pinturas, que destacan por su paleta cromática, su luminosidad y expresividad, son el reflejo de un carácter independiente forjado tanto por el contexto bélico como por los complicados avatares estéticos del siglo XX. En sus retratos, Menchu Gal emplea una pincelada deliberada en los rostros con el objetivo de ir más allá de la apariencia física del personaje y capturar su esencia, la mayoría representados por mujeres.

Ana Locking, Nostalgia/Utopía, Sala Canal de Isabel II, Rios Rosas, Madrid. Del 4 de marzo al 12 de julio de 2026.

Ana Locking es una diseñadora de moda consolidada, con más de 20 años de trayectoria, y conocida por combinar propuestas arriesgadas con cuestiones sociales. En esta retrospectiva se repasa su carrera, desde que comenzó a trabajar en el taller de confección de su madre, sus estudios en Bellas Artes o la primera marca que creó, Locking shocking, en 1996, hasta llegar, en 2008, a la firma que lleva su nombre. En sus diseños, Locking fusiona artesanía y experimentación, sin dejar de lado la atención al detalle y la practicidad de las prendas. Cada colección responde a unos intereses sobre el arte contemporáneo, la actualidad y las propias vivencias de la diseñadora. Además, Locking colabora en proyectos artísticos de instituciones públicas y privadas.

Monica Mays, Pulgar, Matadero Madrid. Del 27 de febrero al 24 de mayo de 2026. 

Elena del Rivero, La Quema, Museo Nacional de Antropología, Madrid. Del 27 de febrero al 24 de mayo de 2026.

En 2024 la artista Elena del Rivero viajó a San Pedro Fiz de Vilar, en la provincia de Orense, con sus obras creadas durante su periodo de formación. Allí se expusieron durante ocho meses en casas, establos, pocilgas, en la iglesia y la escuela y estuvieron sometidas a la inclemencias del tiempo. Transcurrido ese tiempo, los cuadros se quemaron en una gran celebración a la que acudieron todos los vecinos de Vilar, quienes también habían participado en la elección de los lugares de exposición, en la elaboración de instalaciones in situ con objetos encontrados y en la recuperación del recuerdo de los antiguos usos de esos materiales abandonados. El precedente de este proyecto es El archivo del polvo, que surge de la destrucción que la artista encontró al entrar en su estudio de Nueva York tras el 11 de septiembre de 2001, y que la llevó a reflexionar sobre cómo remendar y reciclar tiene connotaciones políticas y sobre el mercado del arte y el exceso de objetos decorativos en un mundo con recursos cada vez más limitados y con mayor cantidad de residuos. Junto con el curador Mateo Feijóo, buscó conectar La quema con el paisaje rural y activar una memoria acumulada por estos campesinos que basaban su subsistencia en el reciclaje y en la transformación de residuos en nuevas formas de vida. Elena del Rivero fue recogiendo objetos en desuso a los que dotó de un nuevo significado al elaborar ensamblajes, en los que combina estos objetos con elementos personales, y una serie de collages-diarios que se transforman en un archivo afectivo que condensa la ética del cuidado, la atención a lo residual y el cruce entre memoria, territorio y creación contemporánea. La exposición se completa con la obra Canto para un monumento funerario que se podrá ver en el Panteón de España.

Ester Partegàs, Arquitectura menor, CA2M. Móstoles, Madrid. Del 14 de febrero al 14 de junio de 2026. 

Comisaria: Bea Espejo.

Esta exposición revisa tres décadas de trabajo de Ester Partegàs en un proyecto concebido conjuntamente para el Museo CA2M de la Comunidad de Madrid y Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma, y propone una lectura transversal de su producción, alejada del formato retrospectivo. La muestra propone un recorrido circular en el que las obras se entrelazan y dialogan entre sí de manera abierta y permeable. Este planteamiento responde a una de las máximas de la artista, que afirma no poder estarse quieta a nivel creativo, y se traduce en un itinerario marcado por gestos y desplazamientos, equilibrios y resistencias, giros, idas y vueltas. El proyecto expositivo se completa con una publicación que profundiza en la trayectoria y la singularidad de la obra de la artista a lo largo de las últimas tres décadas. El volumen incluye textos de Martin Herbert, Pilar Bonet y Michael Taussig, que se suman al de la comisaria para articular un análisis coral del proyecto.

Dorothy Iannone, Una y otra vez, CA2M. Móstoles, Madrid. Del 14 de febrero al 30 de agosto de 2026. 

Comisaria: Tania Pardo.

Primera exposición monográfica dedicada a Dorothy Iannone (Boston, 1933 – Berlín, 2022) en una institución española. La muestra, comisariada por Tania Pardo, propone un recorrido exhaustivo por la obra de la artista y se presenta como una aproximación integral a su universo creativo y vital. El proyecto toma su título del espíritu de perseverancia y continuidad con el que Iannone entendió el arte y la vida, así como de su forma apasionada y generosa de concebir la creación. El recorrido expositivo se articula en seis apartados —La leona y su musa; Gentifilia; De ti para mí; Mitologías; Múltiples y Liberties— que atraviesan algunas de las principales temáticas de su trabajo: el deseo y el erotismo, el amor y la amistad, la censura, etc. De una originalidad desbordante, Iannone fue pionera en situar el deseo femenino en el centro de su práctica artística, abordando cuestiones que en numerosas ocasiones la enfrentaron a la censura. A lo largo de su trayectoria, la artista trabajó con una amplia variedad de medios, entre ellos pintura, dibujo, collage, vídeo, escultura y libros de artista, además de incorporar la voz como elemento fundamental en grabaciones y piezas sonoras. 

Helen Levitt, Fundación MAPFRE, Madrid. Del 19 de febrero al 17 de mayo de 2026.

Fue una de las primeras mujeres que se pudo ganar la vida como fotógrafa, gracias una exposición individual que organizó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1943. Sin embargo, la trayectoria de Helen Levitt arrancó en 1931, cuando comenzó a trabajar en un pequeño estudio de fotografía del Bronx. Los barrios más humildes de Nueva York son, a menudo, escenario de sus fotografías más conocidas. En esta muestra podemos ver estas imágenes y otras inéditas, así como los trabajos que realizó en México en 1941 y una excelente muestra de su obra en color, técnica que abordó a partir de la década de 1950. También se presenta el documental In the Street (1948), que codirigió. Como curiosidad, Levitt siempre evitó explicar o comentar sus imágenes. Esto ha dado lugar a muchas interpretaciones y versiones, todas válidas, porque el verdadero valor de las fotografías de Levitt es la forma en que conecta con las personas.

Agnes Essonti, Hotel del artefacto expoliado, Museo Nacional de Antropología, Madrid. Del 6 de febrero al 24 de mayo de 2026.

Desde el primer momento en el que empezó a investigar sobre la restitución de artefactos expoliados, en concreto en el contexto de los museos etnológicos en España, la mayor parte del interés de Agnes Essonti se fijó en aquellas piezas que anteriormente habían tenido atributos mágicos, espirituales y energéticos, además de un cierto rol comunitario. Se fija precisamente en estas cuestiones por esa búsqueda de otras maneras de comunicar que no parten de la palabra, y porque en la construcción de las identidades afrodescendientes la comunidad y la colectividad desempeñan unos papeles muy importantes. El MNA como hotel (alojamiento temporal) para aquellas piezas que vienen a conocer Madrid y España. ¿Cuánto tiempo hace que salieron de sus casas? ¿Es ahora el museo su nuevo hogar? ¿Tienen ganas de volver? ¿Cómo viven los procesos de conservación? ¿Qué significa ser inmortal? En esta exposición la autora se sirve del poder de la imagen, en diálogo con objetos del museo y otros creados por ella que, desde la perspectiva de la afrodescendencia, se vinculan con África central, su territorio ancestral.

Andrea Canepa, Palacio de Cristal, MNCARS, Madrid. Desde 13 de enero de 2026 al 31 de enero de 2027.

Andrea Canepa (Lima, 1980) intervendrá en 2026 las lonas que cubren el Palacio de Cristal del Parque del Retiro durante las obras de restauración en curso. El trabajo de Andrea Canepa parte de su profundo interés por la manera en que los objetos, los espacios y las estructuras culturales construyen narrativas sobre la memoria y la identidad colectiva. Su práctica se sitúa en un territorio de diálogo entre el arte, la sociología, la historia y la antropología, desde donde explora cómo los sistemas de organización –visuales, espaciales o simbólicos– no solo condicionan nuestras formas de percibir y habitar el mundo, sino que son constructos arraigados que a menudo operan de manera dirigida. Canepa aborda esas lógicas como objetos de estudio, apoyándose en investigaciones sostenidas en el tiempo que con frecuencia entroncan con el pasado de su país y con la historia de América Latina. Concibe sus instalaciones, esculturas y textiles como experiencias transitables y habitables no exentas de una dimensión temporal que las complejiza. El tiempo implica tránsito, exploración, trayecto, para recomponer la obra en términos conceptuales y de experiencia. Canepa incorpora asimismo el color, el cambio de escala y la alteración de lenguajes heredados como estrategias de extrañamiento que activan en el público un cuestionamiento crítico de las gramáticas culturales dominantes. De este modo, sus obras aterrizan en el presente cuestiones aparentemente lejanas en el espacio y el tiempo que interpelan poética y críticamente nuestra forma de estar en el mundo. La propuesta de Andrea Canepa para la segunda intervención en la lona que cubre temporalmente el Palacio de Cristal es parte de la investigación iniciada en la exposición As We Dwell in the Fold (MSU Broad Museum, Michigan, 2023), centrada en los fardos textiles de la cultura Paracas y en el ritual ancestral de envolver a sus difuntos. En este nuevo proyecto, Canepa traslada esas ideas al contexto del Palacio de Cristal, un edificio decimonónico marcado por la transparencia y por la lógica de la exhibición. Esta arquitectura de hierro y vidrio, emblema de una modernidad vinculada también a los avances técnicos, conecta con los artefactos ópticos precursores del cine. La artista convierte así el Palacio en un praxinoscopio contemporáneo que transforma sus paños acristalados en secuencias de cubrir y descubrir textiles, un relato cíclico que cobra sentido conforme el visitante rodea el Palacio.

Julia Margaret Cameron, El sueño de una noche de verano, Teatro Real, Madrid. Del 11 de junio 2025 al 11 de junio de 2026.

MURCIA

Pilar Morales, From Inside Project, Museo Hidráulico Molinos del Río, Murcia. Del 12 de mayo al 23 de julio de 2026.

La exposición de Pilar Morales, fotógrafa gráfica, es un proyecto de Reactivos Culturales de la Línea arquitectura, diseño y fotografía 2021 y titulado From Inside Project, es una exposición de fotografía inédita, que consta de un elaborado trabajo de más de dos décadas y en constante evolución, todo con una línea común: el mar. Desde la sencillez de los primeros disparos analógicos con cámaras acuáticas de usar y tirar, hasta la complejidad de los últimos con réfex digital y bolsa estanca, incluyendo alguna pérdida en el camino, y pasando por diversos puntos geográficos de España y Portugal. Esta es la cáscara o carcasa del proyecto. Para introducirse en él, mejor observar y detenerse en las fotografías sumergiéndose en las sensanciones y pensamientos que de ellas se derivan. El misterio, siempre presente y la inquietante belleza atrayente que esconde un horrible secreto. Un continuo y fiel viaje personal. Un hábitat, el del mar, como lenguaje propio que intenta ser descisfrado y transformado, a su vez, en otros mundos oníricos. Un estudio conciencuzo de sus mútiples facetas y de cómo interactuamos con él. La naturaleza salvaje e imponente anta la nimiedad del ser humano y su fatal huella. Fotógrafa formada en la Escuela de Fotografía EFTI de Madrid. Desde entonces ha compaginado diversos campos de la fotografía como freelance. Es miembro de la Asociación de Gráficos de la Región de Murcia. Ha realizado trabajos de publicidad y eventos, retrato y reportaje social. Formadora de talleres de fotografía como actividad extra escolar en institutos, así como en diversos centros culturales por toda la Región de Murcia. Coodiretora del Proyecto Secado (Sushka). Desde hace 25 años lleva trabajando en el proyecto de estudio del mar y los océanos y cómo el ser humano se relaciona con ellos.

CARTAGENA

 

COMUNICAD VALENCIANA

ALICANTE

María Alcaide, La romería de los cornudos, Las Cigarreras, Alicante. Del 10 de abril al 22 de agosto de 2026.

La romería de los cornudos es una investigación plástica que parte del ballet homónimo de García Lorca y Rivas Cherif (1933) con el fin de realizar una lectura heterodoxa de la romería del Rocío y el entorno de Doñana a través del vídeo, la danza, la música o la creación de vestuario, todo ello desde una perspectiva hidrofeminista que se centra en los usos del territorio. La romería de los cornudos fue la antesala de Yerma, pieza fundamental del autor en la que la fertilidad es, sin duda, el tema central, un tema que se refleja incluso en el paisaje. En este caso, el escenario es el Parque Nacional de Doñana, así como las zonas turísticas, industriales y agrícolas que lo rodean. Este proyecto es, en resumen, una actualización del relato que se centra en los usos del territorio, así como en las dinámicas productivas y reproductivas de los agentes que transitan por él.

Mulier, mulieris 16, 2026, MUA, Alicante. Del 6 de marzo al 19 de julio 2026.

La Convocatoria Bienal de Artes Visuales mulier, mulieris se enmarca dentro del programa de actos desarrollado por la Universidad de Alicante para conmemorar el Día Internacional de las mujeres. Esta convocatoria pone de manifiesto cómo la creación artística contemporánea se ha convertido en un terreno fértil para las investigaciones que rescatan el legado de las mujeres, visibilizan el constante y complejo proceso de transformación de la identidad femenina y abordan diversos conceptos en torno al género. Facilitar la reflexión, el cuestionamiento o la recuperación de la memoria, son algunos de los objetivos que persigue esta convocatoria artística de carácter multidisciplinar y de ámbito internacional. Mulier, mulieris está dirigida a artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad comprometidos con la creación de nuevos imaginarios femeninos.

Artistas: Greta Alfaro Yanguas, Samanta Aretino, Núria Benet Ramoneda, María Isabel Binimelis Pérez, Lucía Cassiraga, Alejandra Colell Pinell (aka Sandra March), Marina da Costa Thomé, Carolina Diego Freises, Paula García Nieto (aka Paula Ciani), Andrea Hauer, Cristóbal Hernández Barbero (aka Cristóbal Barbero), Geoconda Elizabeth Jácome Villacrés, Eva María Jiménez Mauricio (aka Eva Mauricio), Laura Martín de Blado, Carmen Bibiana Martínez Torrecilla, Sonsoles Masiá Sánchez, Gabriela Noujaim e Iliana Olalde Cázares.

Soledad Sevilla, Esperando a Sempere, MACA, Alicante. Del 20 de febrero al 17 de mayo de 2026.

Se trata de una exposición especial en la trayectoria de la artista: un proyecto que cierra un círculo vital y creativo y que, al mismo tiempo, resulta imprescindible para el MACA, museo cuyos orígenes están íntimamente ligados a la colección del artista alicantino Eusebio Sempere. Sevilla y Sempere mantienen un interés común por la línea, una práctica rigurosa de la composición y una deriva hacia lo sensitivo, hacia una geometría más blanda y emotiva. Esta afinidad poética con el artista alicantino atraviesa toda la carrera de Sevilla: desde los inicios hasta su producción más reciente, como las series pintadas desde el verano de 2022 concebidas como inspiración y homenaje a su amigo. Partiendo de las piezas de los años 70 que conservamos en las colecciones del museo, la exposición pone énfasis en la producción más reciente de Soledad Sevilla y reúne las series en las que ha venido trabajando entre 2022 y 2025: Horizontes blancos, Horizontes azules, Agnes Martin o la que da título a esta muestra: Esperando a Sempere, concebida como homenaje al artista alicantino. Son composiciones de gran exigencia formal en las que las líneas paralelas muy próximas entre sí, ocupan toda la superficie del lienzo, en blancos, grises o en color, haciendo vibrar lo visual. Estos lienzos envuelven al espectador e invitan a experimentar la pintura no solo desde la mirada, sino también de forma performativa, desde el cuerpo que comparte el espacio con ella. La contemplación se convierte así, en una experiencia física que desata emociones íntimas. Sevilla consigue evidenciar el espacio total como una unidad y, dentro de él, desplegar una amplia gama de registros y sutiles variaciones. Obras minuciosas e hipnóticas donde el tiempo queda suspendido mientras las miramos. Lo describe perfectamente el propio Sempere: “¿Para qué hablar de pintura si ustedes la están viendo?”. La geometría, lejos de ser fría o distante, adquiere aquí un carácter íntimo e introspectivo. Artista rigurosa y disciplinada, Sevilla trabaja guiada por la intuición… y encuentra en la luz y la línea, como Sempere, una conmoción sensible, una quietud rigurosa y deliberada. Como ella misma afirma sus tramas son “fondo para el pensamiento y el arte pasa por encima como una especie de reflejo”.

CASTELLÓN

VALENCIA

Tania Candiani, IVAM, Valencia. Desde el 29 de abril de 2026.

Comisariado: Blanca De la Torre.

María Carbonell, The subversive stitch, Centro del Carmen, Valencia. Del 24 de abril al 18 de junio 2026.

Comisariado: Isabel Tejeda y María Soledad González-Reforma.

El textil ha operado históricamente como un dispositivo de construcción de lo femenino, un símbolo de virtud, dedicación, pureza o fidelidad. Labores silenciosas y silenciadas, desprovistas de autoría, relegadas a lo utilitario y lo ornamental, y por ello excluidas, hasta hace poco, de los relatos legitimados del arte. Esta concepción cristaliza en el siglo XIX en un modelo burgués que integra el bordado en un ideal de refinamiento doméstico, ligado al control de los cuerpos y a una pedagogía de la feminidad, hasta que en ese mismo contexto emergen fisuras. Algunas mujeres, especialmente en Gran Bretaña, comenzaron a invertir el sentido de estas prácticas y las convirtieron en herramientas de visibilidad y lucha política. Las sufragistas trasladaron el bordado del espacio íntimo al público mediante estandartes, alterando no solo su función, sino su significado, que pasó de la invisibilidad del hogar a una forma de resistencia.

En esta genealogía se inscribe el trabajo de María Carbonell, que retoma los códigos de estos estandartes para reactivarlos desde el presente, introduciendo lemas contemporáneos que evidencian la persistencia y transformación de las luchas feministas.

Isabel Oliver, Cuerpos que huyen, Paisajes de barbarie, Palau Joan de Valeriola, Fundació Chirivella Soriano. València. Del 17 de abril al 27 de septiembre de 2026.

Comisaria: Isabel Tejeda Martín.

La reconocida artista valenciana reúne en esta muestra una selección de sus principales series, desde los años 70 hasta la actualidad. Una obra marcada por la potencia visual y el compromiso social. La trayectoria pictórica de Isabel Oliver (Valencia, 1946) exigía una exposición que ofreciera una visión de conjunto de su prolífica obra. La artista merecía este reconocimiento en su ciudad natal donde comenzó a pintar, donde vive y tiene su estudio. Fue estudiante en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos y fue profesora y catedrática del Departamento de pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Durante años combinó la docencia con la pintura, pero fueron sus logros artísticos los que le dieron popularidad y éxito. Ya en edad avanzada, a punto de cumplir sus setenta años, la Tate Modern de Londres contactó con ella para la exposición internacional “The World Goes-Pop” que tuvo lugar de septiembre de 2015 a enero de 2016. Esta llamada tuvo como efecto que los museos españoles comenzaran a fijarse en ella y así fue como el Museo Reina Sofía y el IVAM adquirieron poco después obra suya. Desde entonces su trayectoria profesional ha ido en ascenso y recientemente la Colección de Arte del Banco de España adquiría su obra nº 34 de la serie La mercantilización del arte. En 2024 fue galardonada con el Premio Alfons Roig de Artes Visuales de la Diputación de Valencia. La exposición reúne varias de sus series y es una ocasión inmejorable para tomar contacto visual con su quehacer artístico y comprobar su gran dominio técnico de la pintura, del dibujo y del color. Sus piezas impactan estéticamente a la vez que interpelan a la conciencia. Desde la figuración pop hasta sus últimas piezas pictóricas Isabel Oliver invita al público espectador a salir de la impasibilidad para demandar a los actores políticos justicia y paz. Su pintura representa la incongruencia de nuestro presente donde se perpetúa la aporofobia, la violencia contra las mujeres, la destrucción de la naturaleza y la conculcación de los derechos humanos. En suma, esta exposición era esperada y en cierto modo anunciada, por su actualidad y para reparar el olvido en el que estuvo la obra de esta pintora valenciana que ha visto reconocida su valía artística a nivel nacional e internacional.

La mujer en la obra de Julio González, IVAM, Valencia. Del 27 de marzo de 2026 al 28 de febrero de 2027.

Comisaria: Brigitte Léal.

La exposición La mujer en la obra de Julio González reúne 148 obras —todas ellas procedentes de la Colección del IVAM, con la excepción de cuatro dibujos de la colección Alfons Roig de la Diputación de València— y constituye una selección inédita que pone en valor la riqueza y singularidad de los fondos del IVAM en torno a la figura de la mujer en la producción del artista. La muestra presenta una organización temática de las obras de Julio González para subrayar las grandes etapas de su evolución, enlazando vida y creación, intimidad e historia, los retratos del entorno familiar o de mujeres de la vida moderna, la mujer campesina y la mujer urbana, las maternidades y las lectoras, desnudos académicos o abstractos, figuras reales o idealizadas. Sus esculturas también están cargadas de significado, muestran la emancipación de las mujeres contemporáneas y su tránsito de la esfera privada a la pública. Rendir un homenaje a la obra de Julio González es recordar a las tres mujeres que fueron fieles a su memoria: su hija, la artista abstracta Roberta González cuya obra está todavía por estudiar fuera de la influencia de su padre, y las generosas herederas de esta, Carmen Martínez y Viviane Grimminger que ampliaron con sus donaciones los fondos del IVAM. Es indiscutible que de no ser por la fidelidad de su hija Roberta a su memoria, la obra de González no habría alcanzado tal proyección. Tras la muerte de su padre en 1942, Roberta realizará, entre 1953 y 1966, donaciones de esculturas, pinturas y dibujos al Musée national d’Art Moderne de París. En 1972 hace extensiva su generosidad al Museu Nacional d’Art de Catalunya de Barcelona y al futuro Centro Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid. Tras su muerte, en 1976, sus dos legatarias universales, la galerista y editora Carmen Martínez y Vivianne Grimminger, continuarán su generosa política de difusión y promoción de la obra de Julio González, dotando entre 1987 y 1997 al IVAM de un fondo excepcional que asciende a 400 obras, así como de los archivos y la biblioteca del artista. El Museo pasa a denominarse desde entonces Centro Julio González.

El aura de una saga moderna: Ignacio, José y  Marisa Pinazo, IVAM, Valencia. De 3 dee marzo 2026 al 7 de febrero 2027.

Valencia es, entre 1870 y 1920, uno de los núcleos artísticos más prolíficos e influyentes de su tiempo. Un elevado número de pintores nacen y se forman en la ciudad, de los cuales hoy sólo se recuerda a una reducida parcela, a los denominados grandes maestros de la Escuela Valenciana, a pesar de que la mayoría de ellos residieron fuera de su ciudad natal.

De este amplísimo catálogo de pintores de mediados de los siglos XIX y XX apenas conocemos las biografías de unos pocos, y uno de los enigmas es a veces saber cómo consiguieron sobrevivir en un medio tan competitivo y saturado de profesionales. La opción para una gran mayoría fue desplazarse a otras ciudades y países de Europa y América principalmente. La docencia fue uno de los medios profesionales por los que muchos optaron, pero cuando se dependía exclusivamente de la comercialización de los trabajos en un mercado del arte tan constreñido como local, la vida de gran parte de estos artistas no dejaba de ser heroica.

En un contexto tan creativo como el valenciano, diríase que la vocación artística era en algunos casos como un componente genético que con facilidad se transmitía de padres a hijos. Tal es el caso de los Pinazo, que son un ejemplo que sin duda destaca entre las diversas familias artísticas de la ciudad, como los Capuz, los López, los Benlliure, los Sorolla o los Manaut Viglietti, entre otros.

En este fenómeno de transmisión del oficio hay un componente práctico, de continuidad o herencia de una tradición, de vocación también. La vivencia y familiaridad con la creación artística crea una predisposición que favorece la continuidad del oficio. Como ejemplifica bien el caso del clan de los Pinazo que ahora se presenta. El gran maestro Ignacio Pinazo Camarlench (1849-1916) tuvo dos hijos que se dedicaron al arte, José e Ignacio Pinazo Martínez, el primero pintor y el segundo escultor, aunque también practicó la pintura y fue cantante. Aunque Ignacio Pinazo Martínez es un gran escultor, se ha optado ahora por mostrar la obra de Marisa Pinazo Mitjans (1912-1990), hija de José Pinazo Martínez (1879-1933), ya que es ella quien da continuidad al arte de la pintura dentro de la tercera generación.

Confrontar o mostrar secuencialmente el arte de tres generaciones obliga a interpretar las relaciones existentes, la evolución gradual de cada uno de ellos, así como unas persistencias que lógicamente son más acentuadas entre padre e hijo que entre abuelo y nieta. Aunque la potente personalidad del abuelo sea objeto de veneración, el arte de cada cual sigue su curso y las creaciones de los tres van hablando de una superación de modelos y de evoluciones estilísticas que en su conjunto posibilitan realizar un sugestivo recorrido que nos lleva del Naturalismo y el Modernismo al Art Decó.

Los estímulos que provocan los modelos paternos en las distintas generaciones crean unas conexiones o nexos que se detectan claramente entre los trabajos de Ignacio Pinazo y las creaciones de José Pinazo de su fase inicial, al igual que sucede entre ciertas pinturas de Marisa Pinazo y creaciones de José Pinazo. Una breve selección y hermanamiento de obras de distinto género permiten apreciarlo con nitidez.

A media lumbre, IVAM, Valencia. Desde el 18 de febrero 14 de junio de 2026. Casal Solleric/Es Baluard, Palma de Mallorca: julio-septiembre, 2026. Centro de Arte y Naturaleza, CDAN, Huesca: octubre-diciembre, 2026. Museu Terra, L’Espluga de Francolí, Tarragona: octubre-diciembre, 2026.

Comisaria: Blanca De la Torre.

María Gomar, Objetos desaparecidos, CCCC Valencia. Online. 

El Centro de Carme, dentro de su programa #CCCCenCasa te ofrece una nueva manera de visitar sus exposiciones desde casa, a través de sus tours virtuales, una experiencia inmersiva que permite acceder a contenidos, juegos interactivos y otros detalles específicamente desarrollados Producida por la Delegación de Memoria Histórica de la Diputació de València y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, la muestra es una aproximación artística a los objetos personales de víctimas del Franquismo en el contexto de las fosas comunes de Paterna (València). ¿Qué valor adquieren estas piezas en las manos de los familiares? ¿Qué representan para nuestra sociedad? ¿Qué mensaje lanzan a la democracia?

 

PAÍS VASCO

BILBAO

Ruth Asawa, Retrospectiva, Museo Guggenheim, Bilbao. Del 19 de marzo al 13 de septiembre de 2026.

Ruth Asawa (Norwalk, California, 1926–San Francisco, California, 2013) fue una de las artistas más dotadas y prolíficas que surgieron en EE. UU. tras la Segunda Guerra Mundial. Criada en una granja del sur de California, en 1942 la adolescente Asawa y su familia fueron detenidos en campos de internamiento japoneses-estadounidenses. En 1946 Asawa pudo matricularse en la escuela experimental Black Mountain College cerca de Asheville (Carolina del Norte), donde la atmósfera intensa y creativa del centro y el estímulo de sus profesores, como Josef Albers, la impulsaron a explorar las posibilidades de materiales ordinarios, como sellos, hojas de árboles, papel e incluso, más tarde, alambre. Entre sus primeras innovaciones se encuentran esculturas colgantes realizadas con alambre en bucle, de formas orgánicas, sensuales y transparentes, que exploran nociones como la repetición, la forma, la sombra y el espacio. En 1949 Asawa se trasladó a San Francisco y más tarde amplió su producción de obras tridimensionales a través de complejas piezas de alambre atado que sugieren estructuras orgánicas como flores, raíces, árboles o sistemas nerviosos, así como obras creadas en bronce galvanizado y fundido, pinturas, grabados y dibujos. A finales de la década de 1960, Asawa era muy conocida en la zona de la bahía de San Francisco por sus encargos de arte público, su defensa de la educación artística y su liderazgo en relación a los derechos civiles. Si bien la apreciación del trabajo de Asawa ha crecido exponencialmente en las últimas décadas, esta retrospectiva es la primera gran exposición en un museo en incluir todos los aspectos de la exquisita, variada e innovadora producción de esta autora.

Denise Scott Brown, Ciudad. Calle. Casa, Museo de Bellas Artes de Bilbao. Del 11 de febrero al 31 de mayo de 2026.

Denise Scott Brown (Nkana, Zambia, 1931) es una de las arquitectas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX. Viajera, fotógrafa y activista, tras graduarse en Johannesburgo, continuó sus estudios en Londres y Roma. En 1958 se trasladó a Filadelfia para completar su formación y allí conoció a Robert Venturi (1925-2018), con quien compartiría su vida y profesión. Juntos desarrollaron una intensa actividad teórica, docente y profesional que incorpora el urbanismo y la cultura popular al diseño arquitectónico. Una de sus obras más influyentes es Learning from Las Vegas (1972), un ensayo crítico revolucionario elaborado junto con Venturi y Steven Izenour que incorpora la cultura popular americana y el automóvil al proyecto arquitectónico. La exposición será la primera gran retrospectiva celebrada en España dedicada a la arquitecta y una de las pocas internacionales que se centran exclusivamente en su figura. Comisariada por los arquitectos Maria Pia Fontana y Miguel Mayorga y estructurada en tres apartados –ciudad, calle, casa– reunirá por vez primera más de ciento veinte obras originales (dibujos, fotografías, carteles y maquetas) con el objetivo de poner de manifiesto la gran contribución de sus proyectos a la cultura visual contemporánea. Entre ellas, la muestra contará con una veintena de obras de arte y mobiliario de la colección privada de la arquitecta (Ed Ruscha, Roy Lichenstein, Andy Warhol…). La voz de Scott Brown estará presente en la exposición gracias a un documental de 30 minutos producido por el museo y dirigido por Manuel Asín y Pablo García Canga donde se recogen las reflexiones de Scott Brown junto a imágenes de su casa de Filadelfia. Esta película es un doble retrato compuesto por la casa de la arquitecta y sus palabras, trasladando en forma y contenido su pensamiento. El reconocimiento de Denise Scott Brown ha sido sistemáticamente desatendido durante demasiados años y su figura relegada a la sombra de su socio y marido. Sus propuestas iconográficas, claramente conectadas con el arte, han tenido gran impacto en la arquitectura y el diseño de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI. Después de Learnig from Las Vegas, el lenguaje de la profesión queda roto para permitir la entrada de una nueva luz que modificará los métodos de análisis y códigos utilizados por los arquitectos contemporáneos.

SAN SEBASTIÁN-DONOSTIA / GUIPUZCOA

Situ-akzioak es un proyecto que facilita, independientemente de la edad, el acercamiento al arte contemporáneo desde diversas perspectivas. A través de la invitación a una artista para crear una exposición site specific, transcurren al mismo tiempo una exposición y un proyecto educativo. El proyecto permite acercar el arte contemporáneo al contexto escolar, así como involucrar a familias —en cualquiera de sus variantes— en el proceso de creación de una exposición.

Estructura, espacio, tiempo. Elena Asins, Kutxa Fundazioa y Tabacalera, Donostia/San Sebastian. Del 27 de febrero al 24 de mayo de 2026.

Estructura, espacio, tiempo propone una revisión de la obra de Elena Asins (Madrid, 1940 – Azpirotz, 2015), a partir de las condiciones esenciales que articulan un desarrollo experimental guiado por el trabajo matemático y logarítmico, que dio lugar a un sistema visual único en su tiempo. Este proyecto analiza las características y el desarrollo de un lenguaje pionero en el uso de la computación como recurso compositivo, que le permitió concebir una estética basada en un sistema de relaciones visuales y recursos estructurales que generan un potencial expresivo virtualmente infinito. Presenta un conjunto de 71 obras, muchas de ellas inéditas, realizadas entre 1968 y 2011, y se completa con una instalación audiovisual que muestra 4 piezas de la artista acompañadas por una composición sonora específica realizada por Gorka Alda. Esta iniciativa es el resultado de la colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, entidad que gestiona el legado de la artista.

VITORIA

Juana Cima, Una mirada disidente, ARTIUM, Vitoria. Del 28 de febrero al 30 de agosto de 2026.

Comisaria: Garazi Ansa. 

Propone una aproximación a una actitud vital. Supone una exploración de un recorrido configurado en la intersección entre su memoria del Caribe, su formación en el contexto vasco y una espiritualidad exploratoria que, desde finales de los años setenta, anticipa debates clave sobre identidad, ecología y género. Juana Fernández Cima (Caibarién, Cuba, 1951) se revela como una voz singular que, operando a menudo desde los márgenes de la norma heteropatriarcal, construye universos estéticos de disidencia radical y poética, en los que creación y vida se entrelazan hasta volverse indisolubles. Durante el periodo de mayor visibilidad pública de su trabajo (1977-1997), sus obras ingresaron en colecciones institucionales —entre ellas las del Gobierno Vasco, la Diputación de Bizkaia y el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz—. Sin embargo, la libertad formal, la franqueza afectiva y la ausencia de concesiones en su exploración identitaria la situaron en los márgenes del canon crítico y museístico dominante. Tras un retiro deliberado del circuito expositivo —pero no de la producción—, su obra quedó progresivamente excluida de la narrativa hegemónica. Esta exposición busca interpelar esa ausencia, reivindicar la relevancia de su contribución y restituir su lugar en el debate contemporáneo. Articulada en cinco territorios (Bilbao. El primer territorio del deseo y la reivindicación; Territorios míticos y conciencia ecofeminista; La identidad insular y saberes mediterráneos; El camino espiritual a través de la India y el budismo y El retiro en la montaña), la muestra traza un recorrido no solo de giros biográficos y geográficos, sino de capas de búsqueda transcendental y consolidación identitaria. En ellos se revela una ética profunda de relación con el otro —humano, vegetal o animal— generada desde la alteridad, que atraviesa toda su práctica, en la que se entrelazan pensamiento, existencia y creación.

Mirar por un círculo en un círculo de miradas, ARTIUM, Vitoria. De 16 de enero al 30 de agosto de 2026.

Una exposición que explora prácticas artísticas que reflexionan de manera crítica y especulativa sobre el papel de la imagen en movimiento en la construcción de relatos y representaciones de la otredad que constituyeron una tradición variopinta de cine etnográfico. Las obras que componen el proyecto expositivo a menudo deconstruyen metodologías establecidas o cuestionan las tecnologías de producción de imágenes, pero también ponen la cámara al servicio de la autorrepresentación. El proyecto toma como punto de partida las reflexiones de la cineasta Maya Deren (Kiev, 1917 – Nueva York, 1961) derivadas de su trabajo en Haití y su renuncia a editar el material fílmico que registró en sus varios viajes a la isla en donde se adentró en el mundo del Vodou. Deren definió su posición en las primeras páginas de su libro Divine Horsemen. The Living Gods of Haiti (1954): «había comenzado como una artista, como alguien que habría manipulado los elementos de la realidad para convertirlos en una obra de arte a imagen y semejanza de mi integridad creativa; termino registrando, con la mayor humildad y precisión posible, la lógica de una realidad que me ha obligado a reconocer su integridad y a abandonar mis manipulaciones». Este abandono del formato cinematográfico a favor de la escritura nos da elementos para comenzar a construir un acercamiento crítico sobre las operaciones de representación implícitas en los formatos documentales. El título de la exposición es una cita tomada de la película Reassemblage (1952) de la cineasta y teórica vietnamita-estadonunidense Trinh T. Minh-ha (Hanoi, 1952). Filmada en Senegal, Reassemblage se aleja de cualquier pretensión de representación de una realidad ajena para reflexionar sobre el acto mismo de registrar, a través de la tecnología del cine, una serie de imágenes a las que se superpone la voz en off de Trinh quien, lejos de proporcionar una explicación pretendidamente organizada y objetiva de la realidad, se propone «no hablar sobre, sino cerca de». La cineasta dice: «Lo que veo es la vida mirándome. Estoy mirando por un círculo en un círculo de miradas». Ese círculo, el lente de la cámara, registra a aquellas que son filmadas devolviendo la mirada a quien filma y evidenciando las complejidades de las redes de relaciones que se establecen, mediadas por la oscilación de la distancia entre las diferentes subjetividades, pero también por el deseo. Así, la exposición propone una genealogía de prácticas influenciadas por el pensamiento decolonial, la cibernética y los feminismos y, además de las imágenes en movimiento, incluye otras obras que amplían las relaciones propuestas entre lo que Vilem Flusser llamó «imágenes técnicas» y otras prácticas artísticas.

Artistas: Sammy Baloji, Louidgi Beltrame, Minia Biabiany, Edgar Calel, Lastenia Canayo (Pecon Quena), Raymonde Carasco, Colectivo Los Ingrávidos, Maya Deren, Juan Downey, Sheroanawe Hakihiiwe, Aida Harika, Edmar Tokorino & Roseane Yariana, Helena Producciones, Héctor Hyppolite, Morzaniel Ɨramari, Frantz Jacques «Guyodo», Karrabing Film Collective, Sarah Maldoror, Sueli Maxakali, Beatriz Santiago Muñoz, Rosalind Nashashibi, Deborah Stratman, Trinh T. Minh-ha, Santiago Yahuarcani.